Katrin Koskaru

The line of little figures

Vernissage • samedi 25 janvier 2020 • 17h – 21h
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret 75011 Paris

Exposition du mercredi 29 janvier au samedi 28 mars 2020

Ran Zhang

Resolution of Traits

Vernissage • samedi 25 janvier 2020 • 17h – 21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Exposition du mercredi 29 janvier au samedi 28 mars 2020

À l’occasion de son exposition personnelle Resolution of Traits, Ran Zhang invite Éric Giraudet de Boudemange à réaliser une performance inédite au coeur du vernissage et en dialogue avec les oeuvres présentées. Ensemble, les deux artistes feront le récit d'une métamorphose contemporaine empreinte de mythologie, de science et de culture pop.

Les oeuvres d’Eric Giraudet de Boudemange naissent d’un travail de terrain, une recherche ethnographique qu’il transforme à l’atelier en récits personnels et poétiques. Sous diverses formes, (films, installations, sculptures, performances, jeux vidéo), son travail s’articule autour du folklore et des savoirs séculaires dans un contexte économique et culturel globalisé.

Né en 1983 à Boulogne-Billancourt, Éric Giraudet de Boudemange vit à Paris et travaille en France et à l'étranger. Après des études à l’ENSBA, au Fresnoy et à la Rijksakademie à Amsterdam - où il se lie d'amitié avec Ran Zhang - il est invité à participer à plusieurs résidences artistiques en Europe, ainsi qu’au Caire (Townhouse gallery), à Cotonou (Mava) et à la Nouvelle-Orléans (Deltaworkers). Il est actuellement résident au CAC Brétigny. Plusieurs de ses performances ont été présentées au Centre Pompidou, à la Fondation Ricard et à La Criée de Rennes. Il a bénéficié d'expositions personnelles au Fries Museum, à Punt WG et à Billytown aux Pays-Bas. Avec Montagne de Lumière, dernièrement visible à la galerie Lily Robert, Paris, il ouvre le second chapitre de ses recherches chamaniques alpines présentées cette année au centre d'art Les Capucins à Embrun.

Ran Zhang

Resolution of Traits

Vernissage • samedi 25 janvier 2020 • 17h – 21h
Exposition du mercredi 29 janvier au samedi 28 mars 2020
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

"Ran et moi avons entamé un dialogue intéressant sur l’idée de boucle dans son travail. Chaque fois que Ran regarde dans son microscope, elle peut voir ses propres cils projetés à l’envers et les myiodésopsies fixées sur les sujets observés. Elle voit à travers son propre corps les sujets étudiés de l’autre côté des lentilles. La micro-perspective est à jamais enfermée dans la possibilité de la machine, de même que la perspective atomique est à jamais enfermée dans la connaissance (biologie, chimie, etc.). Ainsi, les formes peintes qu’elle crée sont d’une part, ses propres myiodésopsies combinées avec ce qui pourrait être vu, et d’autre part, elles marquent et tracent l’emplacement où la vue peut atterrir sur les structures moléculaires en 3D, faisant de l’information (ces structures moléculaires 3D de la protéines motrices) une image. Les sources deviennent des matériaux ou des objets à entrelacer. Le travail (les photos) est une possibilité de voir ces connexions en une seule fois."

— Julia Geerlings, extrait du texte écrit spécifiquement pour l’exposition Resolution of Traits, L’ahah #Griset, 2019.

Katrin Koskaru

The line of little figures

Vernissage • samedi 25 janvier 2020 • 17h – 21h
Exposition du mercredi 29 janvier au samedi 28 mars 2020
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret 75011 Paris

“Dans la rue de l’un des espaces d’exposition de L’ahah, il y a un coiffeur. À l’intérieur, entre les miroirs et la vitrine, sont fixés trois crochets où pendent des serviettes — une verte, une bleue, une orange vif. Je n’ai pas vu tout de suite que c’était un salon de coiffure, ni même de serviettes. À la place, j’ai pensé : une galerie, une œuvre, un rythme coloré sous l’éclairage trop blanc, une réussite, entrons. C’est là que j’ai compris. Quelques minutes plus tard, à L’ahah, j’ai appris que les pièces de Katrin Koskaru prendraient forme sur les lieux de l’exposition, au moment du montage. Les anticiper était impossible puisque la pratique de Katrin était en train de se modifier entièrement. On savait seulement qu’il s’agirait de tissus retravaillés installés dans l’espace par l’artiste — des toiles colorées devenant volumes, des effets de densité, des transparences, des présences.
En repartant, je me suis dit que parler des trois tissus sous la lumière du salon de coiffure serait une des manières d’écrire sur l’exposition sans mentir, de cheminer sur ses bords, de viser à côté sans la manquer tout à fait. "

— Nina Léger, extrait du texte écrit spécifiquement pour l’exposition The line of little figures, L’ahah, #Moret, 2019

Ciné-conférence par Caroline San Martin et Marion Delecroix

Autour du film "Beau travail" de Claire Denis

Jeudi 6 février 2020, 19h-21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

A l’occasion de l’exposition personnelle de Katrin Koskaru, The line of the little figures à #Moret, L’ahah propose une ciné-conférence autour du film Beau travail de la cinéaste Claire Denis (1996). La projection des dix premières minutes du film donnera lieu à une lecture croisée de ce long métrage, engageant un dialogue entre cinéma et peinture avec Caroline San Martin, maîtresse de conférences en écritures et pratiques cinématographiques à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne et Marion Delecroix, docteur en Sciences de l'Art de l'Université de Provence

Après avoir enseigné l’analyse de film et l’écriture du scénario dans des universités françaises et nord-américaines, Caroline San Martin a été chargée de mission recherche à La fémis où elle continue d’enseigner l’histoire et l’esthétique du cinéma. Elle est aujourd’hui maîtresse de conférences en écritures et pratiques cinématographiques à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne. Elle est titulaire d’un doctorat en études cinématographiques de l’université d’Aix-Marseille et d'un doctorat de littérature comparée de l’université de Montréal où elle a fait partie d’un groupe de recherche sur l’esthétique de Claire Denis. L’étude de cette filmographie a donné lieu à plusieurs publications dont une sur Beau travail co-écrit avec Marion Delecroix.

Marion Delecroix est agrégée, docteur en Sciences de l'Art de l'Université de Provence (AMU). Sa thèse, sous la direction de Michel Guérin, interroge la métapicturalité des œuvres de Manet. Enseignante dans le secondaire en Arts plastiques et en Histoire de l’art, ses recherches portent sur la réflexivité des images et les liens entre les représentations picturales et l'imaginaire.

Conférence de Dominique Peysson

Une plongée au coeur de la matière

Mardi 3 mars 2020, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

L’ahah a le plaisir d’accueillir l’artiste et chercheuse en arts et en sciences Dominique Peysson pour une plongée au coeur de la matière lors d’une conférence en résonnance avec l’exposition personnelle de Ran Zhang.

Dominique Peysson vit et travaille à Paris. Elle est artiste plasticienne et chercheuse, après avoir été scientifique en science des matériaux. Elle propose des installations, vidéo et performances mettant en jeu des matériaux « responsifs », pour une interactivité avec le public ou l’environnement qui ne passe pas par l’informatique mais par la matière elle-même. Elle débute sa carrière professionnelle comme maître de conférences en physique pendant trois ans à l’Ecole Supérieure de Physique et Chimie Industrielle de la ville de Paris (ESPCI), après avoir fait un post-doc à l’université de Cambridge (Angleterre) et une thèse à l’ESPCI. Elle a ensuite suivi le cursus en art contemporain et nouveaux média à l’université Paris VIII. Sa thèse de doctorat, soutenue à Paris 1 Panthéon Sorbonne, explore les matériaux émergents à l’épreuve de l’art contemporain et les nouvelles formes de rencontre des sensibilités entre l’homme et la matière.

Revue N/Z #2 : soirée de présentation

L’écriture en dialogue

Samedi 28 mars, 17h30-18h30
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

La deuxième édition de la revue N/Z est parue il y a quelques mois.
Pour cette dernière soirée de présentation de N/Z #2, les artistes, écrivains et poètes proposeront d’inscrire dans l’espace, et sous la forme de mini-performances, leur travail d’écriture ou en lien avec l’écriture.
Au sommaire de N/Z #2 : Sépànd Danesh, Suzanne Doppelt, Frédéric Forte, Anne-Valérie Gasc, Agnès Geoffray, Guerrilla Girls, Charlie Jeffery, Perrine Lamy-Quique, Alban Lefranc, Laure Limongi, Christophe Manon, Gaëlle Obiégly, Sarah Ritter, Charles Robinson, Agnès Thurnauer, Raphaël Tiberghien.

N/Z est une revue expérimentale de création qui croise les arts et les littératures sous toutes leurs formes et dans leur actualité. Elle cherche à explorer la manière dont aujourd’hui un dialogue peut se faire entre des pratiques plastique et des pratiques d’écriture. Elle interroge l’écriture à la fois comme but et comme outil (geste, fiction, mouvement) en invitant des artistes et des auteurs/trices à prendre en charge une rubrique et y déployer leur travail sur la durée d’une édition qui comprend des soirées en public, un site internet et une revue papier.

N/Z est éditée par le Bureau des activités littéraires. Elle sera présentée par Sally Bonn.

Bernard Gaube

Exposition personnelle

Printemps 2020
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret 75011 Paris

Masterclass avec Emmanuel Finkiel

Organisée par Backstory L'association

Mardi 7 janvier 2020, 19h30
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

L'association Backstory - association du Master Scénario Université Paris Nanterre - organise entre les murs de L'ahah #Griset une rencontre avec Emmanuel Finkiel.

Scénariste et réalisateur, entre autres, de "Je suis un salaud" et de "La douleur", le cinéaste viendra échanger sur son parcours, de ses débuts d’assistant réalisateur à ses derniers projets. Il parlera de son rapport à l’écriture et à la mise en scène, des thématiques qui l’intéressent particulièrement et des différents formats audiovisuels avec lesquels il a travaillés – cinéma, télévisé, court-métrage, etc.
L’occasion, le temps d’une soirée conviviale, de rencontrer un réalisateur important et reconnu, et porteur d’un regard unique sur le monde du cinéma et sur la société…

Chacun·e sera invité·e à poser des questions à l’invité pour poursuivre la discussion !

BIOGRAPHIE
Assistant réalisateur – notamment pour Jean-Luc Godard – pendant 16 ans, Emmanuel Finkiel réalise son premier film, "Voyage", en 1999, pour lequel il se voit décerner le César du meilleur premier film. Il réalise ensuite plusieurs longs métrages reconnus par la critique et le public, comme "Nulle part terre promise" (2009), "Je suis un salaud" (2016) ou "La Douleur" (2017), adapté du roman éponyme de Marguerite Duras. Mais il s’essaie aussi à d’autres formats cinématographiques, des courts métrages aux films collaboratifs (Les Européens, 2006), du téléfilm (En marge des jours, 2007) au documentaire (Je suis, 2012).

FILMOGRAPHIE
1996 : Madame Jacques sur la Croisette (court métrage)
1997 : Regards d'enfance - épisode Mélanie (TV)
1999 : Voyages
2000 : Casting (court métrage)
2000 : Samedi (court métrage)
2000 : Dimanche (court métrage)
2000 : Lundi (court métrage)
2006 : En marge des jours (TV)
2009 : Nulle part, terre promise
2012 : Je suis
2016 : Je ne suis pas un salaud
2017 : La Douleur

BACKSTORY
Fondée en 2018 l'association Backstory réunit et représente les scénaristes diplômé·e·s du Master Scénario et écritures audiovisuelles de l’université Paris Nanterre. Backstory se donne pour mission de valoriser cette formation unique auprès du milieu professionnel de l’audiovisuel et du cinéma et de défendre le principe d’une formation au métier de scénariste et aux métiers du scénario.

Jean-françois Leroy

Oh my mind, my body's thinking

Exposition du mercredi 16 octobre au samedi 14 décembre 2019
vernissage • samedi 12 octobre 2019 • 17h – 21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

"Ceci/cela, Meuble/Sans meuble, mais aussi D’une chose l’autre, De biais et parfois de dos ou Assis/couché. Plusieurs titres soulignent la dualité qui traverse de part en part l’œuvre de Leroy : sculpture et peinture ; design et sculpture ; plat et tridimensionnel ; usiné et manuel ; etc. Le carton même de l’exposition « Oh my mind, my body’s thinking » — un titre ô combien duel — associe des éléments qui n’appartiennent pas au même registre iconographique. La sculpture Ceci/Cela a été redessinée sous trois angles différents par l’artiste Julien Tibéri, et placée au cœur d’un paysage forestier en noir et blanc, que nimbe un certain romantisme. De la sorte, la colonne, à la fois figure anthropomorphe et corps exaltant littéralement sa matérialité, devient-elle une image énigmatique, flottante.
Si, sur le carton d’invitation, Ceci/Cela va dans le décor, c’est à l’œuvre même et non à son image, qu’il arrive la même aventure. Regardez Oh my mind, my body’s thinking (2019) : l’image sylvestre du carton, désormais agrandie, recouvre la surface du mur tel un papier peint, que ponctuent ici et là de petites structures bricolées à l’aide de tasseaux de bois. Certes le bois pourrait être le dénominateur commun entre les conifères de l’image et les constructions fixées au mur. C’est toutefois la tension entre la sculpture et le décor qui l’emporte. Cette même dualité avait déjà trouvé à se manifester dans Sans titre (Fond) (2010) : un petit volume en bois, recouvert d’un crépi jaune et constitué de deux volets, révèle sur l’une de ses faces intérieures la photographie d’un trottoir souillé de déchets. Les fragments de bois semblent s’être déportés du tas de détritus de l’image au mur de l’espace d’exposition, pour y gagner une nouvelle fortune. La sculpture et l’image ; l’œuvre et le rebut ; le noble et l’ignoble."

Marjolaine Lévy, “Merlin”, texte écrit pour l’exposition Oh my mind, my body’s thinking, L’ahah #Griset, 2019.

Vincent Hawkins

Growing a Soul

Exposition du mercredi 16 octobre au samedi 14 décembre 2019
vernissage • samedi 12 octobre 2019 • 17h – 21h
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret 75011 Paris

Vincent Hawkins, Plains, 2019, acrylique et encre sur papier, 152 x 121 cm

Fleur ou cœur ocre jaune aux arêtes cassées (Heart), coupes brutales et plis donnant formes colorées, constructions aux tons éteints dialoguant sur le mur dans des rapports d’échelle, jus acides sur lignes de pliage où la déchirure est autant manque que bord… dans l’évidence des gestes simples, rudimentaires (appliquer, plier, déchirer, couper…), dans la couleur maculant, traçant – une fulgurance improvisée –, dans la fragilité, tenant par rien ou presque rien, suspension – « comme une virgule » – est le chemin vers un équilibre précaire, dans la grâce du geste impensé amenant à formes imprévues, dans l’humeur des couleurs, la tonalité expressive comme éclats ou bribes affectives par la mémoire de, passant d’un état (chose) à l’autre par collisions d’intentions comme dans l’écart absolu entre la légèreté des papiers et le lyrisme sombre des toiles (Night Gardens) ou juste entre les deux (Plains), images ouvertes aux gestes rapides, d’un recouvrement noir, infléchissant les directions : formes à l’arrêt, tonalité, note, espace.

Éric Suchère, écrivain

Jean-françois Leroy et Guillaume Constantin

Cervalobélophilia

Samedi 14 décembre 2019, 17h-19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

Pour la troisième fois, les artistes Guillaume Constantin et Jean-françois Leroy s’associent pour concevoir ensemble un projet d’édition. En ce dernier jour des expositions d’automne de L’ahah, ils présenteront une série de sous-bocks réalisés selon différentes techniques d’impression et, pour la plupart, rehaussés à
la main. L’objet, singulier, sera ici prétexte à élaborer de petites pièces synthétisant leurs préoccupations communes, leur rapport à l’image et au recouvrement… Il sera aussi l’occasion d’un moment convivial.

Guillaume Constantin (né en 1974 en France) est artiste, commissaire d’exposition et programmateur Arts visuels des Instants chavirés. Il vit et travaille entre Montreuil et Paris où il est représenté par la galerie Bertrand Grimont. Le travail de Guillaume Constantin se construit à partir d’analogie et d’anachronismes, de prélèvements et de déplacements, bref, de rencontres. La collaboration est au coeur de son processus de recherche, et de mise en oeuvre.

Conférence de Monique Jeudy-Ballini

Mardi 26 novembre 2019, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

L’ahah est heureuse d’accueillir Monique Jeudy-Ballini, anthropologue au CNRS, pour une conférence sur l’expérience du sensible et les rapports différentiels à la couleur, aux émotions, au corps, à l’apparence et au temps.

Monique Jeudy-Ballini, anthropologue au CNRS initialement spécialisée dans l'ethnologie des sociétés océaniennes, a effectué plusieurs enquêtes en Papouasie Nouvelle-Guinée chez les Sulka de Nouvelle-Bretagne. En France, elle s’est intéressée à l’ethnologie d’entreprise après avoir effectué une étude de terrain dans l’industrie française du luxe. Elle a mené ensuite des enquêtes dans le milieu parisien des collectionneurs d’art primitif puis s’est intéressée à la manière dont les artistes contemporains européens intègrent des productions extra-européennes dans leurs oeuvres. Ses recherches actuelles portent sur les processus transculturels de réception et de réappropriation esthétiques.

Parmi ses publications : L’art des échanges. Penser le lien social chez les Sulka (2004) ; en coédition : People and Things. Social Mediations in Oceania (2002), Travailler à l’usine (2002), Les Cultures à l’oeuvre. Rencontres en art (2005), La Passion de l’art primitif. Enquête sur les collectionneurs (2008) ; Arts premiers et appropriations artistiques contemporaines (2017).
Aux Beaux-arts de Paris, elle a co-dirigé avec Maurice Godelier un collectif d’enquêtes ethnographiques menées par des étudiants : L’Anthropologie aux Beaux-arts (2018).

Library, lancement de la nouvelle collection des éditions Exposé-e-s

Samedi 16 novembre 2019, 17h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

Exposé-e-s est un support éditorial et curatorial, créé en 2017 par Alex Chevalier et Guillaume Perez questionnant les espaces de monstration et d'intervention des artistes. Depuis 2017 ils publient POST, une revue trimestrielle sous forme de carte postale. En 2019, après deux années d'activités, les éditions Exposé-e-s lancent une nouvelle collection : Library. Chaque ouvrage invite un artiste à parler de son travail sans le montrer, sous la forme d’une édition monographique. Il-elle est libre d'y partager ses lectures et ses recherches selon les modalités de son choix, à la manière d’une visite d’atelier sur papier.
Lors de cette rencontre, Alex Chevalier et Guillaume Perez seront accompagnés d'Estèla Alliaud et Maxime Thieffine, les deux premiers invités de cette nouvelle collection. Ensemble, ils reviendront sur la genèse des éditions Exposé-e-s et sur la façon dont se sont construites ces deux premières éditions.

www.expose-e-s.com

Alex Chevalier est artiste, commissaire d'exposition et éditeur. Son travail a été présenté à différentes reprises, en France et en Belgique lors d'expositions (galerie Houg, Trois_A, le BBB, le 104, Lieu-Commun, l’URDLA, etc.). Du fait de son activité éditoriale, il a participé à différents salons d'édition (Colophon Artbooks, Libros Mutantes, Eat My Paper, etc.) et a publié différents articles et entretiens dans des revues spécialisées (Pli, Revue Point Contemporain, Hippocampe, etc). Depuis 2017, il est représenté par Documents D'Artistes Nouvelle-Aquitaine.

Guillaume Perez est artiste, membre de Documents d'artistes Auvergne-Rhône-Alpes. Son travail a récemment été montré à l'INSA Lyon en partenariat avec l'Institut d'art contemporain - Villeurbanne/Rhône-Alpes (Pavillon, 2018), à la Galerie municipale de Vitry sur Seine (Novembre à Vitry, 2018) ou encore à l'URDLA (Doppelgänger, 2016). Co-fondateur du projet d’édition Broadcast Posters, il a participé à plusieurs présentations et tables ronde autour de l’édition d’artiste (MAC Lyon en 2017, École des Beaux Arts de Nantes en 2018).

Traces distancées

Performance de Miquel Mont

Mardi 29 octobre 2019, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

© Miquel Mont

Dans le cadre de son exposition Oh my mind, my body's thinking, Jean-François Leroy invite l'artiste Miquel Mont à réactiver sa performance Traces distancées.

"Traces distancées est une réflexion adoptant la forme d'une conférence performative autour d'une série d'images projetées. Elle se développe selon le mode d'une association libre d'idées et d'images s'opposant ainsi aux constructions analytiques des discours dominants et ses modèles rhétoriques.
Alternant le sensible et le subjectif avec des données de l'ordre économique, social et esthétique de notre époque. Ainsi sont évoqués entre autres, les travaux d'artistes divers comme Adam McEwen, Karin Sinder, Pierre-Olivier Arnaud,... avec les accords de Bretton Woods, le FMI, l'abandon du patron or en 1971, les anarchistes espagnols du XXe siècle et des œuvres personnelles pour interroger notre rapport complexe aux images, à la notion de valeur, au travail ou à la manualité dans notre expérience artistique contemporaine."
miquel mont

Miquel Mont né en 1963 à Barcelone, vit et travaille à Paris. Son travail a dernièrement été exposé à Tabacalera à Madrid, à l'Artothèque de Vitré et à la Fundaciò Suñol de Barcelone. La galerie Formato Comodo de Madrid, Art dans les Chapelles, le CRAC de Sète et le FRAC Alsace ont révemment présenté son œuvre. Miquel Mont a participé à de nombreux projets collectifs tels qu’au Musée des Beaux-arts de Rouen, au Bohüslans Museum, Suède ainsi qu’à La maison rouge – Fondation Antoine de Galbert, Paris.

Projection et discussion autour de "Crash" de David Cronenberg avec Anne-Charlotte Yver et Charlie Boisson

Mardi 24 septembre 2019, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles. Réservation conseillée à info@lahah.fr

L'ahah poursuit la projection de films choisis par les artistes-membres. En écho à leurs travaux, les sculpteur-rice-s Charlie Boisson et Anne-Charlotte Yver choisissent d’explorer Crash de David Cronenberg et les notions de fusion, de fétiche, d’exposition et d’haptique qui traversent le film, en dialogue avec Caroline San Martin, maîtresse de conférences et scénariste spécialiste de Cronenberg.

Anne-Charlotte Yver est née en 1987 à Saint Mandé. Elle est diplômée en 2011 de l’École Nationale Supérieure des beaux-arts de Paris avec les félicitations du jury ; l’année suivante, elle est lauréate de plusieurs prix de sculpture et sa première exposition personnelle a lieu à la galerie In Situ – Fabienne Leclerc. En 2013, elle obtient une bourse de résidence de la Fondation d’Entreprise Hermès et participe à « Nouvelles Vagues » au Palais de Tokyo. Son travail est exposé en 2014 au 59ème Salon de Montrouge, en 2015 à La nuit blanche, au CAC La Traverse ainsi que dans la programmation parallèle de la Biennale de Lyon. Ses œuvres sont montrées au Pavillon Vendôme en 2016, et en Italie au Castello di Lajone en 2017. En 2018, son exposition personnelle « 3296 » à L’ahah clôt une année de résidence dans les locaux de l’association.

Né en 1980, Charlie Boisson est diplômé de l’École des beaux-arts de Saint-Étienne en 2005 ; il vit et travaille à Paris. Son travail de sculpteur a été présenté en 2019 à L’ahah, en 2018 à la 68ème édition de Jeune Création et a bénéficié d’une double exposition personnelle, « La pantoufle invertie », à la galerie Tator et à Bikini, à Lyon. En 2017, il a pris part au Parcours St Germain et a figuré dans la sélection du 61e Salon de Montrouge en 2016. Il a également participé à la biennale off de Rennes à 40mcube en 2016 ainsi qu’au projet « Open sky museum » dans le cadre du programme « + de réalité » au Beaux-arts de Nantes en 2013. Charlie Boisson est membre de L'ahah depuis 2017.

Caroline San Martin est titulaire d’un doctorat en études cinématographique de l’université Aix Marseille et d’un doctorat en littérature comparée à l’université de Montréal. Après avoir enseigné dans plusieurs universités françaises et d’Amérique du nord, elle a été chargée de cours et responsable de recherche à La Fémis. Elle est désormais maîtresse de conférences en écritures et pratiques cinématographiques de l’université Paris 1 - Panthéon Sorbonne, membre de l’équipe d’accueil ACTE et membre associée de SACRe. Ses recherches portent sur l’analyse de film, les liens entre esthétique et histoire des arts de la représentation et sur la narratologie. Elle a publié dans plusieurs revues en études cinématographiques dont les éditions Mimésis, Cinémaction ou Mise au point et dirige la revue numérique Lignes de fuite. Elle prépare actuellement un livre sur David Cronenberg aux éditions Rouge Profond. Elle est par ailleurs scénariste et consultante à l’écriture.

Plateaux

Performance de Farah Khelil

Samedi 14 septembre 2019, 17h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

© Farah Khelil

Réalisateurs : Farah Khelil, Michaël Bertin, Bastien Germain, Eliot Jarcet et Julian Bruxelle.
Joueurs : Benjamin Blanchard, Théo Côme.
Conversation avec : Gaëtan Robillard, Franck Jedrzejewski et Antonia Soulez.

Plateaux (2019) est une performance sonore et expérimentale émanant d’une partie de Go) à laquelle se livrent deux joueurs en direct. Après avoir rejoué en 2017 la partie historique menée entre une Intelligence Artificielle (AlphaGo) et un champion du monde de Go (Lee Sedol) en une partition pour piano, Farah Khelil propose ici une application permettant de produire une mélodie générée au gré du déploiement des pierres sur le tablier de jeu. Ce programme est réalisé avec l’aide de Michaël Bertin, mathématicien, et trois étudiants musiciens et ingénieurs à l’IMAC, Bastien Germain, Eliot Jarcet et Julian Bruxelle.

Pendant que le match, disputé par Benjamin Blanchard et Théo Côme, deux joueurs amateurs de haut niveau (4e dan et 3e dan respectivement), suivra son cours en générant du son, une discussion entre Gaëtan Robillard (artiste), Franck Jedrzejewski (philosophe), Antonia Soulez (philosophe), Farah Khelil (artiste) et Michaël Bertin sera engagée avec le public autour de la portée pluridisciplinaire de ce projet, son rapport à l’art, au jeu, à la logique et à la musique, en tentant de définir ce que serait une oeuvre logicielle.

Plateaux (2019) a reçu le soutien de la Fédération Française de Go.

Farah Khelil est artiste auteure et chercheuse indépendante. Son œuvre conjugue livres d’artiste, vidéos, archives et display avec l’écriture et la recherche théorique. Elle a pris part à de nombreuses expositions collectives à l’international, comme au Kunstwerk Carlshütte (Büdelsdorf, 2019), à Ca’ del Duca, Corte del Duca Sforza, (Venice, 2019), à l’Institut français de Saint-Louis/Galerie du Fleuve (Saint-Louis, Sénégal, 2018), ou encore à l’Institut français de Tunisie (Sousse, 2018). Plusieurs expositions personnelles lui ont été consacrées, entre autres au Centre culturel international de Cerisy-la-Salle (Normandie, 2013), à l’Appartement (Paris, 2017) et à la Selma Feriani Gallery (Tunis, 2018). Son travail figure dans les collections du Frac Normandie. Elle est représentée par la Selma Feriani Gallery (Tunis/Londres) et Officine dell’Immagine Gallery (Milan). Elle a été nommée au Prix AWARE 2019.

Michaël Bertin, post-doctorant et chercheur en mathématiques appliquées, spécialisé dans la modélisation en physique et les approches probabilistes. Au laboratoire CMLA de l'ENS Paris-Saclay, à Cachan, Michaël a réalisé des recherches sur des techniques bayésiennes qui visent à exploiter des observations sismiques et acoustiques afin d'améliorer la prédiction des modèles. Aujourd’hui, il est chercheur au CEA au sein du Laboratoire des Recherches sur les Sciences de la Matière.

Bastien Germain, musicien et étudiant à l’Ecole d'ingénieur ESIPE-IMAC

Eliot Jarcet, musicien et étudiant à l’Ecole d'ingénieur ESIPE-IMAC

Julian Bruxelle, musicien et étudiant à l’Ecole d'ingénieur ESIPE-IMAC

Gaëtan Robillard est artiste et professeur associé à l’Université de Marne La Vallée. Il est diplômé du Fresnoy en 2013. Ses recherches artistiques et théoriques incluent l’émergence du Computer Art et de l’esthétique programmée en Europe dans les années 60 et 70. De plus Il développe une pratique de l’installation et des images génératives dans lesquelles entrent en jeu les mathématiques, l’histoire et la sémiologie. Son travail a été montré en France et à l’international, dans des lieux comme la fondation art-science Le Laboratoire, le Centre Pompidou de Metz, la Biennale d’art de Lyon, le Festival international de cinéma FID Marseille, l’Institut Konrad Lorenz à Vienne, le Palais de Tokyo, ou encore le CCS Bard Hessel Museum à New-York et le Pearl Art Museum de Shanghaï.

Franck Jedrzejewski est un mathématicien, philosophe et musicologue français. Enseignant-chercheur au Commissariat à l'énergie atomique et aux énergies alternatives depuis 1989, il a été vice-président du Collège international de philosophie et directeur de programmes. Il enseigne à l'université Paris-Saclay. Son dernier ouvrage s’intitule Hétérotopies musicales. Modèles mathématiques de la musique, préface par Hugues Dufourt, Paris, Hermann, 2019.

Benjamin Blanchard est joueur de niveau 4 dan actuellement licencié dans le club de Paris Jussieu. Il pratique le go en compétition depuis 2008.

Théo Côme est joueur de niveau 3 dan actuellement licencié dans le club de Paris Aligre. Il pratique le go en compétition depuis 2011.

SET UP #2

Performances, installations, lectures, projections…

Vendredi 5 juillet 2019, de 18h30 à 22h
L'ahah, 4 cité Griset + 24-26 rue Moret, 75011 Paris
Entrée libre

Restitution publique des projets de recherche de 4 binômes Artistes / Commissaires :

Anne-Sophie TURION & Jeanne MOYNOT + Richard NEYROUD
Laurent TERRAS + Léo MARIN
David RYAN + Francesca ZAPPIA
Florent MENG + Aurélie FAURE

Pour la deuxième année consécutive, le Réseau documents d’artistes et C-E-A s’associent pour présenter le programme de recherche SET UP. Dans ce cadre, 4 binômes Artistes / Commissaires ont été invités à engager des collaborations inédites, dont la restitution publique se déroulera à L’ahah. Des formes singulières de diffusion seront présentées, rendant compte des échanges et points de rencontre entre les démarches artistiques et curatoriales.

PROGRAMME

à partir de 18h30 - #Moret
Installation - Florent MENG + Aurélie FAURE

19h - #Moret
Présentation des binômes par le Réseau documents d’artistes, C-E-A et L’ahah

19h30 - #Griset
Lecture de David RYAN & Macdara SMITH + Francesca ZAPPIA

20h - #Griset
Présentation de l'installation de Laurent TERRAS + Léo MARIN

20h20 - #Griset
Ça reste entre nous, Conférence performée de Anne-Sophie TURION & Jeanne MOYNOT + Richard NEYROUD
Durée : 45 minutes

Soirée organisée par le Réseau documents d’artistes / Groupement inter-régional des sites Documents d’artistes et C-E-A / Association française des commissaires d’exposition, en partenariat avec L’ahah.

Projet réalisé avec le soutien du Ministère de la Culture - Direction générale de la création artistique.

Évènement Facebook

Charlie Boisson

Au ciel, sous terre, par tous les trous

Exposition du jeudi 9 mai au samedi 29 juin 2019
vernissage • samedi 4 mai 2019 • 17h – 21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

Illustration d'Arnaud Descheemacker

«Une question qui taraudait quelques sculpteurs des années 50 et 60 était celle de l’anthropomorphisme : il fallait se méfier des formes organiques, des dimensions proches de celles d’un corps humain et du collage de fragments qui pouvaient évoquer une structure complexe, un rappel des ensembles composés et sophistiqués que nous offrent la nature.

Cette ère a fait son temps et il semblerait que la sculpture est de nouveau question d’assemblages – assemblages de formes, d’objets, de textures, de consistances, mais aussi de fictions. On pourrait même écrire que les objets et les textures fonctionnent comme autant de récits qui, une fois les fragments assemblés, forment comme une nouvelle histoire. L’objet ancien et le nouveau se superposent comme différents moments d’un conte, le précieux et le trivial entament leur lutte des classes, l’organique se confronte à l’anonymat du géométrique, et peut-être les espaces vides (des tubes, des contenants) deviennent autant de mystères et d’ellipses contre le factuel d’un volume immédiatement reconnaissable. Leur mise ensemble et en scène déjoue de fait la description, car comment décrire un texte ? Qui plus est, comment décrire un texte dont on peine à percevoir un début ou une fin ?

Les assemblages de Charlie Boisson sont de cet ordre et leurs matières, leurs éléments, tiennent là comme autant de métonymies. Des parties pour des touts, différentes définitions ou approches fétichistes, l’orteil ou le pied pour le corps entier d’un amour forcément manquant et inaccessible, la sangle, l’élément de mobilier pour des pratiques plus ou moins fantasmées, un morceau de vitre pour une fenêtre disparue. C’est l’endroit où la mécanique de l’imaginaire fait une avec celle du désir, et qu’ils deviennent tous les deux hors de contrôle, frôlent le déséquilibre, effleurent la chute.»

– Damien Airault, extrait du texte de présentation de Au ciel, sous terre, par tous les trous, à découvrir à l’occasion du vernissage et tout au long de l’exposition.

www.damien-airault.com

Louis Gary

Mathilde et Mylène

Exposition du jeudi 9 mai au samedi 29 juin 2019
vernissage • samedi 4 mai 2019 • 17h – 21h
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret 75011 Paris

Louis Gary, Vue d'atelier, 2019

«À quoi s’attendre avec une exposition qui s’appelle Mathilde & Mylène ? Réponse circonstanciée de Louis Gary : “Cela évoque à la fois un titre de film d’Éric Rohmer qui n’existe pas, un duo de chanteuses de seconde zone, ou bien une pancarte ornée de ballons, au bord d’une route, pour signaler la tenue d’un anniversaire. Et, en même temps, c’est simplement le titre d’une œuvre, et simplement le prénom des deux personnes qui travaillent dans le lieu même où se tient l’expo : en même temps absolument fantasmatique, fictionnel et terre-à-terre.”»

Prémices
L’histoire débuterait donc ainsi, sur quelque chose de primesautier, personnel et polysémique. Si Louis Gary propose des formes délimitées (par un médium, une qualité de geste, une typologie d’objet), s’il sectorise et jamais n’amalgame ses différentes pratiques, il n’aime pas non plus jalonner les lectures. Parfois il faut prendre des routes très indirectes pour aller aux choses, parfois il faut faire le contraire. Ses oeuvres, qui stimulent la concentration de qui les regarde, ne révèlent pas vraiment comment elles doivent être regardées.

Horizon
Pour Mathilde & Mylène, le diapason serait-il photographique ? Aux murs de l’espace d’exposition, un capitaine se tient, hiératique, debout sur son bateau, une plante capte la lumière et des silhouettes féminines, plus ou moins nues, se fondent dans la moquette ou sont mangées par la nuit : telles sont les figures tutélaires qui se donnent la main autour de l’exposition, lui dessinent une sorte de périmètre mental qui peut se dilater souplement, avec cette ouverture sur la mer et tout ce foisonnement végétal. Horizon élargi. Ennui ou extase. Matière existentielle paisible. Mystère de l’amour et de l’amitié. Respiration. L’ensemble problématise des idées diverses : peu à l’aise avec la question du sujet en photographie, Louis Gary raccroche davantage ce médium à une histoire de situations, ici amicales et géographiques. Toutes ces photographies sont des portraits par ricochet, qui disent aussi le rapport au paysage, la filiation, la représentation de l’artiste (soi-même et l’autre), la belle banalité d’une certaine esthétique minimale. Pour l’accrochage, l’artiste fuit la mise en page iconisante, où le regard serait trop balisé : il n’en rajoute pas non plus côté photo vintage, ses images prises à la chambre avec du film radiographique portent cela suffisamment dans leur ADN. L’encadrement, 100% plastique blanc laiteux, renseigne bien sur la précision des intentions.

Mener en bateau
Que se passe-t-il lorsqu’un bateau en croise un autre ? Qu’ils se rapprochent puis s’éloignent ? Louis Gary se livre ici à cette petite intrigue spéculative, simple et complexe à la fois. Au centre de l’espace, il fait trôner une sculpture qui ressemble à un bateau préhistorique en pâte à tarte, avec un rebord pour que les bonhommes ne tombent pas. Cette embarcation, à la surface texturée façon faux-rocher pour boîte de nuit tropicale, abrite un passager animal de facture brute, une sorte de chien triangle qui contemple sa niche triangle, bâtie comme un château de carte. Le contraste chromatique (vert prairie versus orange ocre) pique la rétine. Le drame qui se joue ici (pourquoi ce bateau est-il coupé en trois ? à quoi sert cette bonde ?) est aussi celui des volumes et des surfaces, des pleins et des vides, des codes couleurs. Louis Gary cherche la limite, cette borderline où se mêlent des gestes de sculpture basiques (les attributs archétypaux de la préhistoire, pré-révolution néolithique, sont là) et des réflexions sur un art qui ne dit pas clairement son destinataire. Ce qui était bateau est devenu conversation piece*, et plus le visiteur s’efforce d’en enclore le sens, plus l’incertitude le gagne, plus il regarde alentour.

Mongolos
Alentour, il trouve quelques Mongolos. Si l’appellation n’est pas politiquement correcte, elle n’est pas péjorative non plus : elle désigne, dans la production sculpturale de Louis Gary, des objets empiriques, qui ne sont pas savants mais ne relèvent pas non plus de l’art brut, des objets qui témoignent d’un élan figuratif, longtemps refoulé par l’artiste. Les Mongolos ont d’abord adopté des couleurs douces et des formes assez lisses, laquées : le mystère peut toutefois surgir de la ligne claire ! Ces derniers temps, ils deviennent plus rêches, ils balancent davantage entre peinture et coloriage et se coltinent la brutalité des surfaces.

Hors-champ érectile
Retour sur les deux héroïnes qui travaillent là, Mathilde & Mylène, mises en abyme par Louis Gary dans un bas-relief au titre éponyme, accroché précisément sur leur bureau de travail : avec ce miroir mal fait, l’artiste distille à nouveau le doute, sur son rapport au réel, à la sculpture, à la peinture et au design mobilier. Il marque aussi son intérêt pour la question du décoratif comme principe de proximité. En bas à droite de ce bas-relief qui s’apparente à un habillage de comptoir aux accents cartoon, une trappe s’ouvre et laisse apercevoir la vue d’une clairière, au milieu de laquelle se trouve un dolmen : le hors-champ érectile de l’exposition se cache peut-être là, dans le Morbihan en été, à contempler un geste simple, soit toute l’humanité projetée dans un bout de caillou.

– Éva Prouteau, texte de présentation de l’exposition Mathilde et Mylène, avril 2019.

Conférence de Yoann Dumel-Vaillot

Fétichisme en féerie, la voie secrète des talons trop courts, ou le tombeau de Cucendron

Mercredi 26 juin, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles. Réservation conseillée à info@lahah.fr

Talons suspendus à quelques centimètres du sol, dans son agencement un embauchoir évoque le bec d’une oie. Deux pieds d’or pisciformes, petite lumière vivante qu’on observe au travers d’un trou. Dès les plus anciens textes sacrés de l’Inde, on trouve cette image obscure selon laquelle « la jeune fille sans pieds s’avance la première, parmi les êtres pourvus de pieds » (Rig-Vêda). Son nom est Ushas, c’est l’Aurore : elle pointe alors ses premières lueurs, mais elle est encore apâd, « dénuée de pieds ». Elle rampe, telle une serpente, du fond de l’Obscurité… à moins qu’elle n’ait égaré, au préalable, la « mesure » de son pied : son précieux soulier. En dialogue avec les pièces de Charlie Boisson et en présence de l’artiste, cette intervention propose de retracer le parcours sinueux d’un « fétichisme en féerie ». L’obsession fantasmatique se voit revisitée à l’aune des anciens mythes, des rites populaires et des contes merveilleux. Le pied blessé au talon, le pied invisible d’Aurore ou le soulier perdu de Cendrillon inclinent à suivre, à la trace, un parcours qui s’inscrit entre le monde humain – celui des pieds campés, debout sous le soleil – et l’Autre Monde disparu des déessesserpentes et autres fées-oiseaux. Qui trouvera, aux hasards de la quête, le soulier perdu et, peut-être enfin… chaussure à son pied ?

Diplômé des Beaux-arts de St-Étienne et d’un master de lettres, Yoann Dumel-Vaillot soutient prochainement une thèse de philosophie à l’Université Lyon 3 : ses recherches portent sur le paradigme du mythe et l’univers féerique dans l’oeuvre de Rabelais. Yoann enseigne également, depuis plusieurs années, la pratique de la méditation et conduit des séances de yoga-nidra (relaxation profonde avec visualisations). Son approche résolument transversale, pluridisciplinaire de la pensée et de la créativité nourrit ses échanges réguliers avec des artistes. Dans le cadre de l’exposition de Charlie Boisson, son intervention est le reflet d’une collaboration particulièrement soutenue.

© Illustration des Histoires ou contes du temps passé, « Cendrillon » de Charles de Perrault, édition de 1777 (source gallica.bnf.fr / Bibliothèque nationale de France).

Projection de "Rencontres du troisième type" de Steven Spielberg avec Louis Gary

Mercredi 12 juin, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles. Réservation conseillée à info@lahah.fr

Pour sa carte blanche cinéma, Louis Gary a choisi de projeter Rencontres du Troisième Type de Steven Spielberg : «l’histoire d’un homme qui s’échappe, après avoir croisé la route d’une sphère lumineuse, reproduit dans son salon une montagne dont l’image l’obsédait, et rencontre un ufologue joué par François Truffaut».

Cheese analyse : lancement du fanzine Specific Cheeses #11

Samedi 1er juin 2019, 17h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Specific Cheeses a débuté en 2010, lorsque Nicolas Boulard a réalisé que la forme du fromage de chèvre produit à Valençay ressemblait exactement à une pyramide tronquée dessinée par Sol LeWitt. Tout d’abord, Boulard a donné une série de conférences sur les similitudes existant entre les formes de fromages traditionnels et les formes géométriques du minimalisme (cercle, carré, triangle). Après ce tour de force théorique alliant le monde du fromage, l’histoire de la géométrie et l’histoire de la sculpture, Boulard réalise 12 moules à fromage à partir des “12 forms derived from a cube” de Sol LeWitt - un portfolio de 12 sérigraphies de 1982. Specific Cheeses est une référence directe au manifeste de l’art minimal rédigé par Donald Judd en 1964 “Specific Objects”.

« La qualité essentielle des formes géométriques vient de ce qu’elles ne sont pas organiques, à la différence de toute autre forme dite artistique. »
Donald Judd, entretien avec Lucy Lippard, 1967

Le fanzine Specific Cheeses regroupe des textes, des citations, des images, des reproductions d’oeuvres, des extraits de films où le fromage figure comme un sujet d’étude ou un modèle d’objet. Cheese Analyse est une invitation faite à différentes personnalités pour présenter en public une pensée organique mise en forme le temps de 6 prises de paroles et d’échanges. Analyse de textes, analyse d’images, analyse de situation, analyse d’histoires, voir psychanalyse de souvenirs ou de mémoires.

© Nicolas Boulard

Intervenant-e-s :

Léa Bismuth est auteure et critique d’art. Sa pratique mêle littérature et art contemporain, et explore les possibles d’une écriture de l’exposition, de l’essai au récit. Elle écrit notamment dans artpress depuis 2006. Nourrie de philosophie, elle a initié le programme de recherche curatoriale La Traversée des Inquiétudes (une trilogie d’expositions d’après Georges Bataille, à Labanque de Béthune, de 2016 à 2019). Depuis 2013, elle a été commissaire d’une vingtaine d’expositions. En mai 2019, elle fait paraître en complicité avec Mathilde Girard La Besogne des Images aux Editions Filigranes, et est co-commissaire de l’exposition Dans l’atelier la création à l’oeuvre au Musée Delacroix.

Pierre Boisard est docteur en sciences sociales du développement, titulaire d’une habilitation à diriger les recherches en sociologie. Il a été chercheur au CNRS en sociologie, spécialisé dans les questions du travail et de l’innovation en entreprise jusqu’en 2012. Il est l’auteur de nombreux ouvrages dont : La vie de Bistrot, Puf, 2016 Le nouvel âge du travail, éditions Hachette Littératures, 2009, Sortir du chômage, Éditions Mango, 2007, Le camembert mythe national, 1992, Paris, Calmann-Lévy, réédité en 2007, sous le titre Le camembert mythe français aux éditions Odile Jacob, traduit et publié en 2003, aux USA, sous le titre Camembert a National Myth, Berkeley, University Press of California.

Nicolas Boulard est diplômé de l’école supérieure des arts décoratifs de Strasbourg. Il développe depuis 2002 une pratique artistique qui procède à des assemblages hétéroclites et des décloisonnements formels et conceptuels. Il trouve dans le terroir les sources de son travail artistique, où il est généralement question de mutation de la matière, de résurgences de formes, de détournement de règles et de savoir-faire. Il a créé en 2010 Specific Cheeses, un travail artistique protéiforme qui a pour origine le constat d’une proximité formelle entre les formes des fromages et les formes du Minimal Art.

Vanessa Morisset est docteure en histoire de l’art et critique d’art. Elle s’intéresse à peu près à tout, suivant un programme inspiré du « sortir de la philosophie par la philosophie » de Gilles Deleuze transposé à l’art. Elle enseigne la culture générale à l’ESAD de Reims et écrit des textes critiques glissant parfois vers la fiction ou la poésie.

Mathilde Girard est psychanalyste et écrivain. Membre du comité de rédaction de la revue Lignes, elle est auteur de Proprement dit, entretien sur le mythe, avec Jean- Luc Nancy (Lignes, 2015) ; L’Art de la faute, selon Georges Bataille (Lignes, 2017); Défense d’écrire, entretiens, avec Michel Surya (Encre marine, 2018). Elle a participé à l’écriture des films de Pierre Creton (Va, Toto ! en 2017 ; Le Bel Été, 2019) ; et de Marylène Negro (Stone, Double Portrait, Rénovation, 2017).

Rencontre entre Louis Gary et Clotilde Viannay

Samedi 25 mai, 17h30
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

Les projets de Clotilde Viannay qu’ils prennent la forme d’installations, éditions ou recherches universitaires sont des radiographies d’espaces politiques, économiques et culturels. Son installation La Nouvelle Ashgabat (2006) se présente comme un dispositif stratégique, captant diverses formes de documents relatifs à l’histoire de la reconstruction de la capitale du Turkménistan, détruite en 1948 par un tremblement de terre puis transformée en parc à thème stalinien. En 2009, elle poursuit des recherches avec Bruno Latour autour de la question des nouvelles formes de représentations des enjeux des territoires. En 2011, elle travaille sur un projet autour des Watchmen d’Alan Moore et construit les édifices d’un monde hybride rempli de personnages mutants, héros d’histoires à enjeux internationaux pour analyser les espaces politiques et culturels qui l’intéressent. Depuis quatre ans, elle développe les éditions l’incroyable. Chaque livre se concentre sur la jeunesse d’une personnalité issue du monde de la culture, offrant l’opportunité d’explorer une époque, un pays et un milieu artistique différents. L’invité, sa pratique et l’époque de sa jeunesse deviennent des outils critiques pour réfléchir au passé et au monde contemporain. Et la jeunesse de l’artiste ouvre une nouvelle fenêtre de compréhension sur son œuvre.

© Clotilde Viannay

Jean-françois Leroy

Tout vient d’un plan

Vernissage • jeudi 4 avril • de 17h à 21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Exposition ouverte du vendredi 5 au samedi 27 avril 2019
Du mercredi au samedi de 14h à 19h, et sur rendez-vous

L’ahah a le plaisir d’accueillir prochainement à #Griset Tout vient d’un plan. Cette exposition personnelle de Jean-françois Leroy (membre de L’ahah depuis 2017) est conçue et proposée par l’artiste dans le cadre de l’achèvement de sa thèse de doctorat. Cette thèse, intitulée Élaborer l’unique à partir du même, a été menée dans le cadre du programme de recherche doctorale de l’université PSL (Paris sciences et Lettres) – SACRe – ENSBA depuis 2015. Mêlant sculpture, sérigraphie et édition, l’exposition Tout vient d’un plan intervient comme un second volet complémentaire à l’exposition En double aveugle présentée précédemment aux Instants chavirés à Montreuil, du 3 février au 10 mars 2019.

Vue de En double aveugle, Instants chavirés, Montreuil, 2019 © Aurélien Mole

Rencontre avec Yves Citton

En partenariat avec le laboratoire VOIR de l’ESADHaR

Vendredi 5 avril, 15h-18h
L’ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Gratuit / Attention, réservation indispensable à info@lahah.fr

Parce qu’elle a choisi de ménager pour ses artistes membres et pour elle-même l’espace et le temps nécessaire à la recherche, à l’expérimentation et à l’accompagnement, L’ahah ne pouvait que répondre avec enthousiasme à la proposition du laboratoire VOIR de l’associer à une de ses séances consacrées à Yves Citton et à la notion d’« économie de l’attention » exposée et développée dans L’économie de l’attention. Nouvel horizon du capitalisme ? paru aux éditions de La Découverte en 2014.
Dans notre société de l’image et du capital, l’attention constituerait désormais une rareté voire la plus précieuse source de valeur, et serait en passe de supplanter les anciens modes d’échange des biens matériels. Afin de comprendre ses ressources, outils et les craintes qu’elle génère, Yves Citton convoque une grande diversité de disciplines des neurosciences à la sociologie, de la création de logiciels à la philosophie éthique.
Invité du laboratoire VOIR de l’ÉSADHaR (Ecole Supérieure d'Art et Design le Havre/Rouen), programme de recherche sur les images dirigé par Colette Hyvrard, Stéphanie Solinas et Tania Vladova, Yves Citton échangera autour de ses recherches ainsi que des problématiques proposées par les étudiant-e-s présent-e-s ainsi que les membres associé-e-s au laboratoire depuis cette année : Laura Burdzy, Marie Cantos, Antoine Camenen, Guillaume Constantin et Nora Labo.

Yves Citton est actuellement professeur de littérature et média à l’université Paris 8, dans le département de littératures française et francophones. Auparavant, il a enseigné à l’université Grenoble Alpes, à Sciences Po Paris, à New York University, à la University of Pittsburgh et à l’université de Genève où il a reçu son doctorat en 1992. Il codirige la revue Multitudes, et a publié une dizaine d’ouvrages dont, récemment : Contre-courants politiques (Fayard, 2018) et Médiarchie (Le Seuil, 2017) ; ou bien encore : Gestes d’humanités. Anthropologie sauvage de nos expériences esthétiques (Armand Colin, 2012), Renverser l’insoutenable (Le Seuil, 2012) ou Zazirocratie. Très curieuse introduction à la biopolitique et à la critique de la croissance (Éditions Amsterdam, 2011).
yvescitton.net

© Portrait d'Yves Citton par BERTRAND GAUDILLÈRE/ITEM pour Le Monde

Vincent Dulom

Percée

du samedi 19 janvier au samedi 30 mars 2019
vernissage • samedi 19 janvier • 17h – 21h

«Une peinture sans limite, dégagée de la limitation physique de son support. Cet état n’est possible qu’à considérer justement les qualités du support et son égale présence avec la déposition de l’encre. La couleur s’affirme, elle appelle mais c’est presque en non-lieu de son corps se déplaçant dans l’aire de la feuille, quittant les arêtes du papier, glissant son ombre dans un noir d’oeil, une tache aveugle. Car cette peinture va jusqu’à l’extrême de la vision, par sa tactilité et son bougé.
[…] Le geste qui accompagne cette peinture est absenté. Il est remisé à la régularité et à la mécanisation de l’imprimante. C’est un écart, même un écartement. C’est l’espace nécessaire pour que d’un seul passage, en un jet d’encre passé, la peinture se trouve en surface, ne soit que surface et que cette manière d’étendue soit le lieu d’une perte de lieu.»

Claire Chesnier, «Fragments d’une déposition» (extrait – sur le travail de Vincent Dulom), 2018.

Légende : Écran 18061005180621001 (détail), 2018, Jet d’encre pigmentaire sur papier (format 21 x 29,7 cm - 100% coton - tirage unique) et support en aluminium, 32 cm x 33 cm x 27,5 cm, Vue d’atelier

Entailles musicales : écoutes guidées par Aurélien Dumont

Vendredi 29 mars, 19h

Séance d’écoute d’une sélection de morceaux de musique en résonance (plus ou moins directe) avec la double exposition de Vincent Dulom, mise en ordre et en mots par le compositeur Aurélien Dumont. Docteur en composition musicale dans le cadre du programme SACRe de l’École Normale Supérieure de Paris et du Conservatoire de Paris, Aurélien Dumont étudie également la composition et l’informatique musicale à l’Ircam. Partageant sa vie entre Paris et Tokyo, sa musique se nourrit de références littéraires, philosophiques, et de nombreuses collaborations. Lauréat notamment du Prix Pierre Cardin de l’Académie des beaux-arts et du Prix San Fedele de Milan, il a été pensionnaire à la Villa Médicis en 2017-2018 et résident à l’ensemble 2e2m en 2018.

Rendez-vous à #Griset. Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

Portrait d'Aurélien Dumont © Manfredi Gioacchini

Conférence de Claire Kueny

L’encre serait de l’ombre : tentations et tentatives d’analyses de la matérialité de l’ombre

Mercredi 20 mars, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles. Réservation conseillée à info@lahah.fr

A partir du travail de Vincent Dulom, Claire Kueny propose d’explorer différentes matérialités de l’ombre, telles qu’elles ont été envisagées par les hommes et les femmes – et quelques artistes parmi eux-elles – d’hier à aujourd’hui. L’encre serait de l’ombre, titre de la conférence, est emprunté à Philippe Jaccottet, écrivain, poète, traducteur, critique littéraire, dont l’œuvre a accompagné le travail de Vincent Dulom. Il fait écho, pour Claire Kueny, aux derniers échanges qu’elle a eu avec l’artiste : « mes encres paraissent échapper à leur fixité et à leur opacité ; à l’inscription de leur présence sur la surface » ; « [mes encres sont] de la matière qui semble, dans l’organisation [que propose la peinture], échapper à la définition de l’être, et dont la concrétude n’est que variation, mouvement, transition et moment ». De la peinture, seulement. Des encres sur des surfaces. Mais des encres qui seraient des ombres : matières et immatérielles, inscrites dans le registre de la présence et de l’absence, de l’apparition et de la disparition. Insaisissables ? Et si l'ombre était de l'encre ?

Claire Kueny est docteure en histoire et théorie de l'art, auteure d'une thèse sur l'utilisation des ombres projetées dans la sculpture au 20e siècle soutenue à l'Université Paris 8. Enseignante à l'Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon et critique d'art, ses recherches portent principalement sur la création contemporaine - et la sculpture en particulier. Elle travaille actuellement sur les notions de magie et de chantier, qui reflètent son attachement autant à la dimension sensible et enchanteresse de l'art qu'à ses matériaux, techniques et espaces de production.

Vue de l'exposition "Percée" de Vincent Dulom, L'ahah #Moret, Paris, 2019 © Marc Domage / L'ahah, Paris

Projection de La Femme des sables de Hiroshi Teshigahara

Vendredi 1er mars, 19h

L’ahah inaugure son ciné-club ! Pour sa première séance, l’association propose le visionnage de ce chef-d’œuvre du cinéma japonais sorti en1964 et inspiré du roman éponyme de Kōbō Abe.
Le film, choisi et proposé par l’artiste au sein d’un corpus de références volontairement large et ouvert, sera suivi d’un échange avec les directrices de l’association, Marie Cantos & Doria Tichit, ainsi que le public présent. À vos crayons et carnets de note, remarques et questions seront bienvenues pour disserter avec l’artiste autour de ce choix !

Séance à #Griset. Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.
Évènement Facebook

Rencontre entre Vincent Dulom et Léa Bismuth

Samedi 16 février 2019, 17h30

L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

À l’occasion de Percée, double exposition personnelle de Vincent Dulom à #Moret et à #Griset, L’ahah a l’honneur de recevoir Léa Bismuth pour une rencontre avec Vincent Dulom. Tou-te-s deux nourri-e-s de littérature et de philosophie, l’artiste et la critique / commissaire s’entretiendront autour de la pratique picturale et du processus créatif – du geste aussi, celui de Vincent Dulom, et de tout artiste plus généralement.

Léa Bismuth est auteure, critique d’art et commissaire d’exposition indépendante. 
Citons notamment ses commissariats : L’Éternité par les Astres aux Tanneries d’Amilly (2017), Pia Rondé & Fabien Saleil / Cité-Fantôme au Drawing Lab Paris (2017), Clément Cogitore / Braguino ou la communauté impossible au BAL (2017) ; ou bien encore la trilogie La Traversée des Inquiétudes, programme de recherche curatoriale qu’elle a initié à Labanque de Béthune de 2016 à 2019. Elle prépare actuellement un livre collectif (La Besogne des Images, à paraître aux éditions Filigranes en co-édition avec Labanque en avril 2019) ainsi qu’un commissariat pour le Musée Delacroix à Paris (mai 2019). Sa pratique consiste à explorer les possibles d’une écriture en prise avec l’espace d’exposition. Elle a publié des textes dans de nombreux catalogues, des revues de littérature, ainsi que dans artpress.

Léa Bismuth © Juliette Agnel

Lancement du #3 de la revue Possible

Samedi 9 février, 17h30

Rendez-vous à #Griset. Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

L’ahah a le plaisir d’accueillir le lancement du numéro 3 de Possible, jeune revue qui fait la part belle à la parole des artistes, à travers de longs entretiens qui en font, entre autres, la spécificité – un positionnement qui ne pouvait que résonner avec les engagements de l’association. Pour l’occasion, L’ahah laisse carte blanche au comité critique qui a concocté un programme d’échanges et d’interventions en collaboration avec les contributeur-rice-s, artistes et critiques, de ce nouveau numéro.
Après un échange inaugural autour des échappées proposées par les projets de L’ahah et de Possible ainsi que la place de la critique d’art en leur sein, l’événement s’articulera autour de deux temps forts : une discussion entre Camille Paulhan et Clare-Mary Puyfoulhoux autour de la relecture / correction des textes des un-e-s et des autres comme espace de réflexion partagé et mouvant ; puis une intervention performée de l’artiste Bertrand Rigaux, qui lira quelques-uns de ses poèmes augmentés d’actions et / ou de propositions sonores.

Possible est une revue en ligne dédiée à la création contemporaine. Elle favorise l’échange et le dialogue avec les artistes ainsi que des formes d’écriture sur l’art plus expérimentales. De par sa forme collégiale, la revue est le lieu d’échanges de points de vue qui replacent au centre de la critique d’art la fertilité des rencontres et de l’oralité. Créée en 2017à l’initiative de Julien Verhaeghe, docteur en Esthétique et titulaire d’un DNSEP, elle est menée par un comité critique également composé de Claire Kueny, historienne de l'art, critique d'art et enseignante, Fanny Lambert, critique d’art, journaliste, commissaire d’expositions indépendante et enseignante, Vanessa Morisset, docteure en histoire de l’art et critique d’art, Clare-Mary Puyfoulhoux, auteure, Camille Paulhan, historienne de l’art, critique d’art et enseignante, Leïla Simon, commissaire d’expositions et critique d’art indépendante ; et Marion Zilio, critique d’art, commissaire d’exposition et docteure en esthétique.

Conférence « Les artistes iconographes » par Aurélien Mole

Mardi 27 novembre 2018, 19h
L'ahah #Griset
4 cité Griset (3ème étage droite)
75011 Paris
Évènement Facebook
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles
Réservation conseillée à info@lahah.fr

Le terme "artiste iconographe" désigne toute pratique qui utilise un ensemble d'images trouvées et/ou produites dans des dispositifs complexes qui trouvent leurs origines dans l'histoire du collage, de l'appropriation ou de l'exposition des archives. Au tournant des années 2000, parallèlement à la montée du web 2.0, on observe un renouvellement des usages de l'image qui offrent encore aujourd'hui des outils efficaces pour construire des rapports au monde pertinents.

Vous avez peut-être déjà croisé le nom d’Aurélien Mole (né en 1975) sous une photographie de vue d’exposition. Diplômé de l’École du Louvre en histoire de la photographie, il a poursuivi son cursus à l’école nationale supérieure de la photographie à Arles et l’a conclu par une formation sur les pratiques de l’exposition à Paris x, Nanterre. Son travail a fait l’objet d’expositions personnelles dans différentes galeries (Lucile Corty, Florence Loewy, Dohyang Lee) et centres d’art (Parc Saint Léger, La villa du Parc, CNEAI=, CAC Passerelle). Il a publié régulièrement des critiques ayant trait à l’exposition ainsi que dans des monographies sur des artistes contemporains (Aurélien Froment, Pierre Leguillon, Clément Rodzielski etc.) Il réalise des expositions basées sur des dispositifs au sein du collectif le Bureau/, et en son nom propre. Enfin, il est un des cofondateurs de la revue Postdocument. À L’ahah, il donnera une conférence autour de la recherche menée en collaboration avec Garance Chabert sur «Les artistes iconographes».

Lena Amuat et Zoë Meyer

Artefakte und Modelle

du vendredi 9 novembre au samedi 22 décembre 2018
vernissage • jeudi 8 novembre • 17h – 21h30

Inaugurée en septembre dernier, la programmation d’expositions monographiques des artistes membres de l’association L’ahah se poursuit cet automne avec Artefakte und Modelle de Lena Amuat & Zoë Meyer.
Nées respectivement en 1977 et 1975, Lena Amuat & Zoë Meyer vivent et travaillent entre Berlin (Allemagne) et Zurich (Suisse) où elles se sont rencontrées durant leurs études de photographie à la Studienbereich Fotografie ZHdK (dont elles ont également été diplômées en beaux-arts). Lena Amuat & Zoë Meyer oeuvrent en duo depuis 2008. Lauréates du Swiss Design Award en 2012, elles ont déjà bénéficié de nombreuses expositions collectives ou personnelles en Europe.

Artefakte und Modelle, qui se déploiera sur les deux espaces d’exposition de L’ahah (à #Griset et à #Moret), est la première exposition personnelle d’ampleur du duo en France. Une double exposition, comme il se devait pour ce binôme ayant fait de la figure du double, du principe de rejeu et de la réflexion spéculaire quelques-unes des articulations formelles et conceptuelles de leur travail.

Artefakte und Modelle s’inscrit dans un ensemble d’expositions et de publications à travers lequel Lena Amuat & Zoë Meyer interrogent la production des savoirs et utilisent la photographie comme une forme de reliquaire contemporain. Les deux artistes s’emparent d’objets et d’images utilisés dans la transmission des connaissances et issus de bibliothèques, fonds d’archives et collections en tous genres. Elles les (re)mettent en scène dans des photographies dont le potentiel plastique est indéniable, puis mettent en scène ces photographies dans des accrochages et des installations. À travers les mises en abîme et changements d’échelle, l’espace d’exposition lui-même devient objet photographique.

Pour cette double exposition parisienne, le duo d’artistes suisses produira un certain nombre de photographies et de volumes dans une mise en espace spécifique à #Griset et #Moret. Lena Amuat & Zoë Meyer montreront notamment 24 nouveaux tirages issus de la série des «Mathematische Modelle» menée depuis 2009, ainsi que le tout-dernier volet des publications qui leur sont dédiées et qui paraît en parallèle aux éditions Aboutbooks (Berlin / Zurich).

Enrico Bertelli

OLDER and YOUNGER

du mercredi 19 septembre au samedi 27 octobre 2018
vernissage • samedi 15 septembre • 17h – 21h30

Lancement de la publication UNAN • samedi 15 septembre 2018 • 17h – 21h30

“ Ton travail a toutes les apparences d’une auto-documentation, d’un témoignage de ton activité. Les éléments évoquent des sons, des bruits, traduits en couleurs et formes… pas forcément agréables, ces sons. Il y a quelque chose de très inconfortable et d’anxieux dans certains pans du travail. On y ressent comme des zones de silence, comme si tu voulais crier et que rien ne sortait… Une amie, en regardant ton travail, me disait : “J’aime, mais il y a quelque chose ici qui provient de la douleur, quelque chose de silencieux, c’est difficile à dire…” Il y a une sorte de revendication dans ta recherche, et dans le même temps, comme une découverte de l’improvisation. Tu n’utilises pas les formes traditionnelles comme telles, ton travail est le fruit d’un accident dont les imperfections, les taches témoignent. Cela implique un vocabulaire différent qu’en retour, tu intègres dans ta pratique. Ton travail, c’est de la peinture lente, c’est du temps au ralenti, c’est propre à la peinture que d’exiger de nous de passer plus de temps avec elle, de ne pas chercher l’immédiateté… et ton travail est de cette sorte.”

Vincent Hawkins, mai 2018

Anne-Charlotte Yver

3296

du mercredi 19 septembre au samedi 27 octobre 2018
vernissage • samedi 15 septembre • 17h – 21h30

« Ici se désagrège lentement du béton, qui fut l’un des premiers matériaux de son travail. Ce condensé de minéraux est un alliage créé par l’homme. Il tient sa provenance de la sédimentation des roches et forme les bâtiments qui disciplinent les périmètres de nos vies. Il advint un jour au Chili que devant elle ces mêmes roches se mirent à bouger et les rues s’éventrèrent, et les murs s’effritèrent. Les cailloux s’en retournèrent avec les cailloux. La matière et l’usage de la matière donnèrent à voir leurs relations anthropophages. »

Quentin Mornay, juin 2018

Légende : Anne-Charlotte Yver, Oxydoréduction, 2018
Courtesy de l’artiste et de L’ahah © Anne-Charlotte Yver

Enrico Bertelli s’entretient avec Marie Cantos

Samedi 27 octobre 2018, 17h30
L'ahah #Moret
24-26 rue Moret
75011 Paris

À l'occasion de son exposition personnelle "OLDER and YOUNGER" à L'ahah #Moret, Enrico Bertelli s'entretient avec Marie Cantos, directrice artistique de L’ahah.

Marie Cantos est auteure de textes, d’expositions et de conférences performées - activités qu’elle envisage comme di érents déploiements d’une seule et même recherche, à la fois théorique et pratique.
Membre associée au Labo VOIR de l’ÉSADHaR, elle intervient de manière régulière dans les écoles supérieures d’art. Après avoir développé ses projets éditoriaux et curatoriaux en indépendante, en 2018, elle prend la direction artistique d’Art on Paper (Bruxelles) ainsi que de L’ahah.

Anne-Charlotte Yver s’entretient avec Quentin Mornay

Samedi 13 octobre 2018, 17h30
L'ahah #Griset
4 cité Griset (3ème étage droite)
75011 Paris

À l'occasion de son exposition personnelle "3296" à L'ahah #Griset, Anne-Charlotte Yver s'entretient avec Quentin Mornay, artiste et chercheur.

Quentin Mornayest artiste, doctorant dans le programme SACRe à l’ENSBA Paris. Sa pratique de la sculpture prend pour matière les techniques de représentation et d’objectivation du monde contemporain. En réinvestissant des formes générées par des langages informatiques, les œuvres jouent une relation syncrétique entre des techniques manuelles et des technologies virtuelles.
En parallèle de sa recherche, il développe un travail d’écriture pour des éditions de livre d’artistes et des lieux de résidence.
www.quentinmornay.com

ahah : nom masc., ouverture pratiquée dans un mur de clôture pour prolonger ou ouvrir une perspective, l'ahah n'est pas conçu pour donner passage, il est généralement doublé, extérieurement, par un saut-de-loup.

Conçue et développée pendant deux années par Pascaline Mulliez et Marine Veilleux, L’ahah, association loi 1901, propose ainsi un accompagnement dans le temps et sur-mesure à des artistes plasticiens qui placent le temps de la recherche au coeur de leur pratique et se mettant par là un peu en retrait du marché de l’art. L’ahah s’engage sur cinq années à assurer une diffusion du travail via expositions personnelles, publications et projets hors les murs et se propose d'enrichir le regard sur l’oeuvre en développant un programme parallèle trans-disciplinaire.

A ce titre, L’ahah dispose de deux espaces d’exposition dans le quartier Oberkampf - cité Griset et rue Moret - dont la programmation ouvrira à l’automne 2018, sous la co-direction de Doria Tichit et Marie Cantos :

septembre → octobre 2018
Enrico Bertelli #Moret
Anne-Charlotte Yver #Griset

novembre → décembre 2018
Lena Amuat & Zoë Meyer #Moret #Griset

janvier → avril 2019
Vincent Dulom #Moret #Griset

février → avril 2019
Charlie Boisson #Moret

avril → juin 2019
Katrin Koskaru #Griset
Louis Gary #Moret

Artistes membres

Jean-François Leroy (1982, France)
Enrico Bertelli (1959, Italie)
Anne-Charlotte Yver (1987, France)
Vincent Hawkins (1959, UK)
Louis Gary (1982, France)
Jeffrey Silverthorne (1946, USA)
Katrin Koskaru (1977, Estonie)
Josué Z. Rauscher (1963, France)
Lena Amuat et Zoë Meyer (1977 & 1975, Suisse)
Charlie Boisson (1980, France)
Bernard Gaube (1952, Belgique)
Vincent Dulom (1965, France)
Ran Zhang (1981, Chine)

D'ici septembre, L'ahah vous souhaite un très bel été!

Anne-Charlotte Yver + Jean-Baptiste Lenglet

Vernissage
28.06.18, 18h → 22h

A Free Fall

#Moret
29.06 → 01.07.18, 14h → 20h

Partant d'une structure tubulaire, structurelle et liquide circulant dans l'atelier temporaire, deux expériences spatiales et perceptives distinctes sont données à éprouver, en deux temps d'exposition et au sein du même espace.

A Free Fall, second projet mené cette fois en collaboration avec Jean-Baptiste Lenglet, y est visible du 28 juin au 1er juillet.

© Panels of Silence

© Panels of Silence

© Panels of Silence

© Panels of Silence

© Panels of Silence

© Panels of Silence

Anne-Charlotte Yver + Augustin Steyer

Vernissage
31.05.18, 18h → 22h
accompagné d'une performance sonore d'Augustin Steyer à 21h

Intra

#Moret
01.06 → 03.06.18, 14h → 20h

Partant d'une structure tubulaire, structurelle et liquide circulant dans l'atelier temporaire, deux expériences spatiales et perceptives distinctes seront données à éprouver , en deux temps d'exposition et au sein du même espace.

Intra, premier de ces deux projets développés par Anne-Charlotte Yver durant sa résidence, est une installation sonore réalisée en collaboration avec Augustin Steyer.
L'installation sera activée lors de deux performances : à l'occasion du vernissage et lors du dernier jour de l'exposition.

A Free Fall, second projet mené cette fois en collaboration avec Jean-Baptiste Lenglet, y sera visible du 28 juin au 1er juillet.

En parallèle

03.06.18, 18h : nouvelle performance sonore d'Augustin Steyer.

© Anne-Charlotte Yver

© Anne-Charlotte Yver

© Anne-Charlotte Yver

© Anne-Charlotte Yver

© Anne-Charlotte Yver

Enrico Bertelli

By a Hum

Origini Edizioni, Italie, 2017

Texte de Matilde Vittoria Laricchia
Photographies de Valentino Barachini
Traductions de Massimiliano Barachini
Langues : italien / anglais

Le livre se découpe en quatre sections :

• reproduction littérale d'un livre d'artiste d'Enrico Bertelli
16 pages, 33 x 47 cm

• essai de Matilde Vittoria Laricchia

• photographies de Valentino Barachini de l'exposition d'Enrico Bertelli : 20 giorni
(Palazzo Huigens. Livorno, September 2016)

• photographies de Valentino Barachini
dans l'atelier d'Enrico Bertelli.

100 copies numérotées et signées (35 €),
dont 30 exemplaires comprenant une oeuvre sur pvc d'Enrico Bertelli (300 €).

Disponible 4 cité Griset, Paris ou en ligne

L'ahah ouvre ses portes!

Jeudi 14 décembre 2017, de 17h à 21h
Chers amis,
Après un an de travail, nous aurons plaisir à vous présenter L’ahah, telle que nous l’avons pensée.
Enrico Bertelli et Anne-Charlotte Yver, que nous accueillons dans nos murs jusqu’au 31 août 2018, seront également présents.
A cette occasion, Enrico Bertelli ouvrira exceptionnellement son atelier aux visites.
Hâte de vous retrouver!

Résonance
Nous accueillerons la Revue Point contemporain à l'occasion de sa dernière parution. Elle y propose un focus sur le projet Storage Facility d'Anne-Charlotte Yver.
Sa version digitale, menée dans le cadre du Virtual Dream Center sera présentée demain soir, jeudi 14 décembre.

Presse
"L'ahah apporte son soutien aux artistes", Le Quotidien de l'art, 13.12.2017