Conférence gesticulée par Bénédicte Davin

Samedi 22 juin • 19h à L’ahah #Moret

Dans le cadre de l’exposition de Jeanpascal Février, Pierre Martens et Alain Sicard, ETC., les artistes invitent Bénedicte Davin.

Conférence gesticulée confèrera Le Procès de Franz Kafka (1883-1924) avec le poème À gorge dénouée de Ghérasim Luca (1913-1994), le jour de la clôture de l’exposition ETC., laquelle interroge la perception du tableau vis‑à‑vis de nos capacités rétrospectives et projectives à prolonger le regard sur lui.

Bénédicte Davin livrera une création/performance à partir des mimiques gestuelles qui jalonnent l’intégralité du roman, lequel célèbre la main comme seule réalité tangible de l’existence. L’écrivain austro-hongrois étale dans le temps littéraire du Procès une liste de faits et gestes que Bénédicte Davin se gardera bien d’interpréter dans son intégralité. Conférence gesticulée désordonne et réorganise la relation du geste à la parole, elle cède au plaisir de la répétition, à seule fin d’exprimer l’idée par ses différences.

Si Joseph K. tente de sortir de la nasse juridique dans l’atelier du peintre Titorelli, lequel ne cherche qu’à lui vendre ses tableaux, Bénédicte Davin interpellera en écho, la gestualité des peintres, Sicard, Martens, Février. Comme autant de gestes nouveaux, parce que répétés.

Jeanpascal Février

→ Bénédicte Davin est une vocaliste plasticienne qui dédie une part de son art aux expériences sonores et scéniques des avant‑gardes : Filippo Tommaso Marinetti, Kurt Schwitters, John Cage, Luciano Berio, Giacinto Scelsi, Georges Aperghis…

Projet en cours : Collaboration avec le compositeur Timo Van luijk pour son label « La scie dorée » (Hasselt). Sortie prévue en automne 2024.

Jeanpascal Février, Pierre Martens et Alain Sicard

ETC.

Exposition du 1 juin au 22 juin 2024
Vernissage 01 juin de 17h-21h
→ L'ahah #Moret 24-26 rue Moret, 75011 Paris

L’ahah #Moret devient en juin 2024 le laboratoire, le terrain de jeu et de questionnement de trois artistes plasticiens : Jeanpascal Février, Pierre Martens et Alain Sicard. L’exposition ETC. croisera leurs recherches picturales et esthétiques tout en mettant à nu cette appétence particulière et commune pour les listes – listes de choses, de références, listes pratiques, listes poétiques et cætera !

Les artistes ambitionnent donc de soumettre cette obsession énumérative à l’épreuve du regard, de la mise en espace. Disséquer ces listes, les ouvrir, les triturer, pour sonder ce que signifie cette manière d’organiser la pensée et les actes en une suite. Inventaire, typologies, encyclopédies, collections témoignent d’un souci d’accumulation, d’exhaustivité mais également d’un goût du rebond. Quelle est la nature de l’œuvre qui se forme à travers le recensement des artistes et des auteurs dont on reconnait les influences ?

Pierre Martens envisage de dresser la liste des processus de travail pour en établir les liaisons, Alain Sicard de révéler un catalogue d’images et de musiques pour questionner leur incidence sur sa pratique tandis que Jeanpascal Février imagine de répertorier ses gestes dessinés et peints, comme autant d’éléments invasifs qui redéfinissent des modes de réalisation picturale (sériel, hasardeux et iconique). Le monde peut-il s’appréhender à travers des listes ? Si tel était le cas, quel serait-il : fini ou infini ? C’est cette tension-là aussi que les artistes se proposent d’explorer…

Pour télécharger le dossier de presse, cliquez ici.

→ Jeanpascal Février vit et travaille entre Paris et Aubervilliers. Diplômé des Beaux-Arts de Montpellier ainsi que de l'Université Paris I Panthéon-Sorbonne en Esthétique et Sciences de l'art, son œuvre a été montrée dans de nombreuses expositions en France et en Belgique, notamment à la Galerie Bernard Jordan, Paris, à la Galerie Albert Dumont, Bruxelles, à la heartgalerie – Cyril Sitbon, Paris, ou encore à la Centrale for contemporary art, Bruxelles. Il a récemment collaboré avec Pierre Martens sur deux expositions : CATALOGUE, en 2023 (Espace Galerie Flux, Liège) et à plat ou pas, en 2022 (346, Linkebeek). Jeanpascal Février est critique d'art et enseigne actuellement l'Esthétique, l'Histoire de l'art et la communication au Lycée des métiers de l'image Claude Garamont (Colombes).

→ Pierre Martens vit et travaille à Linkebeek en Belgique. Diplômé de la Cambre en sérigraphie, il expose son travail à de nombreuses reprises en Europe. Il participe en 2021 au projet initié par Pierre Philippe Hofmann à la Galerie Duflon-Racz à Bruxelles. En 2020, il expose son travail aux cotés de Olivia Barissano et Catherine Pleyers à l’exposition BMP au 58-6e à Bruxelles. En 2019, il présente son exposition Ladekast project à la Galerie Phoebus à Rotterdam et il participe cette même année à l’exposition La conscience du paysage au centre culturel de Huy.

→ Alain Sicard vit et travaille à Paris. Son travail a fait l’objet de plusieurs expositions personnelles, en 2019 et en 2022 à la Galerie Bernard Jordan à Paris. Il participe en 2016 à la 25ème édition de L’Art dans les chapelles à Pontivy où son œuvre était exposée à la Chapelle Saint-Jean le Sourn. Alain Sicard a également participé à plusieurs expositions collectives notamment chez Christian Aubert en 2020 à l’occasion de l’exposition La profondeur de la peau, mais également, en 2021 pour l’exposition Subito Presto 3 à L’ahah ou encore à L’Ar(t)senal, à Dreux, en 2021 à l’occasion de l’exposition Inspiré·e·s.

• Photo : Jeanpascal Février, Phylactères 2, technique mixte sur papier de soie, (détail) 76 x 50 cm, 2024 © DR

Souffles • Lecture performée de Raphaël Tiberghien

Vendredi 7 juin • 19h à L’ahah #Griset

« L’horizon de la mer est caché à cause des dunes. Mais la présence de la mer était tellement présente avant qu’on passe. »
— Piet Moget

L’ahah invite Raphaël Tiberghien à réaliser une lecture performée en écho à l’oeuvre de Piet Moget, actuellement exposée au 4 cité Griset. Ses recherches le conduisent à interroger ce qui n’est pas pictural dans notre expérience de la peinture, aussi bien que ce qui n’est pas verbal dans l’expérience du texte. Il s’agira de déambuler dans un espace, qui pourrait aussi bien être un récit. Un ensemble de sculptures sifflantes en terre, un ordinateur et quelques feuilles de papier seront manipulés pour l’occasion.

→ Raphaël Tiberghien, diplômé avec les félicitations aux Beaux-Arts de Paris en 2013, explore les interactions entre le langage et les formes plastiques. Il est aussi poète et auteur de différentes publications. Il cherche avant tout à donner un corps plastique au texte, donner aux mots un contenant autant qu’un contenu et montrer comment forme et sens entrent en adéquation. Dans une époque où le langage est omniprésent et les moyens de communication en perpétuel développement, il s’intéresse aux interactions entre objet et pensée, forme et discours. (Sylvie Fontaine)

Projection du film "Piet Moget, un matin" d'Henri-François Imbert

Vendredi 17 mai • 19h30
→ L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011, Paris

Projection du film, « Piet Moget, un matin, » d'Henri-François Imbert, suivie d’une discussion entre le réalisateur et Stéphane Carrayrou, historien de l'art.

Piet Moget a peint sans relâche « la mer espace », invisible mais palpable depuis son atelier. Il la décrit ainsi : « c’est comme une sorte de présence [...] absente à la vue, mais qui est présente dans votre esprit et dans l’atmosphère... ». Stéphane Carrayrou et Henri-François Imbert aborderont la relation singulière que Piet Moget a entretenu avec le paysage et son atelier de la Grange Basse.

→ Stéphane Carrayrou écrit sur l'art, il a été pendant vingt ans professeur de théorie des arts à l’ESADHaR, École Supérieure d’art et de design Rouen-Le-Havre. Commissaire d’exposition pour de nombreux projets notamment au Centre Photographique d’Île-de-France, à l’Institut français et à l’Espace Paul Ricard, Paris ; il a été aussi à l’initiative de la création d’un pôle de résidences artistiques sur les Hauts de Rouen. Après avoir rencontré Piet Moget à la galerie Louis Carré, Henri-François Imbert lui a donné l'occasion de se rendre à son atelier de Sigean.

→ Henri-François Imbert est un cinéaste français. Il est enseignant à l’Université Paris 8. Ami de longue date de Piet Moget, le réalisateur dit avoir toujours eu cette idée de faire un film sur sa peinture : « J’ai plusieurs fois écrit le scénario de ce film, imaginé une narration, mais comment filmer la peinture ? ». Il s’est aussi intéressé à l’artiste André Robillard en lui consacrant trois films (en 1993, 2013 et 2018). Son dernier long-métrage, Le temps du voyage, nous entraîne dans le présent des Tsiganes, plus particulièrement celui des gitans d’Occitanie.

→ Piet Moget est né le 24 mai 1928 à La Haye et mort le 13 décembre 2015 à Port-la-Nouvelle. Il intègre l’école des Beaux-Arts de la Haye en 1946. En 1991, il fonde avec sa femme, Mary Schallenberg, et sa fille, Layla Moget, le Lieu d’Art Contemporain – L.A.C de Sigean. Piet Moget a participé à de nombreuses expositions personnelles et collectives, en France et à l’étranger. Son travail fait partie de collections publiques françaises et internationales, notamment celles du FRAC Île-de-France, du FRAC Languedoc-Roussillon et du Musée de La Haye.

→ Le L.A.C est un lieu d’art contemporain créé à Sigean (Aude) en 1991 par le peintre Piet Moget (1928-2015) et sa fille Layla Moget dans une ancienne cave viticole de plus de 1.800 m2. Sa collection d’exception reflète l’insatiable curiosité d’un lieu créé par un artiste pour les artistes. On y trouve, entre autres, des oeuvres de Robert Morris,
Fred Sandback, Geer Van Velde, Karel Appel, Bram Van Velde, Olivier Debré, Frank Stella, Walter De Maria, Yves Klein...

Visuel : Piet Moget travaillant sur les flancs de son camion atelier sur les quais de Port La Nouvelle.

Sophie Blet

Vendredi 17 mai • Dès 18h
→ L’ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

Lancement du deuxième livret de l’édition "Pas tout à fait vides, peut-être juste impossibles" et lecture du texte « En marchant » par Clare-Mary Puyfoulhoux à 18h30.

Sophie Blet et Diane Der Markarian seront présentes de 18h à 21h.

"Pas tout à fait vides, peut-être juste impossibles".
Contributions d’Antoinette Jattiot, Anne-Lou Vicente et Clare-Mary Puyfoulhoux. Graphisme et mise en page de Marius Astruc.

À l’occasion du vernissage, Sophie Blet et Diane Der Markarian lançaient l’édition "Pas tout à fait vides, peut-être juste impossibles". Fruit d’un projet de recherche qui se matérialise par l’exposition actuellement présentée rue #Moret, cette édition se compose de deux volumes. L’un, monographique, est d’ores et déjà consultable. Le deuxième revient sur les installations déployées à L’ahah avec des vues d’exposition ainsi qu’un entretien entre la commissaire et l’artiste.

→ Sophie Blet vit et travaille à Marseille. Après des études en histoire de l’art, elle étudie aux Beaux-arts de Monaco, MO (Pavillon Bosio, Master Art & Scénographie) et aux Beaux-arts de Leipzig, DE (HGB, Hochschule für Grafik und Buchkunst - Master et Post-diplôme). Son travail a été présenté dans plusieurs expositions collectives et personnelles, notamment au Musée d’Art Moderne et Contemporain de Saint-Etienne Métropole (MAMC+), au Centre d’art de la Graineterie, Houilles, à la galerie Art-Cade, Marseille, à la galerie 22,48m2, Paris, pour l’Art dans les chapelles, à l’Observatoire de Nice, au Passage de Retz, Paris (Artagon), à la Galerie Bipolar, Leipzig, à la HGB Gallery, Leipzig, à la Open-School Gallery, Beaux-arts de Nantes, à la Fondation Vasarely, au Château de Servières, Marseille ou prochainement à L’ahah, Paris. Sa première monographie Pas tout à fait vides, peut-être juste impossibles, paraîtra dans le cadre de son exposition à L’ahah.

→ Diane Der Markarian est critique d’art et commissaire d’exposition indépendante, membre de l’AICA-France. Elle est responsable opérationnel pour le dispositif Micro‑Folie porté par le ministère de la Culture et coordonné par La Villette à Paris. Diplômée de l’Université d’Aix-Marseille, de l’École du Louvre et de Sciences Po Paris, elle a réalisé deux séjours d’études internationaux en Suisse et au Canada, et dédié son mémoire de recherche à une monographie de l’artiste israélienne Michal Rovner (1957). Membre du collectif Jeunes Critiques d’Art de 2016 à 2021,
elle co-fonde l’association YACI - International Young Art Criticism en 2019. Elle a travaillé au sein de diverses institutions en France et à l’étranger (Fondation des Treilles, Musée d’art moderne et contemporain Saint-Étienne Métropole, Fondation Guido Molinari).

→ Clare-Mary Puyfoulhoux est titulaire d’un master Lettres, Arts, Pensée contemporaine, membre de l’AICA-France, co‑fondatrice et rédactrice en chef de Boum!Bang!, elle est critique d’art et commissaire d’exposition. Elle a écrit un texte pour le solo show à L’ahah #Moret, de Vincent Dulom, "Tracer le peu", en 2018.

Visuel : Édition Pas tout à fait vides, peut-être juste impossibles

Sophie Blet

Pas tout à fait vides, peut-être juste impossibles
Commissariat: Diane Der Markarian

Exposition du 27 avril au 18 mai 2024
Vernissage 27 avril 2024 • 17h-21h
→ L'ahah #Moret 24-26 rue Moret, 75011 Paris

L’ahah est heureuse de soutenir et de présenter le projet de recherche et d’exposition réunissant la commissaire d’exposition et critique d’art Diane Der Markarian et l’artiste Sophie Blet : Pas tout à fait vides, peut-être juste impossibles. L’ahah #Moret se fera ainsi au printemps 2024 caisse de résonance du cheminement, des échanges du duo.

Première exposition personnelle à Paris de Sophie Blet, Pas tout à fait vides, peut-être juste impossibles bouscule notre perception, sondant le trouble né de l’exploration des multiples dimensions du réel, la ténuité de leurs frontières. Les recherches plastiques convoquent d’autres champs d’investigation - astronomie, cosmologie, philosophie des sciences, linguistique - dans un fécond enchevêtrement. Sculptures, installations, œuvres sonores comme autant d’outils pour mesurer le monde et le démultiplier.

Diane Der Markarian et Sophie Blet proposent une immersion où l’invisible devient palpable et la réalité se dissout. Nos sens et notre esprit sont en alerte. À tout moment, tout peut basculer.

L’exposition éprouve l’œuvre et sa matérialité ainsi que notre rapport au langage, entre fabrique d’imaginaires et déchiffrement du réel.

→ Sophie Blet vit et travaille à Marseille. Après des études en histoire de l’art, elle étudie aux Beaux-Arts de Monaco, MO (Pavillon Bosio, DNSEP) et aux Beaux-Arts de Leipzig, DE (HGB, Hochschule für Grafik und Buchkunst). Son travail plastique se développe à travers différents médiums qui entretiennent et poursuivent des dialogues réguliers avec d’autres chercheur·euse·s, où l’appréhension du réel bascule de l’espace perçu vers un espace incertain, et encore indéterminé. Son travail a été présenté notamment au Musée d’Art Moderne et Contemporain de Saint-Etienne (MAMC+), à la Graineterie, Houilles, dans le cadre de la 13ème Biennale de la jeune création, à la galerie Art-Cade, Marseille, à la Open-School Gallery, Beaux-Arts de Nantes, à la Galerie HO, Marseille, lors du 8ème Prix Jeune Création, Saint-Rémy, à la Fondation Vasarely, au Passage de Retz, Paris (Artagon), à la Galerie Bipolar, Leipzig, à la HGB Galerie, Leipzig, à Dos Mares, à la galerie 22,48m2, Paris et prochainement en été 2023 pour L’art dans les chapelles.

→ Diane Der Markarian est critique d'art indépendante, membre de l’AICA-France. Elle est responsable opérationnel pour le dispositif Micro-Folie porté par le ministère de la Culture et coordonné par la Villette à Paris. Diplômée de l’Université d’Aix-Marseille, de l’École du Louvre et de Sciences Po Paris, elle a réalisé deux séjours d’études internationaux en Suisse et au Canada, et dédié son mémoire de recherche à une monographie de l’artiste israélienne Michal Rovner (1957). Membre du collectif Jeunes Critiques d’Art de 2016 à 2021, elle co-fonde l’association YACI – International Young Art Criticism en 2019. Elle a travaillé au sein de diverses institutions en France et à l’étranger, (Fondation des Treilles, musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole ou encore à la Fondation Guido Molinari, à Montréal).

Pour télécharger le dossier de presse, cliquez ici.

* Photo : Sophie Blet, Dissoudre-coaguler, 2021, Impression jet d'encre, papier, liant, peinture à l'huile sur laiton, Dimensions variables © Adagp, Paris, 2023

Piet Moget et Patrick Sauze

Carte blanche au L.A.C. de Sigean
Commissariat : Layla Moget

Exposition du 27 avril au 22 juin 2024
Vernissage 27 avril 2024 • 17h-21h
→ L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

L’ahah se réjouit à l’idée de voir se déployer en ses lieux le regard de Layla Moget, co-fondatrice du LAC, le lieu d’art contemporain à Sigean, et le magnifique dialogue de peinture proposé entre Piet Moget et Patrick Sauze au printemps 2024.

Il est des lieux où l’esprit souffle à pleins poumons. C’est le cas du LAC, le lieu d’art contemporain créé à Sigean (Aude) en 1991 par le peintre Piet Moget (1928 -2015) et sa fille Layla, qui continue, sur site et hors-les-murs, de transmettre, notamment aux plus jeunes, sa passion de l’art et des artistes. Le lieu est singulier à tout point de vue : son architecture (une ancienne cave viticole de plus de 1.800 m2) et son exceptionnelle collection, fruit des rencontres et des amitiés artistiques, qui reflète l’exigence de la programmation et l’insatiable curiosité d’un lieu créé par un artiste pour les artistes. Aussi, l’exposition présentée à L’ahah, confiée à Layla Moget, aura, une fois encore, l’ambition de manifester cet éclectisme exigent et de surprendre à travers le dialogue a priori improbable entre deux peintres que tout semble, à première vue, opposer. Le premier, Piet Moget, a peint sur le motif, au bord du lac, des œuvres atmosphériques et vaporeuses. Le second, Patrick Sauze, fait une peinture tendue entre un espace monochrome en son centre et une forme qui joue avec le contour de la toile, nous ramenant à l’essence même du tableau comme espace de transition entre la peinture et le monde. Ce qui réunit, malgré leurs apparentes dissemblances, ces deux œuvres, c’est la quête d’un espace pictural qui, porté par une exigence de la forme, nous rappelle combien l’expérience esthétique nous ramène à un fond commun, essentiellement ineffable et, malgré cela, possiblement partageable.

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La commissaire de l'exposition

Layla Moget est née le 18 octobre 1952 à Svenljunga en Suède. Elle vit et travaille à Sigean, en France.
Diplômée de L’École du Louvre à Paris elle commence sa carrière de commissaire d'exposition auprès de son père, le peintre néerlandais Piet Moget. En 1991, ils créent le Lieu d’Art Contemporain – L.A.C. de Sigean, dans l’Aude. En parallèle de la constitution d’une collection permanente, ils organisent en moyenne trois expositions par an : des expositions personnelles ou collectives d'artistes internationalement connu·e·s, comme Geer Van Velde, Richard Long, Carl André, On Kawara, Denis Oppenheim, Richard Serra, Yan Pei Ming, Andy Warhol, mais aussi en soutien d’artistes moins connu·e·s et de la jeune création. Au décès de son père en 2015, Layla Moget continue de diriger l’association.
Figure majeure de la création contemporaine dans sa région. Elle a aussi été commissaire d’expositions à l’Aspirateur de Narbonne, lieu d’art contemporain de la ville (fermé en 2020) : elle y a notamment exposé l’artiste Erro’ en 2013, pour l’inauguration du lieu.

Les artistes

Piet Moget est né le 24 mai 1928 à La Haye et mort le 13 décembre 2015 à Port-la-Nouvelle.
Il intègre l’école des Beaux-Arts de la Haye en 1946. Marié à la peintre Mary Schallenberg, ils s’installent en 1952 à Port-la-Nouvelle tout en séjournant régulièrement en Suède. Il ne cesse de proposer des expositions à ses confrères et consoeurs artistes en 1952, en parallèle de sa pratique artistique. En 1991, il fonde avec sa femme et sa fille, Layla Moget, le Lieu d’Art Contemporain – L.A.C. de Sigean.
Piet Moget a participé à de nombreuses expositions personnelles et collectives, en France et à l’étranger – au musée d'art moderne de la ville de Paris, au musée Favre, Montpellier, à la galerie De Boer, Amsterdam (NE), à la galerie God Konst, Göteborg (SU), etc. Son travail fait partie de collections publiques françaises et internationales, notamment celles du FRAC Ile de France, du FRAC Languedoc-Roussillon et du Musée de La Haye. Son oeuvre a fait l’objet de plusieurs publications.

Patrick Sauze est un peintre de l’abstraction. Son travail a été présenté au sein de nombreuses expositions personnelles – par exemple à la Galerie Jean-Paul Barrès, Toulouse (2021), ou encore à la Maison des Arts, Bages – et collectives – notamment à la Maison Consulaire, Mende (2018), à la Galerie Pavé d’Orsay, Paris (2016), au Musée des Abattoirs, Toulouse et au Museum of Decorative Arts UPM, Prague (2012) ou encore à la Galerie Brot und Spiel, Berlin (2006). Il a été exposé à de nombreuses reprises au L.A.C. de Sigean, où il a aussi travaillé ponctuellement aux côtés de Layla Moget.
Son travail est entré dans plusieurs collections publiques : celles du FRAC Languedoc-Roussillon ; du Musée des Abattoirs, Collection livres d'artistes, Toulouse ; de l’Artothèque de Strasbourg et des villes de Bages et Nantes. Patrick Sauze est représenté par la Galerie Jean-Paul Barrès à Toulouse.

L’histoire du L.A.C., Lieu d’Art Contemporain commence en 1991. Le peintre Piet Moget transforme un chai datant de 1880 situé non loin du lac de Sigean, au sud de Narbonne en un espace dédié à l’art et à l'été l’ancienne bâtisse viticole de près de 2000 m2 accueille une exposition personnelle consacrée à Geer van Velde, un artiste proche du fondateur et sa fille Layla Moget.

Les années 1990 verront défiler des artistes peu connus à l’époque, devenus aujourd’hui incontournables. Le choix des artistes et des oeuvres, entièrement dû aux fondateurs, est souvent visionnaire. S’il est difficile de retracer toutes les histoires particulières qui se cachent derrière ces engagements, l’on devine qu’il s’agissait souvent d’affinités profondes, mais aussi, parfois, de soudains coups de coeur pour des oeuvres susceptibles de provoquer des questionnements et de bousculer le regard des visiteurs. De ces rencontres ont germé des expositions portées par un lieu unique. Un esprit singulier s’est rapidement imposé, inscrivant durablement le lieu dans le paysage artistique.

L’année 2000 marque une étape importante de l’histoire du L.A.C. Durant l’été, une rétrospective présente les moments forts de la programmation depuis l’ouverture du centre d’art. Sont présentés, entre autres, Karel Appel, Basquiat, Charchoune, Dado, Marlène Dumas, Erró, Richard Estes, Eric Fischl, Wolfgang Laib, Robert Matta, Malcolm Morley, Robert Morris, Roman Opalka, Ed Ruscha, Julian Schnabel, Matias Spescha, David Tremlett, Bram Van Velde, Geer Van Velde, Jacques Villon ou encore Tjeerd Alkema, Richard Artschwager, Richard Baquié, Stéphane Bordarier et Toni Grand... L’exposition est un véritable manifeste : exigence et éclectisme de la programmation ; ouverture à l’international, notamment un lien privilégié avec les pays du Nord de l’Europe.

Le décès de Piet Moget, en 2015, marque un tournant mais le travail de la petite équipe du L.A.C. continue grâce aux efforts de Layla Moget, présidente de l’association, commissaire des expositions et responsable du service éducatif.

Outre les expositions, le L.A.C. c’est aussi une collection d’exception. Au fil des années, des expositions et des rencontres, la famille Moget a réuni des ensembles conséquents de nombreux artistes parmi lesquels Geer Van Velde, Karel Appel, Bengt Lindström, Dado, Matias Spescha, André Lhote, Olivier Debré... Un accrochage des oeuvres de la collection, régulièrement renouvelé, est présenté en permanence dans le lieu.

• Photo : Patrick Sauze, écran, 2015 © David Huguenin / Galerie Jean-Paul Barres

Dispersion·s

Un événement du Grand Belleville

Commissariat de Marguerite Pilven
Du 27 mars au 7 avril 2024 - 7.04.2024
→ L’ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris et Villa Belleville

« Imaginée pour Belleville Multiples, l’exposition trouve son inspiration dans ce propos de l'artiste Vincent Dulom : “je ne multiplie pas, je divise”. En lieu et place de la traditionnelle mimêsis, il s’agit d’étudier ce qui se manifeste sous des formes différentes, de l’œil à la chose, ou en montrant le mécanisme qui montre.» M.P.

→ Lena Amuat & Zoë Meyer vivent et travaillent entre Zürich et Berlin, elles travaillent en duo depuis 2008. Elles ont participé à de nombreuses expositions en France : Villa du parc, Annemasse en 2015, Galerie Marine Veilleux, Paris en 2016. À l’étranger : Kunsthalle de Berne, 2011, Dye House 451 de Londres, 2017 ainsi qu’au Helmhaus de Zürich. En 2019, elles ont investi la crypte de l’Abbaye de Grossmünster à Zurich. En 2021, un livre portant sur la série « Artefakte und Modelle » a été édité par About Books (Suisse).

→ Charlie Boisson vit et travaille à Paris. En 2021, il a bénéficié d’expositions personnelles à La Serre, Saint-Étienne, au Creux de l’Enfer (Thiers), à la chapelle du château des Rohans lors de la manifestation « L’Art dans les chapelles » (Pontivy), en 2019 à L’ahah (Paris) ou encore à Bikini (Lyon). Il est enseignant à l’École des Arts de la Sorbonne (Paris 1 Panthéon Sorbonne - Saint-Charles).

→ Vincent Dulom vit et travaille à Paris. Ses œuvres ont été présentées en 2022 et 2019 à L’ahah à Paris et à la chapelle du Quartier Haut de Sète, en 2018, à L’Art dans les Chapelles, en 2017, à la BF15 hors les murs à l’occasion de la Biennale de Lyon. En 2016, il expose à l’Hôtel de l’industrie à Paris, en 2015, au Centre d’art contemporain Passages à Troyes, en 2010, à l’Espace d’Art Concret à Mouans- Sartoux.

Du samedi 6 avril au dimanche 7 avril • Villa Belleville Belleville Multiples

Le Grand Belleville est de retour ! Pour fêter le printemps, 14 lieux d’art du réseau proposent un événement autour du multiple d’artistes.

L’ahah y participe avec les oeuvres de Lena Amuat & Zoë Meyer, Charlie Boisson, Vincent Dulom ainsi qu’une sélection de livres d’artistes (Enrico Bertelli, Anne Deguelle, Bernard Gaube...) et de cartes postales de Sinae Lee.

FESTIVAL BELLEVILLE MULTIPLES
à la Villa Belleville (entrée libre)
23 Rue Ramponeau, 20e
Samedi, 6 : 14h - 20h
Dimanche, 7 : 13h - 18h

En parallèle à #Moret :
Sinae Lee in Paris by Sinae Lee (2.03-23.03)

Le 6.04.24, 18h à L'ahah #Moret : Performance Sinae Lee in Paris
L'artiste, déguisée en guide touristique, emmènera les spectateurs dans un parcours traversant autant les sites historiques de la ville que ceux de son histoire personnelle.

→ Sinae Lee est née en 1989 à Séoul, elle vit et travaille à Paris. Diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure d’Arts de Paris-Cergy en 2021, elle a reçu le Prix Contemporain 2022 de la Revue Point Contemporain.
Pour consulter le dossier de presse, cliquez ici

Visuels :
Charlie Boisson, Holding Handling (détail), 2023 © Charlie Boisson,
Vincent Dulom, Dispersion 18083102 13 18083101 (détail), 2018 © Vincent Dulom
Lena Amuat & Zoë Meyer, Phone #1- #3 (Triptychon), 2020 © Lena Amuat & Zoë Meyer

Sinae Lee in Paris

By Sinae Lee

Exposition du 2 mars au 23 mars 2024
Vernissage 2 mars 2024 • 17h-21h
→ L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

L’ahah #Moret accueille le premier solo-show en France de l’artiste coréenne Sinae Lee, où elle explore ce que l'exil et le déracinement font à l'identité et aux relations.

Dans « Sinae Lee in Paris », Sinae Lee devient le personnage principal d’un univers qui raconte les aléas et les zones grises du cheminement d’une étrangère arrivant en France. [...] La vidéo et la performance sont pour elle des médiums assez vastes pour qu’elle en explore les différentes facettes, tout comme elle parcourt des versions alternatives d’elle-même. Son quotidien devient matière. L’apprentissage de la langue, l’administration, la communication, les territoires qui la sépare de sa famille, de ses amis… Il s’agit pour elle d’un exercice cathartique, un moyen d’évaluer la manière dont la distance se ressent et se goûte physiquement et émotionnellement ou encore de comprendre ce que la technologie peut maintenir d’une relation isolée par plusieurs milliers de kilomètres. [...]

L’ambivalence prévaut dans l’œuvre de Sinae Lee, la sensation d’être en transit permanent, ni « tout à fait ici ni tout à fait là ». Au seuil, désormais. En décalage. Cette sensation se cristallise sur des détails aussi infimes qu’éloquents. Les bâillements qui émaillent les conversations visiophoniques de l’artiste et ses parents, les variations de lumière dans le ciel et les questions qu’elles soulèvent chez Sinae : « ce ciel que l’on regarde parfois en même temps, est-il vraiment le même lorsque l’on est séparé par un continent ? » Dans cette volonté de combler l’absence, de « rapprocher nos distances », elle se retrouve confrontée à une temporalité troublée qui se définit par le « ni », un espace-temps suspendu. [...]

Les images de Tour Eiffel, les panoramas parisiens lustrés, se changent en quais blafards de RER et en restes froids de fast-food engloutis tard le soir. [...] L’artiste revêt le casque et la panoplie complète de la guide-conférencière. Mais la ville dans laquelle elle nous conduit n’a rien de la Ville Lumière des tour operator. Son premier appartement, sa banque, sa laverie… [...] L’étrangère devient celle qui connaît. Paris se révèle sous un nouveau jour. De ces endroits parcourus, elle construit des espaces inédits, atopiques. Il y a alors un mouvement qui ouvre à une signification inattendue et impensée de la ville : un tiers-lieu aux confins de l’originaire, du réel et du rêve — zone liserée de réalités fantasmées, contrariées.

Extraits du texte de Jeanne Mathas, « Sillonner la distance ».

Pour consulter le dossier de presse, cliquez ici

→ Née en 1989 à Séoul, Sinae Lee vit et travaille à Paris. Diplômée de l’École Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy en 2021, elle a reçu le Prix Contemporain 2022 de la Revue Point Contemporain.

L'artiste a montré son travail dans de nombreuses expositions en France et à l'étranger, dont les plus récentes en 2022 : la Biennale de la jeune création à la Graineterie (Houilles), le festival Hors pistes au Centre Georges Pompidou (Paris), Silver is the Back of the Mugwort au 55ooofff (Séoul), le festival Nouveaux Rêves au Méliès Saint-François (Saint-Etienne) et la 3ème édition du festival SICINEMA au Café des Images (Caen). Elle a également participé à l'exposition Each Day à la Galerie du Crous de Paris, en juillet 2023, avec sa performance Sinae Lee in Paris.

En Corée, elle a présenté en 2015 à Willing N Dealing l'exposition personnelle, Back of the first pageet a bénéficié d'un duo-show, The taste of long distance relation, à Jungganjijeom (Séoul) Elle a également participé en 2023 à l'exposition collective Sorry, Frankenstein au Jeonbuk museum of art.

* Photo : Sinae Lee, J'ai besoin de la chance, vidéo, vue de l'installation à la biennale de la jeune création de la ville de Houilles, © Marc Domage

Lecture performée • Chris Cyrille • « Récitatif »

Vendredi 22 mars 2024 • 19h
→ L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Les tableaux de Bernard Gaube sont hantés par la question de l'oralité. Ils sont traversés par des références à la Beat Génération et par des thèmes liés au sort des minorités ethniques et des peuples colonisés. En une recherche de résonances avec le peintre, le poète et conteur Chris Cyrille improvisera des passages de "Récitatif", un poème écrit pour être déclamé.

Né en 1993, Chris Cyrille vit entre la Guadeloupe et la France. Il a étudié la philosophie et la théorie de l'art à l’Université Paris 8 et s'intéresse particulièrement aux esthétiques caribéennes. En 2021, La Fondation Van Gogh d'Arles l'a invité à performer dans le cadre d'une exposition collective qui portait sur le souffle.

Visuel : Portrait de Chris Cyrille

Projection de film • Bertrand Dezoteux • « Harmonie »

Vendredi 16 février 2024 • 19h
→ L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Projection du film de Bertrand Dezoteux, Harmonie, suivie d’un échange avec Bernard Gaube modéré par Camille Debrabant, commissaire de l’exposition
« Hunimalité ».

À la croisée de la science-fiction et de la comédie musicale, cette série animée relate les aventures de Jésus Perez, un envoyé de l’espèce humaine sur l’exoplanète Harmonie. Celle-ci tient son nom de ses paysages aux géologies arc-en-ciel, mais aussi d’une bizarrerie génétique qui permet à ses habitants, aux voix enchanteresses, de se reproduire entre eux sans distinction d’espèces.

Bertrand Dezoteux (né en 1982, Bayonne) réalise des films d’animation. Il explore une grande diversité d’images de synthèse sous la forme d’assemblages fictionnels.

Expositions récentes : Futur, ancien, fugitif, Une scène française au Palais de Tokyo, Paris (2019); le festival Hors-Pistes au Centre Pompidou, (2020), Paris; Le Juste Prix, Fondation Pernod-Ricard, Paris, commissaire-artiste (2021); Disegni, Artissima XYZ, Turin, Italie (2021); Children Power, Le Plateau Frac Île-de-France, Paris (2021);

Visuel : Bertrand Dezoteux, Harmonie (épisode 1), film d’animation, 2018, courtesy Galerie Anne Barrault, Paris

Bernard Gaube

Hunimalité
Commissariat : Camille Debrabant

Exposition du 27 janvier au 23 mars 2024
Vernissage 27 janvier 2024 • 17h-21h
→ du mercredi au samedi, 14h-19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Ici, le mot compagnonnage prend tout son sens. L’ahah retrouvera, en janvier prochain, le peintre belge Bernard Gaube pour une seconde exposition personnelle, cité Griset, dont le commissariat sera confié à Camille Debrabant, connue pour avoir récemment travaillé sur les rapports qu’entretiennent pratiques picturales et pratiques numériques.

Hunimalité pose la question de l’hybridation : images et récits ; figures animales et humaines ; histoires et mémoires ; mythologies personnelles et desseins collectifs ; identités et altérités, de toutes natures et de toutes manières. Il y sera fait l’éloge d’une peinture impure, une peinture qui, au contraire de révéler ou dévoiler une quelconque vérité, superpose les voiles, trouble le regard, contrarie l’évidence ; une peinture qui cultive l’équivoque, sur le fond autant que sur la forme, juxtaposant les figures, superposant les plans ; un art des stratifications et des ramifications, qui puise à de nombreuses origines. L’acte de peindre devient ici un acte de résistance. C’est une célébration de la complexité qui travaille contre les simplifications de toutes sortes. Ce faisant, dans le contexte actuel, la peinture de Bernard Gaube prend une dimension politique particulière. Au travers de la sélection d’œuvres réalisées au cours des dix dernières années se forme un corps provisoire à déployer et à articuler dans l’espace, traversé de questionnements. Deux questions – parmi d’autres - : Les animaux sont-ils dotés de la parole ? Comment dévisager une peinture ?

Pour télécharger le dossier de presse, cliquez ici.

→ Né en 1952 à Kisantu, en République démocratique du Congo, Bernard Gaube vit et travaille à Bruxelles. Son travail a été exposé de nombreuses fois dans des expositions personelles et collectives. Ses oeuvres figurent dans de nombreuses collections privées et publiques. En Belgique, au Musée d'Ixelles et de Thomas Neirynck, Musée des Beaux-Arts de Mons (BAM), en France, au FRAC Occitanie - Montpellier. Bernard Gaube a reçu le Prix Gustave Camus de l’Académie Royale des sciences, des lettres et des beaux-arts de Belgique pour l’ensemble de son oeuvre. Il a été représenté pendant plusieurs années par la galerie Rodolphe Janssen, Bruxelles. L’ahah l’accompagne depuis 2017.

→ Docteure en histoire de l’art, Camille Debrabant a d’abord collaboré aux publications du cabinet d’art graphique de l’École des beaux-arts de Paris (2005-2012), et enseigne aujourd’hui l’histoire et la théorie de l’art à l’École Nationale Supérieure d’Art et de Design de Nancy. Ses recherches actuelles, dédiées au renouvellement des pratiques picturales dans l’environnement numérique contemporain, ont donné lieu à un cycle d’expositions intitulé Peinture Obsolescence Déprogrammée au MASC des Sables d’Olonne (10.21-01.22) et au Musée de l’Hospice Saint-Roch d’Issoudun (02.22-05.22).

• Photo : Bernard Gaube, Côte à côte : Hunimalité (détail), 2017. Copyright : Bernard Gaube

Anne Deguelle

L'Arctique fantôme

Exposition du 27 janvier au 17 février 2024
Vernissage 27 janvier • 17h-21h
→ L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

L’ahah est heureuse présenter cet hiver en L’ahah #Moret une série singulière de photographies dans l’œuvre de l’artiste Anne Deguelle. Il y a dix ans l’artiste entreprend un voyage à la recherche du blanc. Sa quête la conduit dans l'archipel arctique du Svalbard aux portes du Pôle Nord. Là, à la croisée des chemins et des mondes, hors de la temporalité diurne-nocturne, alors que le blanc se révèle teinté de bleu, se dresse une ville fantôme: Pyramiden.

Depuis son abandon en 1998, rien de la cité soviétique autonome, bâtie autour d'une concession minière en territoire norvégien, ne semble avoir été touché. Anne Deguelle recueille les bribes d’existence de ce huis-clos : photos collées au mur, des tasses sales, prospectus d’une programmation culturelle, plantes d’intérieur pétrifiées. L’instantané d’un basculement. Il ne s’agit pas, cependant, d’un reportage. Les cadrages sont curieusement décentrés, les volumes transformés en aplats, la lumière étale et poudrée se mêle au flou. L’artiste travaille l’archive, le journal et expose, là, un va et vient entre intime et universel. Anne Deguelle aime à interroger l’histoire, sa fabrication et par la même notre construction. En s’attardant sur des détails, l’artiste déplace le regard, et en suit l’évolution au fil des années. Les murs de #Moret transformés en tableaux d’indices, les notes photographiques formeront des cartes mentales changeantes tout au long de l’exposition car Anne Deguelle aime les énigmes. Une contemplation féconde. Les récits s’entremêlent ; les temporalités se télescopent. La mélancolie, la poésie qui s’en dégagent, nous ramènent au présent, les résonances étant que trop intenses pour mieux nous projeter, sidéré-e-s, dans un futur proche. Une vision glaçante.

Pour télécharger le dossier de presse, cliquez ici.

Née en 1943 à Paris, Anne Deguelle vit et travaille entre Paris et l’Occitanie.

Ses oeuvres font partie de nombreuses collections publiques en France et à l'étranger, entre autres : celles du Musée national d’art moderne – Bibliothèque Kandinsky, du FNAC, des FRAC Auvergne, Normandie, Occitanie, du Mobilier National, du Fonds Beinecke (Yale University) et du Weserburg Museum où un fonds Anne Deguelle a été créé. En 2023, l’installation Projection a rejoint les collections du MNAM — Centre Pompidou.

Son oeuvre a fait l'objet d'expositions monographiques, notamment au Weserburg Museum de Brême (DE), au Freud Museum London (GB), au FRAC Auvergne, au centre d’art de l’Abbaye de Maubuisson, au Printemps de Septembre de Toulouse, au centre d’art Edouard-Manet à Gennevilliers, à la galerie municipale Jean-Collet à Vitry, au Musée des Beaux-Arts d’Alençon, au Musée Calbet en Occitanie.

Ses oeuvres ont également été exposées dans des expositions collectives à l’étranger : au Musée Serralves de Porto, au Weserburg Museum de Brême, au Minsheng Museum de Shanghai, au Künstlerhaus Bethanien de Berlin, à la Biennale de Thessalonique et dans les centres de livres d’artistes de New York et San Francisco. En France, on a pu les voir au Centre Pompidou, au Musée des Abattoirs — FRAC Occitanie (Toulouse), au Studio national du Fresnoy, au MAC/VAL, au Musée Zadkine (Paris), au Centre d’art et du Paysage de Vassivière.

Elle exposera au Musée National du Tapis d’Azerbaïdjan en mars 2024. Elle est représentée par la Galerie Dix9 — Hélène Lacharmoise et par la Galerie Italienne, à Paris.

Avec le soutien de la région Occitanie Pyrénées-Méditerranée

• Photo : Anne Deguelle, ARCTIQUE Pyramiden (détail), 2014. copyright : Adagp, Paris, 2023.

Biennale de l'image tangible

Hélène Bellenger, Clara Chichin & Sabatina Leccia, Marie-Jeanne Hoffner, Michel Mazzoni

Exposition du 16 novembre au 02 décembre 2023
Vernissage 16 novembre 2023 • 18h-22h
→ L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

L’ahah est heureuse de collaborer avec La Biennale de L’image Tangible et de faire de l’espace #Moret du 16 novembre au 2 décembre 2023 un des lieux de déploiement de cette manifestation dédiée à la photographie plasticienne. L’exposition réunira quatre entités artistiques qui explorent pleinement les potentialités du médium photographique.

Hélène Bellenger montrera des œuvres émanant du projet Bianco Ordinario initié en 2021 et qui, à travers la production d’images de paysage imprimées sur des emballages, expose les liens ténus entre la surexploitation des carrières de marbre de Carrare, l’obsession du blanc et la consommation débridée ; le luxe, l’impermanence et l’économie circulaire.

Clara Chichin & Sabatina Leccia dévoileront quelques œuvres issues du projet en cours Le Bruissement des pêches centré sur site des murs à pêches, à Montreuil (Seine-Saint-Denis). Mêlant photographie et dessin contemporain, les artistes proposent une restitution personnelle, sensorielle et intime de cet îlot de nature et questionnent notre appréhension du monde naturel.

Marie-Jeanne Hoffner dont la pratique multiforme questionne notre expérience des lieux et nos représentations de l’espace, présentera un ensemble d’œuvres photographiques en résonance avec le volume de l’espace d’exposition et la surface du papier sensible. Aux espaces réels réponderont les représentations mentales de ces derniers (motifs, trames graphiques et grilles architecturales).

Michel Mazzoni présentera la série Little Things créée à partir de Rien. Des œuvres de cette série précédente sont re-agencées et associées à des éléments recyclées (gélatines couleurs, papier cinéfoil, pellicules usagées, pages de carnets…) afin d’obtenir un nouveau corpus d’ images composites et énigmatiques, posant par la même la question de ‘ce qui fait image’.

Pour télécharger le dossier de presse, cliquez ici.

Biennale de l'image tangible
Lors d’un mois d’expositions et d’événements situés dans l’Est et le centre de Paris, la Biennale de l’Image Tangible présente une sélection d’œuvres qui tendent à s’émanciper d’un usage classique du médium photographique.

Que ce soit à la recherche de nouveaux supports, de techniques hybrides ou d’un nouveau rapport à la réalité, cet événement tend à démontrer que la photographie ne cesse jamais d’inventer. En cela, la Biennale de l’Image Tangible accompagne l’émergence de nouveaux langages et de nouvelles pratiques liés à la photographie : une photographie qui bouscule les hypothèses du réel, une photographie qui change de nature, de forme et de postulat, et qui participe ainsi à un élargissement du champ de sa discipline. bit20.paris

Née en 1989, Hélène Bellenger vit et travaille à Marseille. Elle est diplômée de L’École Nationale Supérieure de la Photographie (Arles) en 2016. Depuis 2017, on travail a été présenté dans de nombreuses expositions collectives et personnelles, en France et à l’étranger, dont les plus récentes : Bianco Ordinaro, galerie Marguerite Milin (France) en juin 2023, Mirror of the Self, Hangar Photo Center (Belgique), GLOSS COMFORT, Suttie Art Space (Ecosse), Les couleurs du temps, Fondation pour la photographie de Tanger (Maroc), la Nuit Blanche (France) en 2022. Elle est lauréate de plusieurs prix (Prix Dior 2018, prix Polyptique du CPM 2022) et a bénéficié de plusieurs résidences.

Née en 1985, Clara Chichin est diplômée des Beaux-Arts de Paris en 2012 et d’une Maîtrise en Lettres, arts, pensée contemporaine en 2008. Elle a participé à plusieurs expositions collectives et personnelles - notamment Ses disparitions successives, Festival Planche(s) contact (Deauville) en 2019, à la Biennale photographique de Tianshui (Chine) en 2017, ou encore Hypernuit – il y avait deux soleils, Photo Saint-Germain (Paris) en 2016. Elle est lauréate de plusieurs prix et bourses et son travail est entré dans plusieurs collections (Neufllize OBC, la Bibliothèque Kandinsky, ...). Depuis 2012, elle fait partie du studio Hans Luca, cooptée par Lucie Pastureau. Elle est actuellement en résidence à La Capsule93 avec Sabatina Leccia.

Née en 1984, Sabatina Leccia a étudié l’histoire et l’archéologie à Paris I Panthéon-Sorbonne puis le Master Textile Futures à la Central Saint Martins School de Londres. Entre art et artisanat, elle a exposé en France et à l’étranger : dernièrement à la Galerie Virginie Lesage, Paris (2023), à l’Espace Braque ou encore à The Fibery Gallery, Paris (2021). Elle a bénéficié de plusieurs résidences, au TYPA Center (Tartu, Estonie) en 2015 et actuellement à La Capsule93, en duo avec Clara Chichin. Elle est lauréate du prix du EDF Sustainable Design Challenge en 2011 et du prix Transverse en 2022 avec Clara Chichin.

Née en 1974 à Paris, Marie-Jeanne Hoffner vit et travaille entre Paris et Châteauroux. Elle est diplômée de l’École Régionale des Beaux-Arts de Nantes en 1999. Son travail est présenté dans de nombreux lieux, en France et à l’étranger : récemment, à l'espace Belgrano de Buenos Aires (2022), à la Kunstwerke Carlshütte, DE (2019), à la Graineterie, centre d’art de Houilles (2015), à l’ICAN, Sydney, AU (2014), ou au FRAC Alsace (2013). Depuis le début des années 2000, elle a bénéficié de nombreuses résidences. Son travail est également dans plusieurs collections publiques et privées : FRAC Alsace, FMAC Paris, fonds municipaux des villes de Nantes. Elle a reçu en 2021 la bourse pour femme artiste et architecte du FRAC Centre.

Né en 1966 en France, Michel Mazzoni, vit et travaille à Bruxelles depuis 2007. Ses travaux ont été exposés dans de nombreuses expositions, personnelles et collectives : au Liicht Art Center, dudelange, LU (2023) ; à L’Orangerie, Bastogne, BE (2022) ; au FRAC Auvergne, CNAP Paris et Musée d’Aurillac (2022) ; à L’art dans les chapelles (2020). Il est lauréat du prix européen de la photographie. Ses oeuvres sont entrées dans plusieurs collections publiques et privées, comme l’Artothèque de la ville de Lyon ou la collection du FRAC PACA. Son travail à fait l’objet de plusieurs éditions, notamment avec ME.R&L, avec les éditions Énigmatiques à Paris.

• Photo : Marie-Jeanne Hoffner, TRAMES, 2020

Projection de films d'artistes autour de l'exposition Chambre à brouillard au 100 ECS

Le mardi 21 novembre • 20h
Au 100 ECS
100 rue de Charenton 75012 Paris

Dans le cadre de l’exposition Chambre à brouillard, une soirée de projection de trois films d’artistes en partenariat avec l’association SensoProjekt est organisée au 100 ECS.

A l’issue de la projection, une discussion modérée par Alyssa Verbizh réunira les artistes Hugo Deverchère et Momoko Seto.

Programme de la soirée :

• Cosmorama d’Hugo Deverchère, 21 min, 2017, France, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains. Avec le soutien de Neuflize OBC
Cosmorama explore une strate imperceptible du réel. Imaginé comme un voyage mêlant le proche et le lointain, l’horizon terrestre et le cosmos, le film permet d'accéder à une perception renouvelée et jusque là inconnue du monde - à la fois semblable et inédite - en explorant un espace infime entre le visible et l'invisible, le connu et l’inconnu.

• Planet A de Momoko Seto, 8 min, 2008, France, production Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains
Le monde est devenu une planète desséchée, où la culture du coton exercée à outrance pour des raisons économiques est la cause principale de la désertification. Ce phénomène fait écho à une plus grande catastrophe écologique, la désertification de la mer d’Aral.

• La Réponse de la Terre, de Giulia Grossmann, 20 min, 2020, France/Suisse, avec Tim Blake, Production CERN Digital Memory et G. Grossmann
Errance scientifique et psychédélique, La Réponse de la terre est une réflexion sur le sens des images, leur nature et pérennité. Nous suivons le fil des pensées d'un homme qui pourrait être tout autant astrophysicien, archiviste du CERN ou musicien. Dans son voyage graphique, mental et sensoriel, le narrateur nous mène dans une réflexion sur l'infiniment grand et l'infiniment petit, la mémoire et les machines, l’entropie et les mondes en formation…

Né en 1988 à Lyon, Hugo Deverchère est diplômé de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris et du Fresnoy - Studio national des arts contemporains. Son travail a récemment été présenté au Palais de Tokyo (Paris), au FRAC Grand Large (Dunkerque), au Pearl Art Museum (Shanghai), au MACRO - Musée d'art contemporain de Rome, et dans de nombreux festivals comme l’International Film Festival Rotterdam, CPH:DOX (Copenhague), Ars Electronica (Linz) et le FNC - Festival du Nouveau Cinéma de Montréal.

Giulia Grossmann est née en 1984 à Paris. Elle étudie à l’École Nationale d'Expression Plastique de Paris-Cergy et se forme ensuite à l'anthropologie à l'université Paris Nanterre. Chacun de ses films questionnent notre manière d'habiter la Terre et s'inscrivent dans une démarche de collaboration scientifique. Elle a récemment reçu le prix à la qualité du CNC pour ses deux derniers films "Pasaia" et "La réponse de la Terre" et a été finaliste pour le prix de l'œuvre expérimentale de la SCAM. En 2021 elle est lauréate de la résidence Agnes B Tara Océan.

Momoko Seto est née en 1980 à Tokyo, au Japon. Elle a étudié à l'École supérieure des beaux-arts de Marseille, puis au Fresnoy - Studio national des Arts Contemporains. Parallèlement à son travail en tant que réalisatrice de film au CNRS, elle réalise des films expérimentaux, des court-métrage et documentaires qui ont été présentés et récompensés dans plusieurs festivals internationaux (Berlinale, Locarno et International Film Festival of Rotterdam).

En partenariat avec l’association SensoProjekt

Conférence • Emilie Habart • L'histoire passionnante du James Webb Space Telescope

Conférence le 30 novembre 2023 • 19h
→ L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Rejoignez-nous le 30 novembre prochain à 19h pour une expérience privilégiée aux confins de l'univers avec Emilie Habart, astrophysicienne. Elle reviendra sur l'histoire passionnante du James Webb Space Telescope (JWST). Cette mission-phare des années 2020-2040 a propulsé la recherche en astrophysique vers de nouveaux horizons.

Une conférence inédite au coeur de l'exposition "Chambre à brouillard" pensée par Olivier Dadoun qui réunit six artistes plasticien·ne·s (Juliette Agnel, Clément Bagot, Nicolas Darrot, Youcef Korichi, Alyssa Verbizh et Anne-Charlotte Yver) autour d'un détecteur de particule : la chambre à brouillard.

Au cours de cette conférence, plongez avec le JWST dans notre galaxie et au-delà, remontez le temps pour explorer les origines des systèmes planétaires. Découvrez comment les étoiles et les planètes naissent au sein de l'immensité interstellaire quasi-vide de notre galaxie. Ce sera aussi l'occasion d'étudier de près les mystérieuses nébuleuses interstellaires, façonnées par la magie de la lumière visible et invisible.

Ne manquez pas cette occasion unique d'explorer l'univers en compagnie d'une experte passionnée.
Pour en savoir plus sur l'IAS, visitez leur site web

Emilie Habart, née le 3 avril 1975, est une astrophysicienne de l'Institut d'Astrophysique Spatiale (IAS). Elle est également maître de conférences à l'Université Paris-Saclay et dirige l'équipe d'Astrophysique de la Matière Interstellaire de l'IAS. Elle a à son actif plus de 70 publications et plus de 2200 citations à son nom et a collaboré aux plus grands télescopes spatiaux et terrestres, notamment ISO, Spitzer, Herschel, JWST, VLT, VLTI.

Visuel de l'événement : ESA/Webb, NASA, CSA, M. Zamani (ESA/Webb), the PDRs4All ERS Team

Conférence • Olivier Beyssac • Voyage sur Mars avec le robot Perseverance

Conférence le 25 novembre 2023 • 16h
→ L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Rejoignez-nous le 25 novembre prochain à 16h pour une conférence 100% martienne en compagnie d'Olivier Beyssac !

Cette conférence présentera l'état de l'art de l'exploration Martienne. Quelles sont les grandes questions auxquelles les scientifiques tentent de répondre et quelles approches sont utilisées pour y répondre ? A partir d'observations réalisées par les robots explorant la surface de Mars mais aussi depuis les satellites en orbite autour de cette planète, un portrait géologique et environnemental de la planète rouge sera brossé et discuté.

Olivier Beyssac est directeur de recherche au CNRS spécialisé en minéralogie et en géologie à l'Institut de Minéralogie, de Physique des Matériaux et de Cosmochimie à Sorbonne Université et au Museum National d'Histoire Naturelle.
Ses recherches portent actuellement sur la planète Mars grâce à l'instrument SuperCam à bord du robot NASA Perseverance qui explore le cratère de Jezero depuis bientôt trois ans. Il travaille aussi sur la pétrologie des météorites martiennes qui sont actuellement nos seuls échantillons provenant de la planète rouge et disponibles dans nos laboratoires.

Visuel : Le rover martien Persévérance de la NASA a capturé cette image de "Bettys Rock" à l'aide de l'une des caméras de navigation du rover le 20 juin 2022, le 474e jour martien, ou sol, de la mission. Crédits : NASA JPL

Juliette Agnel, Clément Bagot, Nicolas Darrot, Youcef Korichi, Alyssa Verbizh, Anne-Charlotte Yver

Chambre à brouillard
Commissariat : Olivier Dadoun

Exposition du 20 octobre au 16 décembre 2023
Vernissage : vendredi 20 octobre 2023 • 17h-21h
Lancement du catalogue le samedi 16 décembre

du mercredi au samedi, de 14h à 19h
→ L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

L'ahah est heureuse d'accueillir dans son espace dit #Griset, à l'automne prochain, Chambre à brouillard, une exposition collective à la croisée de l’art et des sciences, proposée par Olivier Dadoun, physicien/informaticien au Laboratoire de Physique Nucléaire et de Hautes Énergies – LPNHE (CNRS-IN2P3/Sorbonne Université/Université de Paris).

À son invitation, six artistes plasticien·ne·s, Juliette Agnel, Clément Bagot, Nicolas Darrot, Youcef Korichi, Alyssa Verbizh et Anne-Charlotte Yver conçoivent des œuvres en résonance avec un détecteur de particules qui a joué un rôle majeur dans l'histoire de la physique : la chambre à brouillard.

Quittant exceptionnellement son laboratoire, cette dernière révèle au coeur du white cube de Griset, pour l’oeil nu, le passage de ces particules élémentaires, nées parfois d’événements astrophysiques lointains et qui nous transpercent. À la puissance poétique de ces traces translucides et évanescentes, répondent sculptures, dessins, peintures, films et photographies inédits sondant le monde et nos manières de l’appréhender. De cette collision entre art et sciences, l’invisible se dévoile et notre perception, notre rapport au temps et à l’espace s’en trouvent bouleversés.

Autrice, metteuse en scène et créatrice de la série des Nuits de la philosophie, Mériam Korichifait résonner ces visualisations de la matière dans un texte accompagnant l’exposition (ici)

L’exposition sera rythmée d’événements transdisciplinaires, conviant entre autres l’astrophysique et la minéralogie.
Un catalogue codirigé par Olivier Dadoun et Mériam Korichi prolongera les échanges émanant de ces rencontres.

Pour télécharger le dossier de presse, cliquez ici.

→ Olivier Dadoun est physicien/informaticien au Laboratoire de Physique Nucléaire et de Hautes Énergies (CNRS-IN2P3/Sorbonne Université/Université de Paris).
En 2003, il présente sa thèse de Doctorat en physique des particules sur la mesure des neutrinos de réacteurs nucléaires dans l’expérience Borexino (Laboratori Nazionali del Gran Sasso LNGS-INFN, Italie). Il participe aux expériences de détection de matière noire DarkSide et Xenon au Laboratoire du Gran Sasso.
Depuis 2014, il collabore régulièrement avec l’artiste Nicolas Darrot. Les oeuvres qu’ils ont conçues ensemble ont été notamment présentées à la Maison rouge - Fondation Antoine de Galbert (2016), au Voyage à Nantes (2017) ou encore pendant les Nuits de la Philosophie (2018, 2019 et 2021).
Olivier Dadoun a également collaboré avec Enrico Bertelli et Vincent Dulom, artistes de L'ahah, conjuguant astrophysique et arts visuels lors d'une conversation publique, «Évanescences» à L'ahah #Griset, en 2022.

→ Mériam Korichi est la créatrice de la série des Nuits de la philosophie, événements nocturnes rassemblant artistes et philosophes qui se déroulent depuis 2010 dans de nombreuses villes du monde et qui attirent des milliers de personnes. Agrégée et docteure de philosophie, elle est programmatrice, metteuse en scène et autrice. Elle a notamment montré son travail à la Frick Collection (New York), à Kiasma Contemporary Art Museum (Helsinki), au Teatro Vichama et au Centro cultural PUCP (Lima), à l’UNESCO (Paris), aux Beaux-Arts (Paris), au MUCEM (Marseille), au Théâtre du Rond-Point (Paris). Elle a travaillé à la Comédie-Française, à l’Opéra Comique, aux Bouffes du Nord. Elle écrit régulièrement sur le travail d’artistes contemporains. Elle a publié des travaux consacrés à Spinoza, à Andy Warhol, à Shakespeare, à Albert Camus, à Charles Baudelaire, à l’esthétique et à l’éthique contemporaines. Son prochain livre, Spinoza Code, sera publié par Grasset. Elle travaille aux frontières entre ses différents domaines d’activité, et considère notamment la performance comme un des meilleurs vecteurs de communication et d’innovation culturelle et artistique.

→ Née en 1973, Juliette Agnel vit et travaille à Paris. Elle a fait des études d’arts plastiques et d’ethno-esthétique (Paris 1), puis les Beaux-Arts de Paris (félicitée en 1999).
Expositions récentes : La Main de l'enfant (Les Rencontres d’Arles, 2023), Les Nuits (Centre d’art Campredon, l’Île-sur-la-Sorgue, 2022), Taharqa et la nuit (Festival du Regard, Cergy-Pontoise, 2022), Monolithes (Galerie Clémentine de la Féronnière, Paris, 2022), entre autres.
Son travail a fait l'objet de plusieurs publications, dont : Silex (Léa Bismuth, éd. Maison CF, 2022), Aux étoiles le poids de la terre (éd. Contrejour, 2021), L’institut de la paléontologie humaine (éd. du Centre des Monuments Nationaux, 2021), L’invisible (éd. Isabelle Sauvage, 2020) et 50 ans de photographie française de 1970 à nos jours (Michel Poivert, éd. Textuel, 2019).
Lauréate du prix Niépce 2023, Juliette Agnel est représentée par la Galerie Clémentine de la Féronnière à Paris et la Galerie Nicholas Metivier à Toronto.

→ Clément Bagot vit et travaille à Montreuil. Diplômé de l’École d’Arts Appliqués Studio Berçot, Paris, il pratique aussi bien le dessin que la sculpture et l'installation.
Bagot a pris part à des expositions collectives en France et à l'étranger, dont les plus récentes : Le dessin collectionné, 11 lauréats du Prix Drawing Now (2023, Drawing House, Paris), Bons Baisers de Pékin - Yishu8, histoire d’une résidence d’artistes (2023, Musée Guimet - Hôtel d’Heidelbach, Paris), Double Jeu, vingt ans de création dans les collections (2022, MASC - Abbaye de Sainte Croix, Les Sables d’Olonne), et Traverser la Nuit, oeuvres de la Collection Antoine de Galbert (2022, MAAT Museum, Lisbonne, Portugal).
Il a également bénéficié d'expositions personnelles en France, notamment Itinéraire composite à la Manufacture Design - Saguez and Partners (Saint-Ouen) en 2023 et Temps suspendus à Rue intérieure de Coeur de Ville (Vincennes) en 2021.

→ Nicolas Darrot est né en 1972 au Havre. Il est diplômé de l'École des Beaux-Arts de Paris et de l'École d'Architecture de Grenoble.
Il se consacre d'abord à la réalisation d'automates humains et animaliers, qu'il insère dans des dispositifs narratifs, avant d'ouvrir ce travail vers une réflexion plus large s'inspirant des dimensions à la fois poétique et systémique du vivant. Il est invité à l'édition 2017 du Voyage à Nantes, après Règne analogue, une exposition consacrée à son travail et présentée en 2016 à la Maison Rouge, à Paris. Il participe ensuite en 2018 à la Triennale Echigo-Tsumari au Japon, après Artistes et Robots au Grand Palais, et L'invention de Morel à la Maison de l'Amérique Latine. En 2022, il prend part à la Setouchi Triennale au Japon, ainsi qu'aux Portes du possible au Centre Pompidou-Metz, et à l'exposition Les Choses au Musée du Louvre.
Nicolas Darrot est représenté par la Galerie C, Paris-Neuchâtel.

→ Youcef Korichi est né en 1974 à Constantine, en Algérie. Il vit et travaille à Paris, Son travail est régulièrement exposé dans des expositions personnelles et collectives (Immortelle, au M.O.CO, Figurations, un art d’aujourd’hui, à la Villa Caillebotte). Ses oeuvres font partie de nombreuses collections privées et publiques, parmi lesquelles le CNAP, la Fondation Francès, le centre d’art contemporain d’Auberives et la Fondation Salomon.
Youcef Korichi est animé par le rejet de la facilité et de tout ce qui s’apparenterait à une zone de confort en peinture. La dimension photoréaliste de son travail ne doit pas détourner le spectateur du sujet, au contraire : Korichi offre une alternative au culte de l’image instantanée dans lequel nous vivons. Pour lui, la prise de vue réelle est le point de départ d’un long voyage qui élargit le champ de la conscience. L’artiste, un pur peintre, nous invite à regarder au-delà des apparences et des lieux communs.

→ Alyssa Verbizh est une cinéaste franco-autrichienne. Elle vit et travaille à Paris.
Elle est l’auteure de nombreux portraits d’artistes tels que Mona Hatoum, Tatiana Trouvé, Thomas Hirschhorn, Hervé Di Rosa tant pour la télévision que dans le cadre de collaborations avec le Centre Pompidou, le Musée d’art moderne de la Ville de Paris, le MAC/VAL, la Maison rouge ou la Fondation Louis Vuitton.
Ses films ont fait l’objet de présentations dans des festivals en France et dans le monde (Arte Cinema Napoli, Festival International du Film sur l’art de Montréal, Rencontres Internationales Paris-Berlin...).
Elle est aussi auteure de livres jeunesse édités à l’École des Loisirs.

→ Anne-Charlotte Yver vit et travaille à Ris-Orangis. Diplômée de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2011, elle obtient une bourse de résidence de la Fondation d’Entreprise Hermès en 2013 et participe à Nouvelles Vagues au Palais de Tokyo.
Elle a bénéficié d’importantes expositions personnelles et collectives, notamment au 59ème Salon de Montrouge (2014), au CAC La Traverse, Alfortville (2015), au Pavillon Vendôme (2016), au Castello di Lajone, Italie (2017), aux Tanneries, Amilly (2020), aux Magasins Généraux de Pantin (2022). Elle a exposé à plusieurs reprises à Tokyo, au Japon, avec Reciprocal Reliance et Scaipark en 2019, et le duo-show Material Differentiation en 2022. En 2021, elle bénéficie d'une résidence à la Compagnie Vinicole de Bourgogne à Chagny.
Anne-Charlotte Yver est soutenue par L’ahah depuis 2017. En 2018, son exposition personnelle 3296 à L’ahah clôt une année de résidence dans les locaux de l’association.
En 2022, elle a inauguré un nouveau cycle d’expositions carte-blanches proposé par L’ahah, en invitant l’artiste Naoki Miyasaka à prendre possession de L’ahah #Moret.

→ Inventée au début du XXème siècle, la chambre à brouillard est initialement un outil de recherche, qui a permis de bâtir tout un pan de la physique des particules avec la découverte, entre autres, de l’antimatière
Le principe de fonctionnement d’une chambre à brouillard est relativement simple. Cet appareil se présente comme une grande cuve étanche d’un mètre cube environ, emplie d’une vapeur d'alcool sursaturée et dont le fond est porté à une température extrême de -30°. Au passage d’une particule, des traces translucides constituées de milliers de gouttelettes d'alcool liquide, se matérialisent dans la machine, comme des nuages en suspension dans un ciel très pur. En fonction de la forme, de l’épaisseur et du temps d’évanescence de la trace, on peut identifier le type de particule détectée. Certaines d’entre elles sont issues d’événements astrophysiques très lointains. Autrement dit, la machine donne à voir la trace d’événements parfois très anciens mais qui ne sont détectables sur Terre qu’aujourd’hui en raison de la distance qui nous en sépare.

• Photo : Nicolas Darrot, Sagittarius A (détail), 2023, tranche d’agate, encre de Chine sur papier, boucle vidéo, 32x24cm. Photo : © Nicolas Darrot / Courtesy Galerie C

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  Avec le soutien le soutien de L’Institut national de physique nucléaire et de physique des particules (IN2P3) Centre national de la recherche scientifique (CNRS) et du Laboratoire de physique nucléaire et de hautes énergies (LPNHE).

  

  

L’APA fête ses trois ans à L’ahah !

Soirée de restitutions et d’échanges
Le 28 septembre 2023
De 18h à 22h
L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Avec les étudiants et les enseignants de l’APA, dont le comité pédagogique : Manon Anne, Jérôme Boutterin, Charlotte Charbonnel, Christophe Cuzin, Elisabeth Lemercier, Eric Maillet, Bruno Tanant, Claire Trapenard - et Valentina Traïanova, artiste invitée.

L’ahah et La Maréchalerie invitent l’APA pour ses 3 années de pédagogie transdisciplinaire : Art / Paysage / Architecture !

Au programme... FILMS : 15 films produits par les élèves projetés en continu - DOCUMENTS : archives de l’APA, conception et contenus pédagogiques - TRIBUNE : prises de parole des enseignants, des élèves, du public - REVUES : trois éditions conçues par les étudiants depuis 2020 - PHOTOS SOUVENIRS : diaporama des moments forts de ces trois années.

La soirée de débats est présentée dans les locaux de L’ahah, hôte et partenaire du projet. Elle donne lieu à un temps d’échanges et à la présentation des publications et films produits durant les 3 années de l’APA. L’accrochage est conçu et réalisé par les étudiants de l’APA 2023-24.

Le MANÈGE1.3 s’inscrit dans un cycle de débats Manèges porté par La Maréchalerie en 2023-24, consacré à la Transdisciplinarité comme enjeux essentiels d’une pédagogie par le projet et de pratiques artistiques conçues en contexte.

→ L’APA manifeste la rencontre des trois écoles initiatrices l’École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy, l’École nationale supérieure de paysage de Versailles et l’École nationale supérieure d’architecture de Versailles ; elle envisage une autre façon d’aborder les études au sein de chacune d’entre elles en construisant une nouvelle forme d’enseignement ouvert dans ces écoles de création.
L’essence du projet APA est de provoquer et d’inventer des situations pédagogiques là où l’art, le paysage et l’architecture sont en synergie pour fabriquer des moments de confluence où ces champs peuvent se déployer. Elle est aussi de produire un nouveau mode pédagogique avec une autonomie accrue des étudiants et une imbrication des savoirs et connaissances aux réalisations et expérimentations en cours.
→ Site de l’APA

→ Valentina Traïanova est artiste, performeuse et chanteuse. Née
à Sofia (Bulgarie), elle vit à Paris. Elle a créé le duo Lubovda avec l’écrivain Antoine Dufeu. Dans une pratique jubilatoire où se croisent performance, dessin, chant, écriture, danse, pièces sonores, sa voix est matière à sculpter. Menant une réflexion sur le déplacement d’un champ de l’art à l’autre, elle a inventé la figure de la cantatrice-patineuse. En août 2023, elle a été en résidence à Venise à la Emily Harvey Foundation.
→ Site de Valentina Traïanova

→ Centre d’art contemporain de l’ÉNSA Versailles, La Maréchalerie participe à la dimension expérimentale et prospective de l’établissement d’enseignement supérieur et offre au public extérieur à l’école une sensibilisation aux enjeux de la création artistique contemporaine par une proximité avec l’œuvre.
Chaque année, trois artistes sont successivement invités à engager une réflexion personnelle sur le contexte territorial et spatial du centre d’art contemporain. La recherche conçue par l’artiste donne lieu à une exposition monographique produite in situ, une édition conçue comme document d’artiste, et un programme d’actions pédagogiques et de médiation, - visites, ateliers et rencontres -, qui encourage un débat ouvert entre les artistes, les acteurs de l’école et les visiteurs désireux de se familiariser aux arts visuels.
→ Site de La Maréchalerie

«Caresser l’histoire»

Jade Tang

Projet de recherche en cours depuis septembre 2020.
L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris
L’ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

Jade Tang, Carpothèque, 2020. Photo © Jade Tang

« Caresser l’histoire » est un projet de recherche mené par l’artiste Jade Tang, lauréate 2020 du Fonds Régional pour les talents émergents (FoRTE), financé par la Région Ile-de-France et réalisé en partenariat avec L’ahah.

Ce projet de recherche s’intéresse aux chantiers d’aménagements urbains et notamment aux fouilles d’archéologie préventive qui s’y déroulent. Il met au jour les strates d’histoire et les actant.e.s qui les dévoilent.

L’association accompagne le développement de ce projet, et en assure la visibilité à travers des temps de recherches et de restitutions, professionnels et/ou publics, dont les formes et formats varient (films, ateliers, rencontres, conférences, tables rondes, journée d’étude, exposition, etc.)

Jade Tang (http://www.jadetang.fr) évolue dans un éco-système d’idées et de formes entre enquêtes de terrain et productions plastiques, souvent matérialisées par la sculpture. Son intérêt pour les environnements mouvants et les matières en renouvellement l’ont amenée à travailler sur les chantiers ces dernières années. Pour toujours s’adapter aux sujets investis et aux disciplines convoquées, son travail trouve ses moyens d’expressions aussi bien dans des expositions (FRAC, artist-run-space, galerie, ou musée) que dans des publications (Talweg de Pétrole Éditions, Images Re-vues de l’EHESS et du CNRS-INHA, Revue Possible, Leroy Merlin Sources) ou encore sous forme de performance (Théâtre des Amandiers, Nanterre) tout en créant des outils dédiés à la réflexion comme le site (http://www.saisirlechantier.com).

« [Re]production, penser la maternité dans l’art contemporain »

Émilie McDermott et Nour Awada

Projet de recherche en cours depuis septembre 2020
L’ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
L’ahah #Moret, 24-26 rue Moret 75011 Paris

La fille d’Emilie McDermott à 20 mois lors d’une visite au Palais de Tokyo, 2017. Photo © Emilie McDermott

[Re]production, penser la maternité dans l'art contemporain est un projet de recherche initié et mené par les artistes Emilie McDermott et Nour Awada. Toutes deux artistes et mères, elles ont d'abord interrogé ensemble le triangle maternité/création/carrière, avant de décider d'ouvrir la recherche à de nouveaux témoignages.

De quelle manière les artistes femmes intègrent-elles la maternité à leur carrière artistique ? Quelle place le monde de l'art, en tant que système social et économique, donne-t-il à la maternité ?

[Re]production a pour ambition d'ouvrir un espace de recherche et de parole par le biais de rencontres collaboratives, tables rondes ouvertes au public, workshops de création et restitutions performatives. Un questionnaire en ligne, destiné aux artistes femmes et mères, cherche à lancer le débat : "Quelle place le monde de l'art, en tant que système social et économique, donne-t-il à la maternité ?" (→ participer au questionnaire ici). #StayTuned
Enfin, une plateforme numérique qui regroupera des interviews et témoignages sera créée fin 2023.

L’ahah a le grand plaisir de les recevoir ce printemps 2023 dans le cadre d’un nouveau partenariat, pour une soirée rencontres et conversation, autour notamment de la notion de "pause" dans la pratique artistique (→ en savoir plus)

Née en 1985 à Beyrouth, Nour Awada vit et travaille à Paris (FR).
Diplômée de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2012, elle fonde le LAP en 2018 - Laboratoire des Arts de la Performance. Ses œuvres ont été présentées, entre autres, au Centre Pompidou, au Centre d’Art Tignous de Montreuil, à la Fondation François Schneider, la Fondation Francès, le Credac, le Palais de Tokyo, la Fondation Lafayette Anticipations, l’Institut Français de Milan et La Triennale Internationale d’Istanbul.
"D’origine franco-libanaise, j’ai grandi dans un pays dévasté par la guerre, et pétri de rituels collectifs, de cérémonies et de cultes populaires d’agrégation ou de commémoration. Il m’a fallu des années pour saisir l’impact de cet héritage dans mon travail. Et pourtant, la question du corps agissant, du corps militant, du corps sanctuaire et l’immensité du champ narratif qui l’accompagne sont – depuis toujours – au cœur de ma pratique."

Emilie McDermott est une artiste franco-américaine diplômée des Beaux Arts de Paris-Cergy en 2013.
Elle s’est formée à la danse à la Washington School of Ballet et son parcours protéiforme l’a amené par la suite à travailler dans le domaine du design. Pratiquant la performance, la vidéo et l’installation, elle a pu montrer son travail lors de festivals et expositions collectives, tels qu’au Palais de Tokyo, au festival Traverse Vidéo à Toulouse, au festival l’Oeil d'Oodaaq à Rennes, au FRAC Franche Comté ou encore au festival UrbanApa à Helsinki, où elle a vécu et travaillé de 2013 à 2015. Elle est par ailleurs professeur d’enseignement artistique à l’Institut Supérieur des Beaux Arts de Besançon. Son travail récent s’articule autour de l’odorat et ses relations entre notre mémoire individuelle et collective. Aussi, elle a reçu le soutien et une bourse à la création de la DRAC Bourgogne Franche Comté en 2020, pour Homing, un projet d’installation olfactive en cours de production.

Belleville Night

Jeudi 22 juin 2023 • 18h-21h
SIMILI à L'ahah #Griset • Nocturne en présence des artistes Jean-françois Leroy, Jacques Julien et France Valliccioni
Le jour où le monde à L'ahah #Moret • Nocturne de l'exposition personnelle de Jonathan Pornin

→ Plus d'informations sur SIMILI
→ Plus d'informations sur Le jour où le monde

Vue de l'exposition SIMILI © Photo : Marc Domage / L'ahah, Paris

Vue de l'exposition Le jour où le monde © Photo : Marc Domage / L'ahah, Paris

COMBO

Samedi 13 mai 2023 • 15h-19h
L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris
Lancement de pièces à quatre mains de Jean-françois Leroy et Romain Métivier, au cœur de l’exposition SIMILI
En présence des artistes
Entrée libre et gratuite

© Jean-françois Leroy

Les artistes Jean-françois Leroy et Romain Métivier s’associent pour concevoir des œuvres qui entremêleront leurs pratiques et leurs préoccupations communes. De passation en transmission, de rebonds en rejeux, ces œuvres singulières viendront se glisser, le temps d’une soirée exceptionnelle, dans l’exposition en cours SIMILI.

SIMILI, exposition collective avec Jean-françois Leroy, France Valliccioni, Jacques Julien, du 22 avril au 24 juin 2023
→ Plus d’infos sur l’exposition

→ Né en 1983, Romain Métivier vit et travaille à Ivry-sur-Seine. Dîplomé de l’université Paris 8 et de l’Ecole Nationale Supérieure d’Arts de Paris – Cergy, Romain Métivier a participé, entre autres, àla Biennale de la jeune création (La Graineterie, Houilles, 2014) et à Jeune Création (Galerie Thaddaeus Ropac, Pantin, 2016). Il a notamment présenté son travail à l’Espace d’art Camille Lambert (Juvisy, 2016), à la Galerie Duchamp (Yvetot, 2018) et à L’art dans les chapelles (Castennec, 2022).
→ Site

→ Né en 1982 à Dunkerque, Jean-françois Leroy vit et travaille à Plouhinec en Bretagne.
Diplômé en 2007 de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, il a, en 2019, soutenu sa thèse de doctorat au sein du programme PSL-SACRE. Il a bénéficié d’importantes expositions personnelles : en 2014 à la Galerie Municipale Jean Collet de Vitry-sur-Seine, en 2015 au Centre d’art contemporain Camille Lambert de Juvisy-sur-Orge, en 2018 à Sessions, Marseille, en 2019 aux Instants Chavirés, Montreuil, ainsi qu’en 2020 à la galerie de la SCEP, Marseille. Il a également pris part en 2009 au 54e Salon de Montrouge, en 2011 aux Modules hors les murs du Palais de Tokyo et en 2012 à L’art dans les chapelles. Ses œuvres sont intégrées aux collections du Fonds national d’art contemporain, du FRAC Grand Large — Hauts-de-France et de la ville de Vitry-sur-Seine.
Jean-françois Leroy est accompagné par L’ahah depuis 2018. Il y a bénéficié d’une exposition personnelle en 2019, Oh my mind, my body’s thinking. La même année, l’espace #Griset accueillait la restitution de sa thèse Tout vient d’un plan.

Jonathan Pornin

Le jour où le monde

Sur une proposition de Charlie Boisson

Vernissage • samedi 22 avril 2023 • 17h-21h
Exposition du samedi 22 avril au samedi 24 juin 2023
À L’ahah #Moret, du mercredi au samedi de 14h à 19h, et sur rendez-vous

Jonathan Pornin, Sans titre (SuSy 2), 2022, huile sur toile, 40x30cm. Photo © Objets pointus

L’ahah poursuit son cycle de cartes blanches aux artistes qu’elle accompagne. Ainsi, c’est au tour de Charlie Boisson, artiste de l’association depuis sa fondation, de s’en saisir pour y inviter l’artiste français Jonathan Pornin pour un solo-show à #Moret du 22 avril au 24 juin.

Des peintures de Jonathan Pornin émane une «belle étrangeté». L’exposition Le jour où le monde proposera un voyage à travers les différents déploiements de la pratique picturale de l’artiste. Des oeuvres majeures issues de séries plus anciennes y côtoieront d’autres, récentes et inédites.
Oscillant entre abstraction et figuration, les peintures de Jonathan Pornin se donnent tels de troublants paysages. Ces visions oniriques puisent leur source dans des souvenirs d’enfance, de vacances en Auvergne et de ces hautes terres traversées par des routes sinueuses, et portent en elles les questionnements de l’artiste. Au commencement, le recouvrement total de la surface, des aplats de couleurs primaires mais également des trames, des cercles et des lignes. Puis le surgissement de quelques indices de paysage. Enfin parfois, la stratification d’éléments empruntés à l’univers du textile, à la cartographie, à la géométrie ou encore à l’imagerie scientifique.
Que nous est-il donné à voir ? Nous hésitons, nous plissons les yeux, nous tentons de reconstruire ce que nous voyons, de décrypter les signes – est-ce un oeuf, une mandorle ou une calotte crânienne ? Mais l’ambiguïté entre forme et image, entre abstraction et figuration, demeure. Viennent à l’esprit les paysages fragmentés de Piet Mondrian des années 1910. Et si les peintures de Jonathan Pornin peuvent également évoquer le sublime de la peinture romantique germanique, nulle nature déchainée, nulle présence humaine ici.
Nous sommes seul·e·s face à des mondes inhabités où des étendues colorées façonnent le ciel et la terre, de part et d’autre d’une ligne d’horizon mouvante. Paysages idylliques inquiétants ou dystopies ravissantes ? De «belles catastrophes», comme les qualifie Jonathan Pornin.

Attentive au compagnonnage amical et artistique, L’ahah est heureuse et fière d’accueillir cette première exposition personnelle à Paris de Jonathan Pornin.

Pour mémoire
• Archive de Le jour où le monde, ave un texte de Karim Ghaddab (→ pdf)

Né en 1979, Jonathan Pornin vit et travaille à Karlsruhe en Allemagne. Diplômé de l’École des Beaux-Arts de Saint-Étienne en 2005, il participe à de nombreuses collectives qui l’amènent, entre autres, à la Maison d’Art Contemporain Chaillioux à Fresnes pour une «Carte blanche à Éric Suchère» en 2009 et au Centre Régional d’Art Contemporain à Montbéliard pour l’exposition Partis pris en 2012. En 2021, il bénéfice d’une exposition personnelle à la chapelle Saint-Tugdual à Quistinic
dans le cadre de L’art dans les chapelles. Son travail fait partie de la collection du FRAC Auvergne où il a participé à deux expositions collectives : Sous l’Amazone coule un fleuve (2013) et Reste l’air et le monde (2018).

Né en 1980, Charlie Boisson vit et travaille à Paris. Diplômé de l’École des Beaux-Arts de Saint-Étienne en 2005, Charlie Boisson participe à de nombreuses expositions collectives : aux Beaux-Arts de Nantes en 2013, au POCTB à Orléans, au Voltaire/Emerige Mécénat à Paris en 2021, au Musée des Beaux-Arts Roger-Quilliot à Clermont-Ferrand et à la galerie Pauline Perplexe en 2022. Il a également bénéficié de nombreuses expositions personnelles : à la chapelle du château des Rohan à Pontivy dans le cadre de L’art dans les chapelles, à l’Usine du May à Thiers ainsi qu’à La Serre de Saint-Étienne en 2021 et à ABW Warnant Architecte à Nevers en 2022. L’ahah accompagne Charlie Boisson depuis 2018. Une exposition personnelle, Au ciel, sous terre, par tous les trous, lui fut consacrée en 2019.
(→ site)

user@example.com## Jean-françois Leroy, France Valliccioni, Jacques Julien

SIMILI

Vernissage • samedi 22 avril 2023 • 17h-21h
Exposition du samedi 22 avril au samedi 24 juin 2023
À L’ahah #Griset, du mercredi au samedi de 14h à 19h, et sur rendez-vous

© Jean-françois Leroy

L’ahah poursuit son cycle de cartes blanches offertes aux artistes qu’elle accompagne. Elle confie ainsi les clefs de son espace dit #Griset à Jean-françois Leroy, qui y a précédemment bénéficié de deux solo-shows en 2019 (Tout vient d’un plan et Oh my mind, my body’s thinking). L’artiste y proposera cette fois-ci une exposition collective... très personnelle !

Très intéressé par les artist-run-spaces et la pédagogie en art, Jean-françois Leroy fait partie de ces (nombreux·euses) artistes qui aiment à provoquer rencontres et temps de dialogues plastiques avec ses consoeurs et confrères, celles et ceux qui nourrissent sa pratique, ses réflexions. Il est donc apparu essentiel à L’ahah de lui permettre de réaliser un nouveau projet d’exposition collective.

Agrégeant autour de ses toutes dernières oeuvres celles de France Valliccioni et de Jacques Julien, Jean-françois Leroy revisitera le white cube de la cité Griset qu’il connaît bien...

«Je suis très heureux que France Valliccioni et Jacques Julien aient accepté de m’accompagner — deux artistes avec qui j’ai toujours beaucoup de plaisir à réfléchir, à décortiquer la pratique — il était grand temps que nous nous retrouvions dans une exposition. À venir, donc : des assemblages, des fragments, des collages, des recouvrements, des formes recroquevillées, retroussées, des formes érigées ou bien des objets-tableaux ; du mou, du dur, du naturel, du synthétique, translucide ou opaque, ensemble à l’accrochage. SIMILI est la rencontre de trois artistes qui travaillent avec des morceaux de réel sans jamais présager du résultat ; en découlent des formes concises dénuées de bavardage.» — Jean-françois Leroy, mars 2023

L'artiste France Valliccioni propose, en écho avec leurs oeuvres, un texte en 3 parties dont la première est à venir découvrir dès maintenant à #Griset ! Lire le texte

Né en 1982 à Dunkerque, Jean-françois Leroy vit et travaille à Plouhinec en Bretagne. Diplômé en 2007 de l’École nationale supérieure des beaux-arts, il a, en 2019, soutenu sa thèse de doctorat au sein du programme PSL-SACRe.
Il a bénéficié d’importantes expositions personnelles en 2014 à la Galerie Municipale Jean Collet de Vitry-sur-Seine, en 2015 au Centre d’art contemporain Camille Lambert de Juvisy-sur-Orge, en 2018 à Sessions, Marseille, en 2019 aux Instants Chavirés, Montreuil, ainsi qu’en 2020 à la galerie de la SCEP, Marseille. Il a également pris part en 2009 au 54e Salon de Montrouge, en 2011 aux Modules hors les murs du Palais de Tokyo et en 2012 à L’art dans les chapelles.
Ses oeuvres sont intégrées aux collections du Fonds national d’art contemporain, du FRAC Grand Large – Hauts-de-France et de la ville de Vitry-sur-Seine.
Jean-françois Leroy est accompagné par L’ahah depuis 2017. Il y a bénéficié d’une exposition personnelle en 2019, Oh my mind, my body’s thinking. La même année, l’espace #Griset accueillait la restitution de sa thèse Tout vient d’un plan.

Jacques Julien est né en 1967 à Lons le Saunier, il vit et travaille entre Paris et Montdidier (80). Il a suivi des études à l’Ecole des Beaux-Arts de Nîmes et de Grenoble. Maître de Conférence à l’Ecole Nationale Supérieure d’Architecture de Paris la Villette, il est, en 2021, pensionnaire de l'Académie de France à Rome - Villa Médicis. Depuis les années 2000, son travail a fait l’objet d’expositions majeures au CRAC Occitanie, au FRAC Normandie ou encore au Domaine de Chamarande. Il a dernièrement bénéficié d’une exposition personnelle à la Galerie Paris-B à Paris, ainsi qu’au centre d’art Silicone à Bordeaux. Ses oeuvres sont par ailleurs dans de nombreuses collections publiques telle que le FNAC ou les FRAC Bretagne, Bourgogne et Pays-de-la-Loire. Jacques Julien est représenté par la Galerie Paris-B.
(→ Site)

France Valliccioni vit et travaille à Paris. Son travail de sculpture et d'installation intègre des matériaux et objets de récupération ainsi que les résidus de leur processus de fabrication et d'assemblage (Le vaisseau est ainsi conçu ; Le beau projet ; Arrachez les oeillets, détruisez leurs dindes, éclatez leurs bordures, faites-moi plaisir mon petit ; L'intégralité des conditions générales de vente,... ). Depuis 2013, son travail se concentre sur la réalisation de variables d’ajustement ; chaque variable pouvant être réutilisée et/ou modifiée pour s’insérer dans un nouveau contexte/récit.
Expositions récentes : Dust, the plates of the present, commissariat : T. Fougeirol & J.Tang, Centre Georges Pompidou, Paris, 2020-21 ; Some of us, commissariat : Jérôme Cotinet-Alphaize & Marianne Derrien, NordArt 2019, Kunstwerk Carlshütte, Budelsdorf (DE), 2019 ; Love all, Serve all, commissariat : Julie Vayssière, City Café, Paris, 2018 ; Déclassement, commissariat : Barbara Sirieix, Château d’Oiron, Monuments nationaux, 2018 (FR); Intoto 6, commissaires : T. Fougeirol, J. Carreyn, P. Salazar, Fondation Ricard, Paris, 2018 (FR); Point Triple de la matière, commissaire : Matthieu Lelièvre, Fondation Fiminco, 2017 (FR) ; That cool decline (Œil de lynx et tête de bois), commissaires : Emilie Renard & Barbara SIrieix, Occidental Temporary, Villejuif, 2016 (FR) ; Mon horizontalité, commissaire : Julie Boukobza, Galerie Untilthen, Saint-Ouen, 2015 (FR) ; Prologue to a fiction for a space that does not yet exist, commissaire : Barbara Sirieix, ODD, Bucarest, 2015 (RO).
(→ Site)

Belleville Video Night

Soirée de projections
Mercredi 24 mai 2023, de 18h à 21h
À L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris
Entrée libre et gratuite

© Le Grand Belleville

L’ahah a l’immense plaisir de vous convier à la toute première Belleville Video Night !
Les lieux d'art contemporain du réseau du Grand Belleville mettent à l’honneur le médium de la vidéo : à L'ahah #Griset seront projetées les oeuvres vidéo de Jean-françois Leroy et de Jacques Julien, au coeur de l'exposition collective SIMILI...

Retrouvez les détails de la programmation ici !
Plus d'informations sur l'exposition SIMILI

→ Né en 1982 à Dunkerque, Jean-françois Leroy vit et travaille à Plouhinec en Bretagne. Diplômé en 2007 de l’École nationale supérieure des beaux-arts, il a, en 2019, soutenu sa thèse de doctorat au sein du programme PSL-SACRe.
Il a bénéficié d’importantes expositions personnelles en 2014 à la Galerie Municipale Jean Collet de Vitry-sur-Seine, en 2015 au Centre d’art contemporain Camille Lambert de Juvisy-sur-Orge, en 2018 à Sessions, Marseille, en 2019 aux Instants Chavirés, Montreuil, ainsi qu’en 2020 à la galerie de la SCEP, Marseille. Il a également pris part en 2009 au 54e Salon de Montrouge, en 2011 aux Modules hors les murs du Palais de Tokyo et en 2012 à L’art dans les chapelles.
Ses œuvres sont intégrées aux collections du Fonds national d’art contemporain, du FRAC Grand Large – Hauts-de-France et de la ville de Vitry-sur-Seine.
Jean-françois Leroy est accompagné par L’ahah depuis 2017. Il y a bénéficié d’une exposition personnelle en 2019, Oh my mind, my body’s thinking. La même année, l’espace #Griset accueillait la restitution de sa thèse Tout vient d’un plan.

→ Jacques Julien est né en 1967 à Lons le Saunier, il vit et travaille entre Paris et Montdidier (80). Il a suivi des études à l’Ecole des Beaux-Arts de Nîmes et de Grenoble. Maître de Conférence à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Paris la Villette, il est, en 2021, pensionnaire de l'Académie de France à Rome - Villa Médicis. Depuis les années 2000, son travail a fait l’objet d’expositions majeures au CRAC Occitanie, au FRAC Normandie ou encore au Domaine de Chamarande. Il a dernièrement bénéficié d’une exposition personnelle à la Galerie Paris-B à Paris, ainsi qu’au centre d’art Silicone à Bordeaux. Ses oeuvres sont par ailleurs dans de nombreuses collections publiques telle que le FNAC ou les FRAC Bretagne, Bourgogne et Pays-de-la-Loire. Jacques Julien est représenté par la Galerie Paris-B. (→ Site)

Belleville Night

Jeudi 26 janvier • 18h - 21h
Nocturne exceptionnelle de Planet & Satellites, double exposition personnelle de Vincent Hawkins

Le Grand Belleville est en fête ! Le réseau de lieux d'art contemporain du quartier de Belleville-Ménilmontant a le plaisir de célébrer cette nouvelle année avec la première Belleville Night 2023. L'occasion de découvrir l'exposition actuelle dans les deux espaces parisiens de L'ahah, #Griset et #Moret : Planet & Satellites, de l'artiste britannique Vincent Hawkins.
→ Plus d'informations sur l'exposition

Profitez de cette ouverture nocturne exceptionnelle pour rendre visite à nos voisins ! Seront ouverts :
• 22,48m²
• Marcelle Alix
• Crèvecoeur
• Doc!
• Galerie Eko Sato
• Julio - artist-run space
• Plateforme
• RVB Books
• Villa Belleville
→ Toute la programmation

Rear Window : discussion publique avec Camille Debrabant

Samedi 25 mars • 17h
Discussion publique entre Bernard Gaube (artiste) et Camille Debrabant (historienne de l'art)
avec une modération de Septembre Tiberghien (critique et commissaire d'exposition)
Entrée libre et gratuite sous réserve des places disponibles

Bernard Gaube, L'homoncule 2, 2023, dessin sur iPad
© Bernard Gaube, Adagp, Paris

A L’ahah #Griset prendra place une discussion exceptionnelle entre Bernard Gaube et Camille Debrabant, historienne de l’art, autrice de l'ouvrage Peinture : obsolescence déprogrammée – La peinture dans l’environnement numérique (2020, Les Presses du Réel), dont les recherches actuelles sont dédiées aux pratiques picturales dans l'environnement numérique contemporain. La discussion se tiendra au cœur d'un accrochage éphémère et inédit des dessins sur iPad de Bernard Gaube, avec une modération de Septembre Tiberghien, critique d'art et commissaire de l'exposition*.

La discussion s'inscrit dans le programme de trois journées :
• Jeudi 23 et vendredi 24 mars, à 15h et à 17h : temps de rencontre autour des œuvres sur iPad de Bernard Gaube, sur réservation (→ s'inscrire gratuitement)
• Samedi 25 mars, à 17h : discussion publique entre Bernard Gaube et Camille Debrabant, avec une modération de Septembre Tiberghien.

En 2020 se déployait I’m one of them, exposition personnelle de Bernard Gaube dans les deux espaces parisiens de L’ahah. L’artiste y présentait pour la première fois, à #Moret, une riche sélection de ses dessins réalisés sur iPad. Cet outil, mis au service de sa pratique depuis une dizaine d'années, sut offrir à l’artiste une exceptionnelle rapidité d’exécution et un vaste espace de liberté.

→ Né en 1952 à Kisantu, en République démocratique du Congo, Bernard Gaube vit et travaille à Bruxelles. Son travail a, entre autres, été exposé en 2015 à la Galerie Duboys (Paris), en 2019 à la Galerie Pierre Hallet (Bruxelles), en 2020 à La Maison des Arts de Schaerbeek (Bruxelles) et plus récemment, en janvier 2023 à la Galerie DYS (Ixelles).
Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections privées et publiques, telles que celles du FRAC Occitanie Montpellier, du Musée d’Ixelles et du Musée BAM en Belgique. Bernard Gaube a reçu le Prix Gustave Camus de l’Académie Royale des sciences, des lettres et des beaux-arts de Belgique pour l’ensemble de son œuvre. Il a été représenté pendant plusieurs années par la galerie Rodolphe Janssen, Bruxelles. L’ahah accompagne Bernard Gaube depuis 2017.
→ Site de Bernard Gaube

→ Docteure en histoire de l’art, Camille Debrabant a consacré ses recherches de thèse au sort théorique réservé à la peinture à l’ère du postmodernisme entre 1962 et 1989. Après avoir collaboré aux publications du cabinet d’art graphique de l’École des beaux-arts de Paris (2005-2012), elle enseigne aujourd’hui l’histoire et la théorie de l’art à l’École Nationale Supérieure d’Art et de Design de Nancy. Ses recherches actuelles, dédiées au renouvellement des pratiques picturales dans l’environnement numérique contemporain, ont donné lieu à un cycle d’expositions intitulé « Peinture Obsolescence Déprogrammée » au Musée d’art moderne et contemporain MASC des Sables d’Olonne (10.21-01.22) et au Musée de l’Hospice Saint-Roch d’Issoudun (02.22-05.22).

→ Septembre Tiberghien est critique d’art et commissaire d’exposition indépendante, basée à Bruxelles. Son intérêt pour les diverses formes d’écritures plastiques l’amène à concevoir des projets collaboratifs avec une forte dimension réflexive et processuelle. Elle écrit pour L’art même, a publié dans de nombreuses revues (artpress, The Art Newspaper, Facettes, Flux News, Hippocampe, Possible, Zérodeux) et rédige régulièrement des textes pour des catalogues d’exposition. En 2020, elle conçoit le projet éditorial Serendipity, réunissant une quinzaine d’artistes et auteur·trice·s avec le concours d’Été78, lieu de production et de diffusion. Parmi les expositions curatées ces dernières années : To the Bone, Claude Cattelain et Jot Fau, Kunsthal Extra City, Anvers (2022), Holy! Holy! Holy!, Bernard Gaube et Julien Saudubray, Art Antwerp (2021), I’m one of them, Bernard Gaube, L’ahah, Paris (2020), In/Out, Greylight Projects, Bruxelles (2017), They shoot horses, They don’t demolish barns, l’escaut, Bruxelles (2016), Le geste de l’admoniteur, galerie Archiraar, Bruxelles (2015) et De la lenteur avant toute chose, espace abcd, Montreuil (2013). Elle est membre de l’AICA depuis 2014, a été co-présidente de la section belge de 2019 à 2020 et est actuellement Présidente de la Commission consultative des Arts Plastiques de la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Avec le soutien de Wallonie-Bruxelles International

Rear Window : autour du dessin de Bernard Gaube

Jeudi 23 & vendredi 24 mars 2023 • 15h & 17h
Rencontres et échanges avec Bernard Gaube et Septembre Tiberghien
Entrée libre et gratuite sur réservation

Bernard Gaube, La main invisible d’Adam Smith, 2022, dessin sur iPad
© Bernard Gaube, Adagp, Paris

Ce printemps, l’artiste Bernard Gaube présentera un accrochage inédit de ses dessins sur iPad, à L’ahah #Griset. En son cœur, Bernard Gaube ainsi que la commissaire d'exposition et critique d'art Septembre Tiberghien proposeront des moments de rencontre et d'échange, autour du processus créatif de l’artiste et plus particulièrement de sa pratique du dessin numérique, qu'il exerce depuis plus d'une dizaine d'années*.

Afin d'assurer le confort de ces temps de rencontre, une inscription gratuite est obligatoire :
→ Choisissez votre créneau ici

Dans la continuité de ces rencontres, samedi 25 mars, à 17h, prendra place une discussion exceptionnelle entre Bernard Gaube et Camille Debrabant, historienne de l’art, avec une modération de Septembre Tiberghien, critique d’art et commissaire de l’exposition. (→ en savoir plus)

Au programme des trois journées :
• Jeudi 23 et vendredi 24 mars, à 15h et à 17h : temps de rencontre autour des œuvres sur iPad de Bernard Gaube
• Samedi 25 mars, à 17h : discussion publique entre Bernard Gaube et Camille Debrabant, avec une modération de Septembre Tiberghien.

En 2020 se déployait I’m one of them*, exposition personnelle de Bernard Gaube dans les deux espaces parisiens de L’ahah. L’artiste y présentait pour la première fois, à #Moret, une riche sélection de ses dessins réalisés sur iPad. Cet outil, mis au service de sa pratique, sut offrir à l’artiste une exceptionnelle rapidité d’exécution et un vaste espace de liberté.

Né en 1952 à Kisantu, en République démocratique du Congo, Bernard Gaube vit et travaille à Bruxelles. Son travail a, entre autres, été exposé en 2015 à la Galerie Duboys (Paris), en 2019 à la Galerie Pierre Hallet (Bruxelles), en 2020 à La Maison des Arts de Schaerbeek (Bruxelles) et plus récemment, en janvier 2023 à la Galerie DYS (Ixelles).
Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections privées et publiques, telles que celles du FRAC Occitanie Montpellier, du Musée d’Ixelles et du Musée BAM en Belgique. Bernard Gaube a reçu le Prix Gustave Camus de l’Académie Royale des sciences, des lettres et des beaux-arts de Belgique pour l’ensemble de son œuvre. Il a été représenté pendant plusieurs années par la galerie Rodolphe Janssen, Bruxelles. L’ahah accompagne Bernard Gaube depuis 2017.
→ Site de Bernard Gaube

→ Docteure en histoire de l’art, Camille Debrabant a consacré ses recherches de thèse au sort théorique réservé à la peinture à l’ère du postmodernisme entre 1962 et 1989. Après avoir collaboré aux publications du cabinet d’art graphique de l’École des beaux-arts de Paris (2005-2012), elle enseigne aujourd’hui l’histoire et la théorie de l’art à l’École Nationale Supérieure d’Art et de Design de Nancy. Ses recherches actuelles, dédiées au renouvellement des pratiques picturales dans l’environnement numérique contemporain, ont donné lieu à un cycle d’expositions intitulé « Peinture Obsolescence Déprogrammée » au Musée d’art moderne et contemporain MASC des Sables d’Olonne (10.21-01.22) et au Musée de l’Hospice Saint-Roch d’Issoudun (02.22-05.22).

→ Septembre Tiberghien est critique d’art et commissaire d’exposition indépendante, basée à Bruxelles. Son intérêt pour les diverses formes d’écritures plastiques l’amène à concevoir des projets collaboratifs avec une forte dimension réflexive et processuelle. Elle écrit pour L’art même, a publié dans de nombreuses revues (artpress, The Art Newspaper, Facettes, Flux News, Hippocampe, Possible, Zérodeux) et rédige régulièrement des textes pour des catalogues d’exposition. En 2020, elle conçoit le projet éditorial Serendipity, réunissant une quinzaine d’artistes et auteur·trice·s avec le concours d’Été78, lieu de production et de diffusion. Parmi les expositions curatées ces dernières années : To the Bone, Claude Cattelain et Jot Fau, Kunsthal Extra City, Anvers (2022), Holy! Holy! Holy!, Bernard Gaube et Julien Saudubray, Art Antwerp (2021), I’m one of them, Bernard Gaube, L’ahah, Paris (2020), In/Out, Greylight Projects, Bruxelles (2017), They shoot horses, They don’t demolish barns, l’escaut, Bruxelles (2016), Le geste de l’admoniteur, galerie Archiraar, Bruxelles (2015) et De la lenteur avant toute chose, espace abcd, Montreuil (2013). Elle est membre de l’AICA depuis 2014, a été co-présidente de la section belge de 2019 à 2020 et est actuellement Présidente de la Commission consultative des Arts Plastiques de la Fédération Wallonie-Bruxelles.

Avec le soutien de Wallonie-Bruxelles International

Vincent Hawkins

Planet and Satellites

Vernissage • samedi 21 janvier 2023 • 17h-21h
Double exposition personnelle du samedi 21 janvier au samedi 25 mars 2023
À L’ahah #Griset et #Moret, du mercredi au samedi de 14h à 19h, et sur rendez-vous

Vincent Hawkins, vue d'atelier, 2022. Photo © Vincent Hawkins

Pour son grand retour à L’ahah, Vincent Hawkins investit les deux espaces d’exposition de l’association, #Griset et #Moret, avec une double exposition personnelle, Planet & Satellites.

L’artiste britannique, que L’ahah accompagne depuis sa création en 2017, propose un voyage à travers les différents déploiements de sa pratique picturale, qu’ils soient sur carton ou papier, sur toile ou sur bois, quels que soient leurs formats, modestes à l’échelle d’un portrait, amples à celle d’une peinture d’histoire.

Ainsi, s'ils se côtoient pour la première fois, tous renferment en leur sein, que ce soit au creux des pliages des volumes, dans la nuit des peintures de son jardin, dans le mystère quasi religieux de ses œuvres récentes, le secret d’une forme cachée là et en recelant tant d’autres...

Réunissant des œuvres inédites, l'exposition est accompagnée d'un texte, spécialement écrit par le Révérend Richard Davey, chercheur en histoire de l'art à la School of Art & Design de la Nottingham Trent University. Lire le texte d'exposition → ici

Né en 1959, Vincent Hawkins vit et travaille à Londres au Royaume-Uni.

Vincent Hawkins a bénéficié de nombreuses expositions personnelles et collectives internationales, dont, notamment : en 2008 à la Royal Academy of Arts de Londres, en 2011, à la Artary Galerie de Stuttgart, en 2013 au Art Museum de Terrance en Californie ainsi qu’au Dan Devening Projects à Chicago, en 2019 à la Galerie Sid Motion à Londres, en 2020 à la Galerie Bertoux-Vidal à Paris. En 2022, il participe au programme de L’art dans les chapelles, dont le commissariat est assuré par Éric Suchère.

Soutenu par la Galerie Sid Motion, Londres, Vincent Hawkins est accompagné par L’ahah depuis sa création en 2017, il y a bénéficié en 2019, d’une exposition personnelle intitulée Growing a Soul.

Vincent Hawkins

Planet & Satellites

Vernissage • samedi 21 janvier 2023 • 17h - 21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

Entrée libre et gratuite

→ Exposition du 21 janvier au 25 mars 2023

Vincent Hawkins, Mountain, get lost (détail), 2022, huile sur toile, 75x65cm
© Vincent Hawkins / Photo : L'ahah, Paris

[Re]production project - Off tempo

Nour Awada et Emilie McDermott

Conversation et rencontres
avec Nour Awada, Emilie McDermott, Camille Paulhan, Odonchimeg Davaadorj, Mélanie Feuvrier et Anne Le Troter
Samedi 1er avril 2023 • 18h - 21h
à L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris
Entrée libre et gratuite

Nour Awada, Le ventre des sorcières III, 2021, feutre et crayon de couleur © Nour Awada

Emilie McDermott et Nour Awada, fondatrices du projet de recherche [Re]production — une réflexion politique et collective sur la maternité et l’art contemporain —, proposent une soirée rythmée d’échanges, au coeur d’un accrochage à plusieurs mains, pour explorer la question de la carrière artistique chez les femmes artistes et mères, et la notion de «pause».
Plus précisément, au travers des différentes trajectoires professionnelles des artistes mères, une conversation avec l’historienne de l’art Camille Paulhan mettra en lumière la non-linéarité des parcours, les obstacles et les freins rencontrés, ainsi que les ouvertures et les solutions possibles aux artistes parents.

Au programme de la soirée :
18h • Conversation entre Nour Awada, Emilie McDermott et Camille Paulhan.
Au coeur d’un accrochage des oeuvres de Nour Awada, Emilie McDermott, Odonchimeg Davaadorj, Mélanie Feuvrier et Anne Le Troter.
Entrée libre et gratuite, dans la limite des places disponibles.

→ Nour Awada, née à Beyrouth, vit et travaille à Paris. Diplômée de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, elle fonde le LAP en 2018 — Laboratoire des Arts de la Performance. Ses œuvres ont été présentées, entre autres, au Centre Pompidou, à la Fondation François Schneider, à la Fondation Francès, au Crédac, au Palais de Tokyo, à l’Institut Français de Milan et du Liban. Elle est représentée par la Galerie F.
Site → nourawada.com

→ Emilie McDermott est une artiste franco-américaine diplômée des Beaux-Arts de Paris-Cergy. Elle s’est formée à la danse aux Etats-Unis, puis a travaillé dans le domaine du design. Elle a montré son travail, entre autres, au Palais de Tokyo, au festival Traverse Vidéo (Toulouse), au festival l’OEil d’Oodaaq (Rennes), au FRAC Franche Comté ou encore au festival UrbanApa (Helsinki). Elle est professeure à l’Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon. Elle est membre du LAP.
Site → emiliemcdermott.com

→ Camille Paulhan est historienne de l’art, critique d’art et enseignante. Elle a soutenu en 2014 une thèse de doctorat portant sur le périssable dans l’art des années 1960-1970. Elle a écrit sur les artistes âgées, les livres d’or d’expositions, la scène artistique castelroussine, le jeunisme, les champignons hallucinogènes, l’irreproductibilité des œuvres d’art, les ateliers d’artistes, l’ostension de la couronne d’épines de Notre-Dame de Paris, le milieu de carrière chez les artistes femmes, entre autres.

→ Odonchimeg Davaadorj, née à Darkhan (Mongolie), vit et travaille à Paris. Elle étudie aux Ateliers beaux-arts de Glacière, puis à l’ENSAPC. Elle a exposé en France (Drawing Now en 2021 et 2023, à la Galerie Jean Brolly, 2021, etc.) et à l’international (CODA Museum, Pays-Bas, et à la Galerie Mario Nauroner, Autriche, etc.). Elle est lauréate de plusieurs prix, notamment de la Révélation Arts plastiques ADAGP, du Salon de Montrouge, et a été nominée au prix Drawing Now 2021. Elle est représentée par la Galerie Backslash.
Site → odonchimegdavaadorj.com

→ Mélanie Feuvrier vit et travaille en Île-de-France. Après des études d’audiovisuel, elle passe son diplôme à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, dans l’atelier d’Eric Poitevin. Elle a exposé en France — notamment au Centre Tignous d’Art Contemporain (Montreuil), la galerie Héloïse (Paris), la galerie Angle d’art (Bagnolet) et à l’international. Elle est membre des collectifs Curry Vavart, Atelier Fairplay et du LAP.
Site → melaniefeuvrier.com

→ Anne Le Troter vit et travaille à Paris. Elle a étudié à la HEAD et à l’ESAD. Elle est actuellement en résidence à la Villa Kujoyama (Japon), et elle a exposé entre autres à Bétonsalon (Paris), à l’Institut d’art contemporain de Villeurbanne et à Ygrec (Aubervilliers) en 2022. Elle est lauréate de plusieurs prix, notamment la bourse ADAGP/Bétonsalon, le prix du Salon de Montrouge et du Palais de Tokyo. Elle est représentée par la galerie Frank Elbaz.

Jérôme Boutterin : Reboot 1999-2022

Discussion autour de la monographie Jérôme Boutterin : Reboot 1999-2022 entre l’artiste et les auteur·rice·s invité·e·s Catherine Mosbach et Antoine Duchenet

Samedi 11 février 2023, de 17h à 19h
À L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris
Entrée libre et gratuite

C’est à l’occasion du lancement de la monographie dédiée à l’oeuvre du peintre Jérôme Boutterin que L’ahah vous donne rendez-vous samedi 11 février 2023 à 17h, à L’ahah #Griset.

Jérôme Boutterin ainsi que deux des contributeur·trice·s Catherine Mosbach, paysagiste et Antoine Duchenet, artiste reviendront sur la pratique des deux dernières décennies de l’artiste, ses influences, ses procédés, leurs autonomies mais aussi leurs porosités. La rencontre se clôturera par un temps d’échange et de dédicace.

«Pour que la peinture reste critique, elle doit conserver une relation antagoniste avec le projet de la peinture. Boutterin aborde la peinture comme un projet qui expose ses stratégies...» Jason Stopa, artiste et auteur du texte Jérôme Boutterin : Peindre entre les lignes, à retrouver au sein de la monographie.

→ Jérôme Boutterin vit et travaille à Paris. Outre ses nombreuses expositions personnelles à l’international, notamment à la Galerie Marc Minjauw, à Bruxelles, au Ningbo Museum of Art, en Chine, ou encore à la Galerie Artbridge de Séoul, en Corée, il a également montré son travail de nombreuses fois en France : au SHED – Centre d’art contemporain de Normandie, au MAC/VAL, au Frac Normandie Rouen, au Domaine de Kerguéhennec, au Centre d’art contemporain de Meymac, ou encore à Nantes avec l’ADIAF.
Diplômé de l’École Nationale Supérieure d’Art de Nice et de l’École Nationale Supérieure du Paysage de Versailles, Jérôme Boutterin enseigne actuellement à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Versailles.
Site

→ Catherine Mosbach est paysagiste et professeure invitée à la Weitzman School of Design de Philadelphie, à l’ENSP de Versailles et à la Harvard Graduate School of Design de Cambridge. Parmi ses projets emblématiques figurent le parc du Louvre-Lens, le Taichung Gateway Park, à Taïwan, lauréat Platine de la 15ème édition du Grands Prix du Design de Montréal, ou encore le Jardin Botanique de Bordeaux, Prix européen du paysage Rosa Barba. Plus récemment, son projet « Lost in Transition », réalisé à Ulsan pour le Korea Institute Garden Design, a remporté l’International Land Award 2022 de Bergame.
Elle a contribué à de nombreuses publications, dont STREAM 04 – Les Paradoxes du vivant (Chiambaretta, 2017), la revue « Projets de paysage » (2016), et Delta Dialogues (gta Verlag, 2017).
Site

→ Antoine Duchenet est un artiste basé entre Paris et Caen, diplômé de l’Ensba Paris et de l’École supérieure des arts et médias de Caen. Ses dernières expositions personnelles incluent « Seconds rôles » (SECONDroom, Anvers, 2022), « Early Tapes » (NIGHTTIMESTORY, Los Angeles, 2021) et « Tout le monde ressemble à Victor » (à l’issue de sa résidence à l’Artothèque, Caen, 2019). Il a également été commissaire des expositions : « THE WALLS », (Cneai, Paris, 2022), « Pauline Rima / J’ai fait la soustraction du rose dans ma vie » (Médium Argent, Rouen, 2022), « Fait divers » (Palais des Beaux-Arts, Paris, 2021), « Jérôme Boutterin / Boutures, sans égards. » (Paris, 2020), « Jason Stopa / Hanging Gardens » (W, Pantin, 2019).
Invité par le collectif Manoeuvre, Antoine Duchenet prépare actuellement sa prochaine exposition personnelle prévue début 2023, au Centre Dramatique National de Normandie, à Hérouville St-Clair.
Site

→ Jason Stopa né en 1983 est un peintre et écrivain vivant à Brooklyn, New York. Il est diplômé de l'Université d'Indiana et du Pratt Institute. Son travail a fait l'objet de publications dans Artforum, Artsy, Hyperallergic et The Brooklyn Rail. Il est représenté par la Morgan Lehman Gallery, New York et la Diane Rosenstein Gallery, Los Angeles. Ses écrits sont parus dans The Brooklyn Rail, Momus, Art in America, Artcritical et Hyperallergic. Jason Stopa enseigne à l'Institut Pratt et participe à la rédaction de la revue de l'Université de Columbia.
Site

Photo : Jérôme Boutterin : Reboot 1999-2022, avec les entretiens de Jason Stopa, Catherine Mosbach, et Antoine Duchenet. © Jérôme Boutterin, Adagp, Paris © Snoeck © MMbooks

TrioPolycordes

Carillons imaginaires

Journée de rencontres et de concerts en compagnie du TrioPolycordes et à l’occasion du lancement de leur dernier disque Carillons imaginaires

Mercredi 28 septembre 2022
15h30 • Premier concert, suivi d’une rencontre avec les compositeur·ice·s et les musicien·ne·s
À L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

© Stephane Vandenplas

Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles. La réservation est conseillée → ICI.

Nous attirons votre attention sur le fait que les deux concerts commenceront à l'heure dite. Nous vous invitons à rejoindre L'ahah #Griset quinze minutes avant le début de chaque représentation.

Poursuivant son partenariat avec Les Pincées Musicales, L’ahah a l’immense plaisir d’accueillir à la rentrée de septembre une journée de concerts du TrioPolycordes, à l’occasion de la sortie de leur dernier disque Carillons imaginaires.

Depuis plus de vingt-cinq ans, le TrioPolycordes a entrepris une aventure et un compagnonnage avec les compositeurs d’aujourd’hui à la découverte de nouveaux territoires sonores. Un quart de siècle d’existence qui aura donné naissance à près de quatre-vingts œuvres et spectacles, créant ainsi un répertoire original pour une formation unique en son genre.

Avec ce cinquième enregistrement (le premier avec le label Arion), le TrioPolycordes fait entendre la subtile mécanique de carillons imaginaires. Il nous entraîne successivement des rivages de la Méditerranée vers les sonorités d’un gamelan balinais. Puis, sur les traces oniriques d’un Pythagore qui aurait conservé – enfoui dans son cerveau reptilien – la fougue et la sauvagerie de la corde de l’arc du chasseur primitif.

C’est donc de voyages dont il est question : dans le temps, dans l’espace. Le passé, le futur, le conscient, l'inconscient s’enchevêtrent pour créer une fine et intime mécanique poétique tissée par trois instruments, trois instrumentistes.

Programme des concerts :
Un rêve de Pythagore d'Anthony Girard
Bells d'Edith Canat de Chizy
Wild Strings de Fabien Rossé
Clockworks de Fabien Cali
Chants de l'Ether, Livre II de Fabien Touchard

Le TrioPolycordes, créé en 1996, réunit aujourd’hui Sandrine Chatron, harpiste, Florentino Calvo, mandoliniste et Jean-Marc Zvellenreuther, guitariste, qui défendent la musique contemporaine avec passion. Leurs appétences pour la création s’incarnent dans la constitution de ce trio à cordes pincées, dédicataire de près de quatre-vingts œuvres.
Le TrioPolycordes est né autour des premières œuvres existantes pour cette formation, composée notamment par Goffredo Petrassi et Hans Werner Henze. Il est devenu, au fil du temps, source d’inspiration pour de nombreuses compositrices et compositeurs, bâtissant un répertoire exigeant et de grande qualité.
Au-delà du concert traditionnel, le TrioPolycordes s’attache à développer des spectacles innovants qui associent musique, image, textes, danse et arts plastiques. Le TrioPolycordes a été accueilli en résidence à Argenteuil de 1998 à 2000 et à la Galerie Pascaline Mulliez de 2015 à 2018. Il est de nouveau en résidence à Argenteuil au sein de la structure Les Pincées Musicales depuis 2018.
→ Site

Cet événement est produit par Les Pincées Musicales, avec le soutien financier du Conseil Départemental du Val-d'Oise, de la ville d'Argenteuil, de la SACEM, de la Maison de la Musique Contemporaine et de plusieurs mécènes privés. Elles ont obtenu un conventionnement avec la Direction Régionale des Affaires Culturelles (DRAC Île-de-France) en 2022.
Les Pincées Musicales remercient chaleureusement les contributeurs qui ont participé à la campagne de crowdfunding de ce CD. Son enregistrement fut réalisé sous le Label Arion, avec l’aide de la Société Civile des Producteurs Phonographiques, du Fonds pour la Création Musicale, de la Maison de la Musique Contemporaine et des Pincées Musicales.

TrioPolycordes

Carillons imaginaires

Journée de rencontres et de concerts en compagnie du TrioPolycordes et à l’occasion du lancement de leur dernier disque Carillons imaginaires

Mercredi 28 septembre 2022
20h • Concert nocturne, suivi d’une rencontre avec les compositeur·ice·s et les musicien·ne·s
À L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

© Stephane Vandenplas

Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles. La réservation est conseillée → ICI.

Nous attirons votre attention sur le fait que les deux concerts commenceront à l'heure dite. Nous vous invitons à rejoindre L'ahah #Griset quinze minutes avant le début de chaque représentation.

Poursuivant son partenariat avec Les Pincées Musicales, L’ahah a l’immense plaisir d’accueillir à la rentrée de septembre une journée de concerts du TrioPolycordes, à l’occasion de la sortie de leur dernier disque « Carillons imaginaires ».

Depuis plus de vingt-cinq ans, le TrioPolycordes a entrepris une aventure et un compagnonnage avec les compositeurs d’aujourd’hui à la découverte de nouveaux territoires sonores. Un quart de siècle d’existence qui aura donné naissance à près de quatre-vingts œuvres et spectacles, créant ainsi un répertoire original pour une formation unique en son genre.

Avec ce cinquième enregistrement (le premier avec le label Arion), le TrioPolycordes fait entendre la subtile mécanique de carillons imaginaires. Il nous entraîne successivement des rivages de la Méditerranée vers les sonorités d’un gamelan balinais. Puis, sur les traces oniriques d’un Pythagore qui aurait conservé – enfoui dans son cerveau reptilien – la fougue et la sauvagerie de la corde de l’arc du chasseur primitif.

C’est donc de voyages dont il est question : dans le temps, dans l’espace. Le passé, le futur, le conscient, l'inconscient s’enchevêtrent pour créer une fine et intime mécanique poétique tissée par trois instruments, trois instrumentistes.

Programme des concerts :
« Chants de l'Ether », Livre I de Fabien Touchard
« Un rêve de Pythagore » d'Anthony Girard
« Bells » d'Edith Canat de Chizy
« Wild Strings » de Fabien Rossé
« Clockworks » de Fabien Cali
« Chants de l'Ether », Livre II de Fabien Touchard

Le TrioPolycordes, créé en 1996, réunit aujourd’hui Sandrine Chatron, harpiste, Florentino Calvo, mandoliniste et Jean-Marc Zvellenreuther, guitariste, qui défendent la musique contemporaine avec passion. Leurs appétences pour la création s’incarnent dans la constitution de ce trio à cordes pincées, dédicataire de près de quatre-vingts œuvres.
Le TrioPolycordes est né autour des premières œuvres existantes pour cette formation, composée notamment par Goffredo Petrassi et Hans Werner Henze. Il est devenu, au fil du temps, source d’inspiration pour de nombreuses compositrices et compositeurs, bâtissant un répertoire exigeant et de grande qualité.
Au-delà du concert traditionnel, le TrioPolycordes s’attache à développer des spectacles innovants qui associent musique, image, textes, danse et arts plastiques. Le TrioPolycordes a été accueilli en résidence à Argenteuil de 1998 à 2000 et à la Galerie Pascaline Mulliez de 2015 à 2018. Il est de nouveau en résidence à Argenteuil au sein de la structure Les Pincées Musicales depuis 2018.
→ Site

Cet événement est produit par Les Pincées Musicales, avec le soutien financier du Conseil Départemental du Val-d'Oise, de la ville d'Argenteuil, de la SACEM, de la Maison de la Musique Contemporaine et de plusieurs mécènes privés. Elles ont obtenu un conventionnement avec la Direction Régionale des Affaires Culturelles (DRAC Île-de-France) en 2022.
Les Pincées Musicales remercient chaleureusement les contributeurs qui ont participé à la campagne de crowdfunding de ce CD. Son enregistrement fut réalisé sous le Label Arion, avec l’aide de la Société Civile des Producteurs Phonographiques, du Fonds pour la Création Musicale, de la Maison de la Musique Contemporaine et des Pincées Musicales.

Caresser l’histoire #2 : l’arbre du sol au plafond

Mardi 22 novembre 2022 • 18h30
Conversation avec Gilles Clément, Maxime Werlé et Jade Tang
Entrée libre et gratuite

L’ahah a l’honneur d’accueillir Gilles Clément, jardinier-paysagiste, Maxime Werlé, archéologue et Jade Tang, artiste, pour une rencontre exceptionnelle dans le cadre de Caresser l’histoire, projet de recherche de cette dernière.

Caresser l’histoire s’intéresse aux chantiers d’aménagements urbains et aux fouilles d’archéologie préventive qui s’y déroulent. Dans cet espace-temps en transition, Jade Tang souligne le rôle des arbres et des végétaux comme autant d’actants qui racontent une histoire naturelle-culturelle.

Qu’ils soient vivants, aux racines serpentant le patrimoine archéologique, traversant les terrains « artificiels » et « naturels », ou devenus bois et artefacts, les arbres sont témoins d’histoires et de données climatiques. Cette rencontre sera l’occasion, entre autres, de questionner les arbres à travers le prisme de l’archéologie.

L’artiste Jade Tang restitue ses recherches sous des formes variées, à travers l'installation multi-médias, la performance, la rédaction d'articles ou encore de sites internet évolutifs et collaboratifs (dont http://www.saisirlechantier.com). Lauréate 2020 du Fonds Régional pour les talents émergents (FoRTE), elle a récemment exposé son travail au Centquatre – Paris (2022) et à la Fondation Fiminco de Romainville (2021). Son projet de recherche, Caresser l’histoire, toujours en cours, est soutenu et accompagné par L’ahah depuis 2020.
→ Site de Jade Tang

Gilles Clément est jardinier, paysagiste, botaniste, entomologiste, biologiste et écrivain. Après des formations en ingénierie horticole et en paysagisme, il enseigne à l’école nationale supérieure du paysage de Versailles. Il est l’auteur de plusieurs concepts qui ont marqué les acteur·trice·s du paysage de la fin du XXe siècle, restitués à travers de nombreux ouvrages, notamment Le Jardin en mouvement (Pandora, 1991), Manifeste du Tiers paysage (Sujet-Objet, 2004), ou encore Le Jardin planétaire (L'Aube/Château-Vallon, 1997).
→ Site de Gilles Clément

Maxime Werlé est ingénieur d’études au Service régional de l’archéologie de la DRAC Grand Est, à Strasbourg. Chercheur en archéologie médiévale et moderne, il étudie notamment la genèse des villes et le développement urbain, les enceintes urbaines ainsi que leurs habitant·e·s. Il a contribué à de nombreuses publications, dont L’enceinte et ses composantes (2008, dir. Yves Henigfeld) et Trente ans d'archéologie médiévale en France : un bilan pour un avenir (Publications du CRAHM, 2010, dir. Jean Chapelot).

«Travioles» numéro 2

Lectures, projections et rencontres à l’occasion du lancement du numéro 2 de la revue Travioles à L’ahah

Samedi 10 décembre 2022 • 14h - 20h30
À L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris
Entrée libre et gratuite

© Travioles / L’ahah, Paris

Travioles, revue expérimentale dédiée à l’art, la littérature et la philosophie, fait son numéro 2 à L’ahah !

Profondément attachée au papier et à l’imprimé, Travioles revendique, outre sa grande liberté, le caractère irremplaçable de la revue comme espace de rencontres entre artistes et écrivain·e·s.

À L’ahah #Griset, lectures et projections se déploieront le temps d’un accrochage fulgurant réunissant des œuvres d’Arthur Aillaud, Victoire Thierrée, Dune Delhomme, Gérard Traquandi, Faustine Sayagh, Jean-François Debord et Ayako Sakuragi.

Au programme du samedi 10 décembre :
14h → Projection du film Jean-François Debord 2022 de Rémi Lavandier
15h → Projection du film Jean-Michel Meurice : visite d’atelier de La Fabrique Centre d'Art
16h30 → Lecture de Judith Prigent
17h → Lecture et projection de Pascale Bouhénic
17h30 → Lecture de Dune Delhomme
18h → Lecture de Manon Kneusé d’un texte d’Hortense Lyon
18h30 → Lecture de Thomas Clerc
19h-20h30 → Rencontres & drinks

Avec, pour ce numéro 2 de la nouvelle formule, les contributions de :
Arthur Aillaud, Paul Audi, Tjeerd Alkema, Christian Bernard, Pascale Bouhénic, François Caillat, Jean-Marie Chevrier, Thomas Clerc, Jean-François Debord, Dune Delhomme, Lucio Fanti, Thierry Garrel, Maougocha Goldberg, Katharina Hohmann, Ana María Lozano Rivera, Jean-Pierre Le Goff, Yves Leroy, Hortense Lyon, Jean-Michel Meurice, Judith Prigent, Silvia Radelli, Faustine Sayagh, Ayako Sakuragi, Christian Stuker, Victoire Thierrée, Gérard Traquandi, Iryna Tsilyk, Lubov Yakymtchouk.

→ Travioles a été fondée en 1999 par Antoine Gallien, Valérie Grall et Christian Jambet. Après 16 numéros ayant accueilli nombre de signatures illustres (Pierre Alechinsky, Camilla et Valério Adami, Charles Dantzig, Marie Darieussecq, Pierre Dumayet, Macha Makeïeff, Valérie Mrejen, Jean-Luc Nancy, parmi tant d’autres) aux côtés de premières parutions de tou·te·s jeunes artistes et écrivain·e·s et une interruption de presque 10 ans, la revue réapparait en 2021 sous l’impulsion de Valérie Grall, scénographe, accompagnée cette fois-ci de Didier Semin, conservateur, enseignant, critique et historien de l’art.

Jiggly Motions / Gigues moléculaires

Une exposition personnelle de Ran Zhang, en deux volets et sur deux sites, organisée par le Frac Occitanie Montpellier en partenariat avec L’ahah

Deuxième volet au JAM :
Vernissage • Samedi 17 septembre • 11h30
Exposition du 17 septembre au 30 novembre 2022
Au Jardin Antique Méditerranéen, Rue des Pioch, 34540, Balaruc-les-bains

© Ran Zhang

Poursuivant ses missions de diffusion de la recherche et de la création, L’ahah inaugure un nouveau cycle d’expositions personnelles des artistes qu’elle accompagne, hors de ses murs, et, pour ce faire, développe de riches collaborations avec des institutions publiques, des organisations privées ainsi que d’autres structures associatives.

C’est ainsi qu’Emmanuel Latreille, directeur du Frac Occitanie Montpellier, a invité Ran Zhang dans le cadre de la programmation 2022 de ce même FRAC, centrée autour des nouvelles technologies, pour une exposition multi-sites exceptionnelle.

Comment l’art contemporain s’empare-t-il des instruments qui offrent une perception nouvelle du monde, afin de produire des formes inédites de la réalité sensible ? C’est l’une des questions que pose cette ambitieuse programmation, et qui voit l’invitation de l’artiste chinoise que L’ahah accompagne depuis 2017.

Dans un premier volet au Frac OM du 1er juillet au 10 septembre, Ran Zhang a déployé des impressions et peintures récentes ainsi que des displays, inédits, associant petits volumes et impressions/documents, dans la continuité des recherches qu’elle développe depuis une dizaine d’années autour d’images obtenues à l’aide de microscopes et de technologies informatiques.

Dans cette prolongation de l'exposition au Jardin Antique Méditerranéen, du 17 septembre au 30 novembre 2022, l'artiste présentera un tout nouveau display en écho avec le magnifique cadre du jardin gallo-romain... Rendez-vous de l'exposition :
• Dimanche 18 Septembre à 11h00 : Visite commentée par l’artiste Ran Zhang et Emmanuel Latreille, Directeur du FRAC Occitanie Montpellier, proposée dans le cadre des Journées Européennes du Patrimoine
• Jeudi 20 Octobre à 18h30 : Conférence animée par Emmanuel Latreille, Directeur du FRAC Occitanie Montpellier, en lien avec la thématique Art et Paysage : « Comment les artistes contemporains regardent le paysage et les éléments naturels en utilisant différents médiums et technologies ? »

Née en 1981 à Tianjin (Chine), Ran Zhang vit et travaille entre Berlin et Rotterdam.
Diplômée de la Gerrit Rietveld Academie et de la Riksakademie van Beeldende Kunsten, elle a participé à de nombreuses expositions en France et à l’étranger, en 2012 à la Galerie Pont & Plas à Gand, en 2014 à la Future Gallery, Berlin et au Hexiangning Museum à Shengzhen en Chine ainsi qu’en 2017 chez Juliette Jongman, Amsterdam. Elle a bénéficié de prestigieuses expositions personnelles en 2015 à la Galerie Pascaline Mulliez, Paris et en 2020 à la Galeria Plan B, Berlin.
Ran Zhang est accompagnée par L'ahah depuis sa création en 2017, bénéficiant d’une exposition personnelle en 2020, Resolution of Traits.
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Le Fonds régional d’art contemporain Occitanie Montpellier (Frac OM) – désigné Languedoc-Roussillon jusqu’en 2016 – en cohérence avec sa mission fondamentale de collection, permet aux artistes de développer leur démarche et de donner de la visibilité à leur travail. Il propose une découverte de l’art contemporain à travers des expositions temporaires de productions inédites ou d’œuvres issues de la collection.
Sur le territoire régional, la diffusion de la collection se concrétise par la réalisation d’expositions avec de nombreux partenaires, par des prêts et des dépôts. L’action du Frac s’étend au-delà des limites géographiques de l’Occitanie en contribuant aux expositions monographiques ou collectives dans des institutions nationales et internationales.
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Conçu selon les différents archétypes de l’Antiquité, le Jardin Antique Méditerranéen est dédié à la connaissance des essences végétales méditerranéennes et à leurs usages au travers de sept créations originales. Le long d’un cheminement, elles font découvrir l’agriculture et l’horticulture, le sacré, la médecine, la magie, la cuisine, la cosmétique ou les plantes utilitaires. Pergolas, tonnelles, fontaines et petit amphithéâtre, à la nature domestiquée, se mêlent aussi des composantes de l’architecture antique.
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Lena Amuat & Zoë Meyer

et Simone Holliger

Séisme

Vernissage • samedi 8 octobre 2022 • 14h-21h
Double exposition duelle du samedi 8 octobre au samedi 10 décembre 2022
À L’ahah #Griset et #Moret, du mercredi au samedi de 14h à 19h, et sur rendez-vous

Lena Amuat & Zoë Meyer, Two Mathematical Models, 2022. © Lena Amuat & Zoë Meyer

L’ahah poursuit son cycle de cartes blanches aux artistes qu’elle accompagne ! C’est au tour de Lena Amuat & Zoë Meyer, qui invitent Simone Holliger à exposer à leurs côtés.

« Nous avons découvert le travail de Simone Holliger, il y a quelques années, dans une exposition collective à la Kunsthalle Sankt Gallen, et nous avons immédiatement été touchées par sa présence. Ses formes abstraites, en papier collé et dessiné dans l’espace avec des ciseaux, sont tout à la fois fragiles, légères, et puissantes, créant des associations à différents niveaux. Le travail de Simone Holliger nous inspire énormément, et nous attendons avec impatience le dialogue dans notre exposition commune. L'exposition à L'ahah sera sa première en France. » (Lena Amuat & Zoë Meyer)

Les trois artistes suisses investiront les deux espaces d’exposition de l’association, L’ahah #Griset et L’ahah #Moret, articulant les volumes et installations in-situ de Simone Holliger aux séries de photographies de Lena Amuat & Zoë Meyer, dont une inédite.

Lena Amuat & Zoë Meyer (nées respectivement en 1977 et 1975) vivent entre Zürich et Berlin, elles travaillent en duo depuis 2008. Toutes deux diplômées de la Zürich University of the Arts, elles ont participé, en tant que duo, à de nombreuses expositions en France et à l’étranger, telles que, en 2011 à la Kunsthalle de Berne, en 2015 à la Villa du parc, Annemasse et à la Galerie Marine Veilleux, Paris, en 2016 au centre d’art Les Tanneries d’Amilly, en 2017 à la Dye House 451 de Londres ainsi qu’au Helmhaus de Zürich. En 2019, elles investissaient la crypte de l’Abbaye de Grossmünster à Zurich. En 2021, une importante édition est parue aux éditions suisses About Books sur l’ensemble de leur série « Artefakte und Modelle ». L’ahah accompagne Lena Amuat & Zoë Meyer depuis sa création en 2017 ; elles y ont bénéficié, en 2018, d’une double exposition personnelle Artefakte und Modelle.
→ Site

Née en 1986, Simone Holliger vit et travaille à Bâle en Suisse. Diplômée de la Haute École d’Art et de Design de Genève et de la Haute École de Lucerne, lauréate du Prix Nestlé Jeune Création et du Swiss Art Award en 2019, Simone Holliger a bénéficié de prestigieuses expositions personnelles en Suisse, dont notamment : en 2019 à la Galerie Nicolas Krupp à Bâle, en 2021 à la Ferme de la Chapelle à Lancy. En 2022, elle présentera son travail au Musée des beaux-arts La Chaux-de-Fonds en Suisse, et en France à la BF15 de Lyon. Elle a également pris part à de nombreuses expositions collectives en Suisse : en 2017 au Musée des beaux-arts d’Argovie, en 2019 au Kunsthaus Baselland à Muttenz, et en 2022 à l’espace d’art contemporain Pano de Vevey. Depuis 2019, Simone Holliger est membre du projet curatorial Palazinna, à Bâle.
→ Site

WHISPER ROOM, La chambre murmurée

Une exposition en forme de Salon,
avec les interventions d’Anaïd Demir, Florence Marqueyrol et Stéphanie Sauget,
avec la collaboration de Matthieu Molet
ainsi que du PHONO Museum Paris

Sur une proposition de Jérôme Poret

Ouverture • samedi 10 septembre 2022 • 14h-21h
Exposition collective du samedi 10 au samedi 17 septembre 2022
À L’ahah #Griset, du mercredi au dimanche de 14h-19h, et sur rendez-vous

L'ahah sera ouverte de 14h à 21h samedi 17 septembre à l'occasion du dernier jour de l'exposition.

pour mémoire
• Archive de WHISPER ROOM, La chambre murmurée (→ pdf)

Jérôme Poret, «Table», image retouchée, 2022. © Jérôme Poret / ADAGP

Pour son rendez-vous de septembre, L’ahah invite, cette année, l’artiste, musicien et éditeur, Jérôme Poret !

Avec WHISPER ROOM, La chambre murmurée, L’ahah #Griset se transformera en un véritable Salon de lecture et d’écoute où prendront place de bien étranges discussions, déambulations et expériences.

En effet, Jérôme Poret nous invite à le suivre dans son exploration des espaces de hantise, à la croisée de l’architecture, du spiritisme et de la phonographie, et avec pour toile de fond l’incroyable histoire de la Maison de Sarah Winchester, une maison labyrinthique encore enveloppée de mystère*...

En 1884, convaincue qu’une malédiction s’abat sur sa famille, l’héritière du fameux armurier américain se lance dans la construction d’une maison afin d’apaiser les âmes des victimes de l’invention de son beau-père : la carabine à répétition. Une demeure incroyable en chantier permanent pendant 38 ans, les travaux ne s’interrompant qu’au décès de la propriétaire en 1922.

À L’ahah, aux côtés des œuvres de Jérôme Poret ainsi que d’un ensemble de livres, de disques vinyles sélectionné parmi sa collection personnelle et d'objets du PHONO Museum Paris, se tiendront une interprétation musicale de Maison-mère par son autrice Anaïd Demir et l'artiste Jérôme Poret, une visite du Père-Lachaise par l’historienne Stéphanie Sauget, une lecture de tarot par Florence Marqueyrol et bien d’autres surprises encore...

*Une exposition personnelle fut réalisée à cette occasion à La Maréchalerie centre d’art contemporain de L’EnsaV en 2019 (→ page)

Né en 1969, Jérôme Poret vit et travaille actuellement entre Montreuil et Paris. Il est diplômé de l’École Nationale Supérieure d’Art de Bourges (DNSEP en 1994) ainsi que de l’Institut international de musique électroacoustique de Bourges (CFEM d’électroacoustique en 2002), et a plus récemment fait partie de la Session X, « Soustraire », de l’Institut des Hautes Études en Arts Plastiques (en 2014-2016).
Artiste plasticien et compositeur, il est également commissaire d’exposition et directeur du label de disques (Labelle69). De 1997 à 2007, Jérôme Poret a assuré la direction artistique du centre d’art contemporain Le Transpalette/Friche Culturelle L’Antre-peaux de Bourges, cofondé avec l’association Emmetrop. Depuis, il continue à réaliser des expositions/programmations, et à produire des éditions et des disques vinyles via son label.
Le travail personnel de Jérôme Poret, qu’il soit plastique ou sonore, l’a amené, en France, en Europe et aux Etats-Unis, à participer à de nombreux concerts, festivals ou projections, mais aussi à bénéficier de résidences ainsi que d’expositions collectives et personnelles. Il a, entre autres, pu déployer ses œuvres au Frac des Pays de Loire à Carquefou, à La Station à Nice, au Confort Moderne à Poitiers, à L’Onde à Vélizy-Villacoublay, à l’Espace d’en bas à Paris, aux Instants chavirés à Montreuil, à La Maréchalerie de Versailles. En 2023, il bénéficiera à nouveau d’une exposition personnelle au CAC La Traverse d'Alfortville, ainsi que d'un commissariat avec le CAC Tignous, à Montreuil.

Jérôme Poret intervient régulièrement en écoles d’art et d’architecture (à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, à l’École nationale supérieure d’architecture Paris-Malaquais et à l’École nationale supérieure d’architecture de Versailles).

Visite du cimetière du Père-Lachaise à la recherche du cercueil de verre

Samedi 17 septembre 2022 • 15h
Rendez-vous à la porte principale du cimetière, sur le boulevard de Ménilmontant, face à la rue de la Roquette (métro Philippe Auguste)
Participation libre et gratuite dans la limite des places disponibles

Exposition WHISPER ROOM, La chambre murmurée du 10 au 17 septembre
A L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011

Première de couverture de l'ouvrage « Les Âmes Errantes, fantômes et revenants », dirigé par Stéphanie Sauget, Créaphis éditions, 2012

A l’occasion du finissage de WHISPER ROOM, La chambre murmurée, l’historienne, chercheuse et autrice Stéphanie Sauget proposera une visite guidée exceptionnelle le long des allées du mythique cimetière parisien du Père-Lachaise, au rythme de la légende planant autour du tombeau d’une certaine princesse russe du XIXème siècle et de sa fortune enfouie sous un cercueil de verre…

Stéphanie Sauget est professeure en histoire contemporaine à l’Université de Tours, directrice adjointe du Centre Tourangeau d’Histoire et d’études des Sources (CeTHIS) et autrice de plusieurs ouvrages, dont deux à paraître prochainement, La Gare Montparnasse, 24 heures de la vie d’une gare (1895) aux éditions Nuvis fin 2022, et Le Cercueil de verre aux CNRS éditions en janvier 2023.

Elle est intervenue dans plusieurs émissions radio, films documentaires et conférences, en France et à l’étranger, valorisant ses recherches autour, notamment, des cimetières, des maisons hantées ou encore des gares parisiennes.

Séance exceptionnelle de tarot divinatoire

Samedi 17 septembre 2022 • 18h
Exposition WHISPER ROOM, La chambre murmurée du 10 au 17 septembre
A L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011
Participation libre et gratuite dans la limite des places disponibles

© Theo Jarrier

Cartomancienne à ses heures, Florence Marqueyrol propose d'un tirage du tarot de Marseille pour faire émerger les aspects conscients et inconscients d'une situation ou d'une question posée par les consultant·e·s. Elle conçoit sa pratique comme une guidance et s'appuie sur l'interprétation et la lecture sensible et intuitive de la symbolique des cartes pour initier un dialogue de soi à soi.

La séance sera accompagnée des disques de la collection personnelle de l'artiste, musicien et commissaire d'exposition Jérôme Poret.

L'ahah sera ouverte de 14h à 21h samedi 17 septembre à l'occasion du dernier jour de l'exposition.

→ Page de l’exposition WHISPER ROOM

Florence Marqueyrol est médiatrice artistique et responsable du service des publics et du programme culturel à La Galerie – Centre d’art contemporain de Noisy-le-Sec. Elle est également chargée de cours à l’Université Paris 8 Vincennes – Saint-Denis (UFR Culture communication). Parallèlement, elle co-coordonne le groupe médiation de l’association d.c.a. et est membre de BLA! – association nationale des professionnel·le·s de la médiation en art contemporain.

Sleep Disorders

Les Armoires

Samedi 17 septembre 2022 • 14h-21h et sur rendez-vous
Présentation des meubles-expositions à L’ahah #Moret
24-26 rue Moret, 75011 Paris
Entrée libre et gratuite

© Sleep Disorders

Ayant pris leurs quartiers d’été à L’ahah #Moret, les Sleep Disorders proposent de dévoiler la toute première itération de leur dernier projet curatorial.
« Les armoires » réunit plusieurs pièces de mobilier, elles-mêmes transformées en expositions collectives évolutives. Ainsi cinq meubles-expositions accueilleront une vingtaine d'artistes complices !

Avec Nour Awada, Laura Gozlan, Bettina Samson, Marion Auburtin, Agnès Geoffray, Jin, Leif Elggren, Damien Cadio, Joan Ayrton, Guillaume Constantin, Jérôme Poret, Leila Brett, Julia Cottin, Alexandre et Florentine Lamarche-Ovize, Benjamin Hochart, Ingrid Luche, Michael Barthel, David de Tscharner, Estèla Alliaud, Sarah Tritz, Sébastien Gouju, Enrico Bertelli, Benjamin L. Aman.

Dans une armoire vitrée, deux tables de nuit, une armoire à pharmacie et une boîte à bijoux !

Sleep Disorders (→ site) est un duo curatorial formé en 2010 à Berlin par les artistes Marion Auburtin et Benjamin L. Aman, à la suite d’une exposition éponyme d’une nuit dans un lieu singulier de Kreuzberg : le Forgotten Bar.
Reprenant le titre de cette exposition inaugurale, Sleep Disorders se déploie, depuis, en une série d’événements investissant des centres d’art, des galeries, ou des lieux plus atypiques (notamment le Kosmetik Salon Babette à Berlin, le CAC Nei Liicht & Dominique Lang au Luxembourg, la Cité internationale des arts à Paris, La maison rouge et la Galerie Under Construction à Paris et Greylight project à Bruxelles). En 2015, durant leur résidence à la Box, galerie de l’école nationale d’art de Bourges, le duo a développé un travail éditorial et curatorial intitulé L’Heure du Loup. En 2016, ils ouvrent La Chambre, une petite pièce de leur habitation à Aubervilliers dédiée à des expositions personnelles d’artistes.
Sleep Disorders est devenu au fil du temps un projet d’artistes ayant fait de la nuit un médium en oeuvrant à la création de formes plastiques collectives (expositions, publications, performances, éditions, entretiens radiophoniques).

Homeshaping/Homeshaking : Modern odysseys

Avec Ouassila Arras, Daniel Galicia, Katrin Koskaru, Jean-françois Leroy, Raphaël Maman, Rayane Mcirdi, Yacine Ouelhadj, Jeanne Susplugas

Vernissage • Jeudi 30 juin • 17h-21h
Exposition collective du 30 juin au 9 juillet 2022
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Raphaël Maman, Charge [détail], 2021, matelas, briques, mortier, housse de coussin, béton, 90x190x15 cm. Crédit photo : Adrien Thibault

L’ahah s’engage aux côtés des écoles et des universités tant dans la recherche que dans la formation. Cette année, elle s’associe à l’IESA Arts&Culture, autour d’un projet artistique et pédagogique ambitieux : Homeshaping/Homeshaking : Modern odysseys, exposition collective conçue et organisée par Colette Cabaniss, Pranitha Joseph, Yifang Lin et Jeanne Mathas, toutes quatre issues du « MBA in Contemporary art: sales, display and collecting ».

Homeshaping/Homeshaking invite des artistes qui, par leurs œuvres, esquissent de nouveaux territoires et écrivent, ce faisant, leurs propres définitions de l'intime, du déplacement, de l'ancrage et du foyer. À l'aune de l'exacerbation des migrations forcées et des confinements successifs imposés, les déplacements revêtent de toutes nouvelles significations. Homeshaping/Homeshaking propose d'explorer et de déconstruire les concepts d'espace et de frontière. La pandémie mondiale de COVID-19, l'amplification de conflits armés, une crise écologique d'une magnitude sans précédent ont bouleversé tant notre relation à l'autre, aux autres, que notre appréhension de l'intime. Homeshaping/Homeshaking nous plonge au cœur de ce paradoxe d'hypermobilité et d'enfermement.

L’IESA Arts&Culture est un établissement d’enseignement supérieur privé reconnu par le Ministère de la Culture et de la Communication formant des étudiant·e·s et des professionnel·le·s aux métiers du marché de l’art et de la culture. S’inscrivant dans un réseau international, sa pédagogie allie l’étude critique des productions artistiques et l’acquisition de compétences professionnelles en production, gestion, communication, ou médiation. Dans le cadre du « MBA in Contemporary art: sales, display and collecting », Colette Cabaniss, Pranitha Joseph, Yifang Lin et Jeanne Mathas ont conçu Homeshaping/Homeshaking, respectivement en charge de la médiation et de la production, des aspects administratifs et financiers et du commissariat.
→ Site de l'IESA
→ Site du projet Homeshaping/Homeshaking

Après avoir obtenu une licence en histoire de l’art/gestion des arts à l’université de San Francisco, Colette Cabaniss a travaillé pour des galeries d’art, à Ken Fulk Inc ou encore la Saint Joseph’s Art Society, San Francisco. Pranitha Joseph a commencé par travailler dans le domaine de l’ingénierie et de l’édition avant de se tourner vers le monde de l’art. Elle a cofondé l’association Evigart ayant pour vocation la promotion de la création artistique du Kerala. Après avoir obtenu une licence en peinture à l’Académie des beaux-arts de Guangzhou, Yifang Lin a travaillé au musée public OCT Boxes Art. Ses recherches portent sur le marché de l’art contemporain en Chine. Diplômée d’un master en muséologie et un master en histoire de l’art appliquée aux collections (École du Louvre), Jeanne Mathas est chargée de cours en art moderne et contemporain (Institut Catholique de Paris), guide et chercheuse indépendante.

Jiggly Motions / Gigues moléculaires

Une exposition personnelle de Ran Zhang, en deux volets et sur deux sites, organisée par le Frac Occitanie Montpellier en partenariat avec L’ahah

Premier volet au Frac OM :
Vernissage • jeudi 30 juin 2022 • 18h00
Exposition du 1er juillet au 10 septembre 2022
Au Frac Occitanie Montpellier, 4 rue Rambaud, 34000 Montpellier

Ran Zhang, Jiggly Motions/Gigues Moléculaires, 2022

Poursuivant ses missions de diffusion de la recherche et de la création, L’ahah inaugure un nouveau cycle d’expositions personnelles des artistes qu’elle accompagne, hors de ses murs, et, pour ce faire, développe de riches collaborations avec des institutions publiques, des organisations privées ainsi que d’autres structures associatives.

C’est ainsi qu’Emmanuel Latreille, directeur du Frac Occitanie Montpellier, a invité Ran Zhang dans le cadre de la programmation 2022 de ce même FRAC, centrée autour des nouvelles technologies, pour une exposition multi-sites exceptionnelle.

Comment l’art contemporain s’empare-t-il des instruments qui offrent une perception nouvelle du monde, afin de produire des formes inédites de la réalité sensible ? C’est l’une des questions que pose cette ambitieuse programmation, et qui voit l’invitation de l’artiste chinoise que L’ahah accompagne depuis 2017.

Dans l’espace du Frac OM, Ran Zhang déploiera des impressions et peintures récentes ainsi que des displays, inédits, associant petits volumes et impressions/documents, dans la continuité des recherches qu’elle développe depuis une dizaine d’années autour d’images obtenues à l’aide de microscopes et de technologies informatiques.

Cette exposition personnelle au Frac OM se prolongera au Jardin Antique Méditerranéen, du 17 septembre au 30 novembre 2022, où se déploieront des pièces inspirées du jardin gallo-romain, réalisées spécialement pour cette exposition…

Née en 1981 à Tianjin (Chine), Ran Zhang vit et travaille entre Berlin et Rotterdam.
Diplômée de la Gerrit Rietveld Academie et de la Riksakademie van Beeldende Kunsten, elle a participé à de nombreuses expositions en France et à l’étranger, en 2012 à la Galerie Pont & Plas à Gand, en 2014 à la Future Gallery, Berlin et au Hexiangning Museum à Shengzhen en Chine ainsi qu’en 2017 chez Juliette Jongman, Amsterdam. Elle a bénéficié de prestigieuses expositions personnelles en 2015 à la Galerie Pascaline Mulliez, Paris et en 2020 à la Galeria Plan B, Berlin.
Ran Zhang est accompagnée par L'ahah depuis sa création en 2017, bénéficiant d’une exposition personnelle en 2020, Resolution of Traits.
→ Site

Le Fonds régional d’art contemporain Occitanie Montpellier (Frac OM) – désigné Languedoc-Roussillon jusqu’en 2016 – en cohérence avec sa mission fondamentale de collection, permet aux artistes de développer leur démarche et de donner de la visibilité à leur travail. Il propose une découverte de l’art contemporain à travers des expositions temporaires de productions inédites ou d’œuvres issues de la collection.
Sur le territoire régional, la diffusion de la collection se concrétise par la réalisation d’expositions avec de nombreux partenaires, par des prêts et des dépôts. L’action du Frac s’étend au-delà des limites géographiques de l’Occitanie en contribuant aux expositions monographiques ou collectives dans des institutions nationales et internationales.
→ Site

L'ahah Night

Nocturne le jeudi 23 juin 2022 •  de 14h à 21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

The Sombrero Galaxy in Infrared Light Crédit :  NASA/JPL-Caltech and The Hubble Heritage Team (STScI/AURA)

Jusqu'à 21 heures, jeudi 23 juin, les expositions de L'ahah vous ouvrent leurs portes !

Le temps d'une soirée, rejoignez L'ahah #Griset et L'ahah #Moret et plonger au cœur des univers de Katrin Koskaru et de Naoki Miyasaka.

Engine Noise from the Sun, l'exposition personnelle de Katrin Koskaru vous transportera au plus profond de la mémoire de l'artiste, ayant grandi en Estonie, sous l'occupation soviétique.
Et à L'ahah #Moret, faites l'expérience de 3 espaces – triangle équilatéral (carré 1414 mm rotation 45 degrés), installation immersive de l'artiste japonais Naoki Miyasaka, invité par Anne-Charlotte Yver, artiste soutenue par L'ahah.

Vous retrouverez à l'accueil de chacun des espaces d'exposition un corpus de documentation autour du travail des artistes, ainsi que les textes de Guillaume Lasserre et d'Anne-Charlotte Yver.

Prenez garde au compte à rebours, les deux expositions personnelles s'achèvent samedi 25 juin à 19h !

Projection-rencontre : Julia Borderie & Éloïse Le Gallo, avec Matthieu Duperrex

Vers une esthétique des sédiments

Le silence des coquilles

Jeudi 2 juin 2022 • 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

Julia Borderie & Éloïse Le Gallo,Eaux noires, eaux grises, eaux blanches et Sablier au CAC La Traverse, Alfortville. (Photo : R. Woodson)

Le collectif Dans le Sens de Barge fait escale à L’ahah et dévoile une nouvelle étape de son projet au long cours, Le silence des coquilles, co-conçu avec le duo d’artistes Julia Borderie & Éloïse Le Gallo.

En compagnie de Matthieu Duperrex, philosophe, maître de conférences en sciences humaines et auteur, entre autres de Voyages en sol incertain, Julia Borderie & Éloïse Le Gallo proposeront une plongée sensible dans les sédiments du bassin parisien.

Ponctuée de projections de films récents de Julia Borderie & Éloïse Le Gallo issus du projet Le silence des coquilles, cette discussion avec Matthieu Duperrex sera l’occasion de revenir sur un certain nombre de préoccupations partagées. Il sera question d’anthropocène et d’extractivisme, d’enquête de terrain et du sentiment géopathique, de marges et de latence...

→ Fondée en 2014, l’association Dans le Sens de Barge est née d’un rêve d’artistes et d’architectes : construire une embarcation navigable à la fois lieu de production en résidence itinérante sur la Seine et lieu d’exposition à quai. Au-delà des frontières administratives, ses projets artistiques favorisent le lien social et culturel au fil de l’eau. Le mouvement des idées est véhiculé par la mobilité des résidences et des expositions qui en découlent, entre l’Île-de-France et la Normandie. Ce collectif d’artistes construit sa programmation avec des partenaires le long du fleuve — musées, centres d’art et lieux d’enseignement — jouant ainsi le rôle de relai artistique dans le cadre du développement de l’Axe Seine. En lien avec de nombreuses collectivités, institutions, entreprises et établissements d’enseignement supérieur, l’association questionne ce territoire dans ses continuités : son écosystème, son histoire, sa culture, et ses savoir-faire. Site internet

→ Créé en 2020, par le duo d’artistes Julia Borderie & Éloïse Le Gallo, Le silence des coquilles est une recherche artistique autour des sous-sols du bassin de la Seine façonnés par la sédimentation de la vie animale de l’ancienne mer. Matière substantielle composant le corps de tout organisme vivant, détentrice d’informations, de raisons économiques et de frontières politiques, l’eau est considérée comme une collection d’imaginaires sociaux… Pensé/conçu en collaboration avec le collectif Dans le Sens de Barge, ce projet itinérant, se déployant entre Le Havre et la limite navigable de la Seine, nous invite à nous interroger sur notre rapport au fleuve, en explorant son potentiel artistique qui s’ancre dans une réalité environnementale, géographique, industrielle, sociale, patrimoniale et historique. Depuis sa création, ce projet se déploie sous la forme de résidences embarquées, d’expositions, de projections, de performances, de publications mais aussi de conférences et d’ateliers.

→ Julia Borderie & Éloïse Le Gallo, artistes françaises nées en 1989, mettent la rencontre au centre de leur démarche. Elles ancrent leur processus créatif dans une approche documentaire poétique. Des formes surgissent de l’interaction avec les personnes rencontrées dans des contextes spécifiques. Le sens se construit dans la plasticité des créations comme une mémoire sensible de ces rencontres. Leurs recherches se déploient sous diverses formes : expositions, films, performances, antenne radio, etc. incluant de multiples collaborations. Julia Borderie (diplômée de l’ÉNSA Paris-Cergy et de l’UQÀM) et Éloïse Le Gallo (diplômée de l’ÉNSBA, Paris) sont actuellement en première année au Fresnoy-Studio National des Arts Contemporains. Site Internet

→ Matthieu Duperrex est philosophe, maître de conférence en sciences humaines à l’École nationale supérieure d’architecture de Marseille. Auteur, artiste et théoricien directeur artistique du collectif Urbain, trop urbain (www.urbain-trop-urbain.fr), ses travaux procèdent d’enquêtes de terrain sur des milieux anthropisés et croisent littérature, sciences-humaines et arts visuels. Il propose dans ses interventions une vision artistique et anthropologique des sédiments des deltas fluviaux comme porteurs d’une nouvelle époque écologique. « Avec ses bouleversantes études de fleuves, Duperrex parvient à faire de la sédimentation à la fois une science des sols, et une philosophie de la nature extraordinairement labile et silencieuse. » (Bruno Latour) Publications : Voyages en sol incertain (Wildproject, 2019) et La rivière et le bulldozer (Premier Parallèle, à paraître en 2022).

Cet événement est produit par le collectif Dans le Sens de Barge.

Rencontre

Naoki Miyasaka et Anne-Charlotte Yver en conversation

Mercredi 18 mai 2022 • 19h–20h30
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

Photo © Aya Kawachi

L’espace d’une carte blanche, Anne-Charlotte Yver, artiste de l’association, devient commissaire, et invite l’artiste japonais Naoki Miyasaka, pour un solo-show exceptionnel à L’ahah #Moret...

3 espaces – triangle équilatéral (carré 1414 mm rotation 45 degrés) déploie, à l’échelle de l’espace d’exposition, « Three Spaces », projet par lequel Anne-Charlotte Yver avait découvert le travail de Naoki Miyasaka en septembre 2019 à Tokyo. Les deux artistes poursuivent, en effet, depuis leur rencontre leurs discussions sur les rapports d’échelle et l’expérience sculpturale du corps, à travers différentes collaborations.

Dans la salle de conférence de L’ahah #Griset, Naoki Miyasaka et Anne-Charlotte Yver reviendront sur l’exposition en cours, et partageront avec le public ces discussions passées, présentes et à venir. Les deux artistes évoqueront leurs préoccupations communes autant que leurs divergences dans leurs mises en œuvre, tout en croisant très librement leurs réflexions sur le Métabolisme japonais, l’utopie architecturale, l’équilibre des forces, la transformation et l’entropie, le prototype en art, le panoptique, la vision des insectes, le corps des pieuvres, l’expérience perceptive, etc.

Naoki Miyasaka, né en 1985 au Japon, vit et travaille entre la France et le Japon. Il est diplômé de l’Académie Royale des Beaux-arts de Bruxelles et d’un doctorat de l’Université des Arts de Tokyo. En 2019, il participe au programme Kyoto Art Center x Villa Kujoyama. La même année, il bénéficie d’une exposition personnelle à la Cité Internationale des Arts de Paris ainsi qu’au Tokyo Arts and Space Hongo à Tokyo. Depuis, il a participé à de nombreuses expositions personnelles et collectives.

Née en 1987 à Saint-Mandé, Anne-Charlotte Yver vit et travaille entre Paris, Ris-Orangis. Diplômée de l’École Nationale Supérieure des beaux-arts, elle obtient en 2013 une bourse de résidence de la Fondation d’Entreprise Hermès. Depuis 2012, elle a bénéficié d’importantes expositions personnelles. Artiste de L’ahah depuis 2017, elle y a bénéficié d’une année de recherche puis, à l’automne 2018, d’une exposition personnelle intitulée 3296.

Katrin Koskaru

Engine Noise from the Sun

Vernissage • jeudi 28 avril 2022 • 17h-21h
L'ahah #Griset, 4 cité griset, 75011 Paris

Exposition du vendredi 29 avril au samedi 25 juin 2022.

Katrin Koskaru, The sky above Annelinn, 2021. Tirage photographique sur papier mat, 30 x 40 cm. Photo © Katrin Koskaru

Le port du masque n'est plus obligatoire mais reste recommandé.

Naoki Miyasaka

3 espaces – triangle équilatéral (carré 1414 mm rotation 45 degrés)

Vernissage • jeudi 28 avril 2022 • 17h-21h
L'ahah #Griset, 4 cité griset, 75011 Paris

Commissariat : Anne-Charlotte Yver

Exposition du vendredi 29 avril au samedi 25 juin 2022.

© Marc Domage / L'ahah, Paris

Le port du masque n'est plus obligatoire mais reste recommandé.

Katrin Koskaru

Engine Noise from the Sun

Exposition personnelle du 28 avril au 25 juin 2022
Vernissage le jeudi 28 avril de 17h à 21h
À L’ahah #Griset du mercredi au samedi de 14h - 19h, sur rendez-vous via info[a]lahah.fr

Au printemps, Katrin Koskaru, soutenue par l’association depuis sa création en 2017, revient à L’ahah pour se confronter, cette fois-ci, au white cube de #Griset.

Avec "Engine Noise from the Sun", l’artiste estonienne ouvre un second chapitre de l'exposition donnée en septembre 2021 à la galerie Hobusepea de Tallinn, et poursuivra ses réflexions et expérimentations autour de la traduction de l’indicible en peinture, à travers ses collages et installations.

Libérée du châssis, la toile s’est chargée progressivement de pigments et de colles, en transformant l’aspect, la rendant difficilement identifiable mais surtout hautement sculpturale.

Enroulée, tressée, découpée, celle-ci esquisse des corps et des paysages dont quelques traces imagées rappellent les sources à partir desquelles travaille l’artiste : des illustrations ou des photographies d’objets, d’espaces, d’architectures témoignant de l’histoire des conflits et de leurs inscriptions en et autour de nous.

Katrin Koskaru est une peintre estonienne née en 1977. Diplômée du Royal College of Art de Londres et de l’Académie estonienne des arts, elle a bénéficié d’expositions personnelles au Tartu Art Hall (Tartu kunstimajas) en 2019, à la Galerie Pascaline Mulliez à Paris en 2016, à la Marlborough Fine Art Gallery de Londres en 2014. Ses tableaux ont également été présentés lors d’expositions collectives au musée Kumu de Tallinn en 2007 et 2012 ainsi qu’à la Tallinn Art Hall (Tallinna Kunstihoone) en 2014. Au printemps 2020, l’artiste bénéficiait d’une exposition personnelle à L’ahah #Moret : The line of little figures. Katrin Koskaru est soutenue par L’ahah depuis 2017.

3 espaces – triangle équilatéral (carré 1414 mm rotation 45 degrés)

Naoki Miyasaka

Commissariat : Anne-Charlotte Yver

Exposition personnelle du 28 avril au 25 juin 2022
Vernissage le jeudi 28 avril de 17h à 21h
À L’ahah #Moret du mercredi au samedi de 14h - 19h, sur rendez-vous via info[a]lahah.fr

© Marc Domage / L'ahah, Paris

Anne-Charlotte Yver, artiste de l’association depuis sa fondation, devient commissaire, l’espace d’une carte blanche, et invite l’artiste japonais Naoki Miyasaka, pour un solo-show exceptionnel à #Moret.

Naoki Miyasaka rejouera le projet Three Spaces par lequel Anne-Charlotte Yver avait découvert son travail en septembre 2019 à Tokyo : s’y côtoyaient des sculptures à l’échelle de l’architecture du lieu et de petites sculptures sur socle semblables à des maquettes.

Depuis, les deux artistes ont entamé une discussion sur les rapports d’échelle et de perception ainsi que sur l’expérience sculpturale du corps.

L’installation in situ pour l’espace de la rue Moret prolongera leurs réflexions autour de la sculpture et de ses enjeux ; différents échanges et temps de rencontres leur permettront d’ailleurs de partager avec le public les similitudes et différences dans leurs visions/approches.

Cette exposition a reçu le soutien de la Nomura Foundation.

pour mémoire
• Archive de 3 espaces – triangle équilatéral (carré 1414 mm rotation 45 degrés) (→ pdf)

Naoki Miyasaka, né en 1985 au Japon, vit et travaille entre la France et le Japon. Il est diplômé de l’Académie Royale des Beaux-arts de Bruxelles et d'un doctorat de l’Université des Arts de Tokyo. En 2019, il participe au programme Kyoto Art Center x Villa Kujoyama. La même année, il bénéficie d’une exposition personnelle à la Cité Internationale des Arts de Paris ainsi qu’au Tokyo Arts and Space Hongo à Tokyo. Depuis, il a participé à plusieurs expositions collectives internationales : "World Event Young Artists Festival de Nottingham en 2012, à l’espace Chic & Cheap de Liège en 2010 ainsi qu’à l’Ambassade du Japon à Bruxelles

Évanescences

Conversation entre Olivier Dadoun, physicien/informaticien, et Enrico Bertelli et Vincent Dulom, tous deux artistes de L’ahah.

Jeudi 24 mars 2022, 19h
à L'ahah #Griset

L’ahah vous propose un voyage aux confins de l’astrophysique et l’art !

Olivier Dadoun, physicien/informaticien au Laboratoire de Physique Nucléaire et des Hautes Énergies CNRS/Sorbonne Université-Université de Paris, s’entretiendra avec Enrico Bertelli et Vincent Dulom dans le cadre de leurs expositions personnelles à L’ahah, respectivement intitulées Dove Sei? et Tracer le peu.

«Le point de départ de notre intervention est une image issue d’une recherche en physique. Celle d’une trace laissée par le passage d’une particule subatomique dans un détecteur souterrain. Cette particule est un messager. Le témoin d’un phénomène astrophysique violent qui a eu lieu quelque part dans l’Univers. Après avoir traversé des distances astronomiques, celle-ci dépose une partie de son énergie dans le volume sensible de ces détecteurs, le rendant scintillant pendant une fraction de seconde. Dans ce laps de temps extrêmement court, son passage est alors “visible”. Grâce à un dispositif extrêmement sophistiqué et sensible, certaines de ses propriétés physiques peuvent être mesurées, permettant d’apporter quelques bribes de compréhension à l’histoire et au futur de notre Univers. Situés dans des cavernes ou des grottes pour se prémunir des “bruits extérieurs”, ces détecteurs ultra sensibles possèdent une esthétique qui leur est propre. Ils sont mystérieux et insolites.» (Olivier Dadoun avec Enrico Bertelli et Vincent Dulom)

Olivier Dadoun travaille depuis plusieurs années sur ces expériences d'astro-particules, et s’interroge sur l'imaginaire qu’elles renvoient. La rencontre avec les artistes membres Enrico Bertelli et Vincent Dulom sera l’occasion d’un échange informel entre Art et Science, autour de ces questionnements et à partir d’images en lien avec ces expériences que chacun d’entre eux aura sélectionnées, indépendamment.

→ Olivier Dadoun est physicien/informaticien au Laboratoire de Physique Nucléaire et des Hautes Énergies (CNRS-IN2P3/Sorbonne Université/Université de Paris). En 2003, il présente sa thèse de Doctorat en physique des particules sur la Mesure des neutrinos de réacteurs nucléaires dans l’expérience Borexino (Laboratori Nazionali del Gran Sasso LNGS-INFN Italie). Il participe aux expériences de détection de matière noire DarkSide et Xenon au Laboratoire du Gran Sasso.
Depuis 2014, il collabore régulièrement avec l’artiste Nicolas Darrot. Les oeuvres qu’ils ont conçues ensemble ont été notamment présentées à La maison rouge - Fondation Antoine de Galbert (2016), au Voyage à Nantes (2017) ou encore pendant les Nuits de la Philosophie (2018, 2019 et 2021).

→ Né en 1959, Enrico Bertelli vit et travaille entre sa ville natale, Livourne, et Paris.
Son travail a, entre autres, été exposé en 2011 à EX3, centre d’art contemporain à Florence, et à la Fondation Suisse de la Cité Internationale Universitaire de Paris, en 2013 à Sleep Disorders, Berlin, en 2014 au CIAC, Musée d’art contemporain de Genazzano, en 2017 au Studio MDT de Prato en Italie, et en 2020 au Musée d’art contemporain de Livourne dans le cadre d’une exposition sur la création contemporaine italienne.
Enrico Bertelli est soutenu par L’ahah depuis sa création en 2017. Il y a bénéficié d’une année de recherche en résidence dans les locaux de l’association puis, à l’automne 2018, pour l’inauguration publique de la structure, d’une exposition personnelle intitulée OLDER and YOUNGER.

→ Vincent Dulom est né en 1965 à Bagnères de Bigorre. Il vit et travaille à Paris.
Son travail a été montré a de nombreuses reprises en France, dans le cadre d’expositions personnelles ou collectives telles que, en 2010, à La fabrique de Toulouse et à L’espace d’art concret à Mouans-Sartoux ; la même année, en 2010, puis à nouveau en 2013, il participe à la Nuit Blanche à Paris, en tant qu’artiste associé. En 2016, il expose à l’Hôtel de l’industrie à Paris ; en 2017, à la BF15, dans le cadre du hors les murs de la Biennale de Lyon ; et en 2018, à la Chapelle de la trinité de Castannec-Bieuzy, à l’occasion de L’art dans les chapelles.
Vincent Dulom est soutenu par L’ahah depuis sa création en 2017 ; il y a bénéficié, en 2019, d’une double exposition personnelle intitulée Percée.

Entrée libre et gratuite. Accès sur présentation d’un pass sanitaire valide.
Port du masque obligatoire.

«Travioles»

Exposition, projections, lectures et rencontres à l'occasion du lancement du numéro 1 de la revue Travioles à L'ahah.

Vendredi 1er et samedi 2 avril, de 14h à 19h
à L'ahah #Griset

Travioles, revue expérimentale dédiée à l’art, la littérature et la philosophie, signe son grand retour, et fait son numéro à L’ahah !

À l’occasion du lancement du numéro 1 de sa nouvelle formule, lectures, projections et autres rencontres performées des contributeur·trices de la revue* se déploieront pendant deux jours au coeur d’un accrochage exceptionnel à L’ahah #Griset.

Profondément attachée au papier et à l’imprimé, Travioles revendique, outre sa grande liberté, le caractère irremplaçable de la revue comme espace de rencontres entre artistes et écrivain·e·s ; elle emprunte donc aux miscellanées afin de permettre aux réflexions et expérimentations autour des arts du tracé, quels qu’ils soient (dessin, écriture, typographie, photographie, etc.), de s’enchaîner joyeusement, sans hiérarchie aucune, et même « de traviole ».

L’accrochage proposé à L’ahah #Griset permettra à celles et ceux qui nous rejoindront de prolonger la déambulation papier par une déambulation physique – ou inversement, de commencer par la déambulation à #Griset avant de plonger entre les pages de Travioles.

Les deux jours d’ouverture de cet accrochage, en présence de Valérie Grall et de Didier Semin qui mènent aujourd’hui ce projet éditorial, seront ponctués de rendez-vous s’enchaînant avec le même désir de ne pas marcher droit et d’aller en toutes directions !

VENDREDI 1er AVRIL

16h • Projection et lecture de Mathilde Salve
16h30 • Lecture de Muriel Edelstein
17h • Lecture de Fabienne Radi
17h30 • Hortense Lyon lue par la comédienne Marion Kneusé
18h • Lecture de Bruno Gibert
18h30 • Lecture de Maougocha Goldberg
19h • Projection et lecture de Léa Dumayet et Philippe Longchamp

SAMEDI 2 AVRIL

14h • Lecture de Maougocha Goldberg
14h30 • Lecture de Vivianne Gypse
15h • Projection et lecture de Susanna Pozzoli
15h30 • Projection et lecture de Léa Dumayet et Philippe Longchamp
16h • Chant de Delphine Garcia Debord
16h30 • Défilé de mode de Léa Bouton
17h • Projection et lecture de Mathilde Salve
17h30 • Lecture de Bruno Gibert
18h • Grisélidis Réal lue par Coraly Zahonero

Et en continu, vendredi et samedi, les projections de :
« Jusqu’à écoulement des stocks », court métrage de Pierre Dugowson (2017) ; « Lotte Eisner — Un lieu, nulle part », film documentaire de Timon Koumalsis (2021) ; « La Rue », double diaporama de photographies de Frederic Wiseman (2021)

*Avec, pour ce numéro un de la nouvelle formule de Travioles, les contributions de : Evelyne Artaud, Léa Bouton, Marcel Cohen, Léa Dumayet, Muriel Edelstein, Delphine D. Garcia, Agnès Geoffray, Bruno Gibert, Maougocha Goldberg, Valérie Grall, Viviane Gypse, Nancy Huston, Timon Koulmasis, Jean le Gac, Elisabeth Llach, Philippe Longchamp, Hortense Lyon, Susanna Pozzoli, Fabienne Radi, Mathieu Renard, Mathilde Salve, Didier Semin, Marie Thurman, Frederick Wiseman, Coraly Zahonero.

→ Travioles a été fondée en 1999 par Antoine Gallien, Valérie Grall et Christian Jambet. Après 16 numéros ayant accueilli nombre de signatures illustres (Pierre Alechinsky, Camilla et Valério Adami, Charles Dantzig, Marie Darieussecq, Pierre Dumayet, Macha Makeïeff, Valérie Mrejen, Jean-Luc Nancy, parmi tant d’autres) aux côtés de premières parutions de tou·te·s jeunes artistes et écrivain·e·s, elle interrompt sa parution en 2012 avant de reparaître pour un numéro 0 au printemps 2021. Cette nouvelle version, qui entend poursuivre avec la même vision son travail d’entrelacs des tons, des genres et des personnalités, est aujourd’hui emmenée par Valérie Grall, cofondatrice de la revue en 1999, scénographe, et Didier Semin, conservateur, enseignant, critique et historien de l’art.

Casanova, Leone, Ratoci, Lorusso : des Italiens à Paris

Concert-lecture par l’Ensemble Spirituoso – Florentino Calvo (mandoline), Maria Lúcia Barros (clavecin), Philippe Foulon (violoncelle d’amour) et Stanislas de la Tousche (récitant)

Casanova, Leone, Ratoci, Lorusso...
Deux cent cinquante années séparent les migrations de ces quatre italiens.
Vers 1760, Gabriel Leone, maître de mandoline, participe aux salons parisiens. À la même époque, Casanova rédige « Histoire de ma Vie » où il décrit la société européenne du XVIIIe siècle.
Aujourd’hui, les contemporains Giulia Lorusso et Alessandro Ratoci composent selon une autre esthétique sonore, celle de la musique électronique, tissant un lien entre le passé et le présent, dans un jeu de miroir « baroque », où le Moderne rencontre l’Ancien.

Création de l’Ensemble Spirituoso avec le comédien Stanislas de la Tousche.
Coproduction du Festival de Musique Baroque de Pontoise.

→ Maria Lúcia Barros découvre le clavecin dans la classe de Marcelo Fagerlande à l’Université de Rio de Janeiro. À son arrivée en France en 1992, elle suit les cours d’Elisabeth Joy et de Pierre Hantaï. Depuis 2001, elle enseigne et intervient régulièrement dans des présentations de clavecins au Musée de la Musique. Avec Florentino Calvo, elle crée L’Ensemble Spirituoso, qui participe à de nombreux festivals et enregistre deux disques chez Pierre Verany.

→ Florentino Calvo est mandoliniste, guitariste et chef d’orchestre français, concertiste soliste et en musique de chambre avec le TrioPolycordes et L’Ensemble Spirituoso. Il dirige l’ensemble MG21 et l’Estudiantina d’Argenteuil. Il se produit régulièrement au sein de l’Orchestre du Théâtre National de l’Opéra de Paris, de l’Ensemble Intercontemporain ainsi qu’avec de nombreux autres ensembles. Depuis 2018, il est directeur artistique du Centre des Instruments à Cordes Pincées, «Les Pincées Musicales», en résidence sur la Ville d’Argenteuil.

→ Philippe Foulon, violiste et violoncelliste, obtient le Premier Prix au Conservatoire Royal de Bruxelles en 1983. Avec Wieland Kuijken, il se produit régulièrement en duo de violes. Il collabore avec les Arts Florissants, la Grande Écurie et la Chambre du Roi. Il joue en soliste ou avec des musicien·ne·s tel·le·s que Jaap Schroeder, Monica Huggett, Ton Koopman, Bob Van Asperen. Il a enregistré de nombreux disques, primés par diverses institutions.

→ Stanislas de la Tousche a été formé aux méthodes de l’Actors Studio et de Jacques Lecocq par Stéphane Lory, Blanche Salant et Éduardo Galhos. Au côté de Christophe Thiry, il joue Molière, Gringoire, mêlant tous les arts de la scène. De nombreux compagnonnages le font également sillonner le répertoire contemporain. Il a été narrateur-chanteur pour la Camérata de Boston, dans Le Roman de Fauvel, puis Guillaume de Machaut à la Cité de la musique de Paris et aux Flâneries musicales de Reims. En 2011, il crée la Compagnie 25 ter avec Géraud Bénech.

Entrée libre et gratuite dans la limite des places assises disponibles.
Fermeture des portes dès 20h, merci d’arriver au moins un quart d’heure avant le début de la représentation.
Accès sur présentation d’un pass sanitaire valide. Port du masque obligatoire.

Enrico Bertelli

Dove Sei?

Vernissage • samedi 22 janvier 2022 • 14h-20h
Exposition personnelle du mercredi 26 janvier au samedi 26 mars 2022
À #Griset du mercredi au samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous via info[a]lahah.fr

La lista compilata das boia 5, 2017, encre sur pvc, 200x250cm.

Pour sa deuxième exposition personnelle à L’ahah depuis sa fondation en 2017, Enrico Bertelli investira l'espace parisien dit #Griset .

Dove sei? qui signifie en français «Où es-tu ?» présentera un ensemble d’œuvres récentes de l’artiste italien, dont une vaste série éponyme.

Cette exposition sera l’occasion d’une collaboration avec Les Pincées musicales, centre musical d’envergure basé à Argenteuil et regroupant Le Trio Polycordes, L’Ensemble MG21, L’Ensemble Spirituoso et L’Estudiantina d’Argenteuil.

Avec Les Pincées musicales, Enrico Bertelli travaille sur la notion d’erreur, centrale dans son travail ; à leur invitation, l’artiste exposera également son travail, au côté de Gaetano Cunsolo, sur le site de l’Ancienne abbaye Notre-Dame d’Argenteuil, du samedi 12 mars au dimanche 3 avril 2022.

Né en 1959, Enrico Bertelli vit et travaille entre sa ville natale, Livourne, et Paris.

Son travail a, entre autres, été exposé en 2011 à EX3, centre d’art contemporain à Florence, et à la Fondation Suisse de la Cité Internationale Universitaire de Paris, en 2013 à Sleep Disorders, Berlin, en 2014 au CIAC, Musée d’art contemporain de Genazzano, en 2017 au Studio MDT de Prato en Italie, et en 2020 au Musée d’art contemporain de Livourne dans le cadre d’une exposition sur la création contemporaine italienne.

Enrico Bertelli est soutenu par L’ahah depuis sa création en 2017. Il y a bénéficié d’une année de recherche en résidence dans les locaux de l’association puis, à l’automne 2018, pour l’inauguration publique de la structure, d’une exposition personnelle intitulée OLDER and YOUNGER.

Vincent Dulom

Tracer le peu

Vernissage • samedi 22 janvier 2022 • 14h-20h
Rencontre avec l'artiste • samedi 5 mars 2022 • 14h-19h
Exposition personnelle du mercredi 26 janvier au samedi 26 mars 2022
À #Moret du mercredi au samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous via info[a]lahah.fr

Vincent Dulom, Marée (dessin performatif), 2021, fil d’acier (ø 0,18 à 1,5 mm), 98,5x194x32 cm, vue d’atelier, photo © Vincent Dulom

L’ahah a le plaisir d’inviter Vincent Dulom pour un solo-show exceptionnel entièrement consacré, pour la première fois, à sa pratique de dessin. A cette occasion, il investira L’ahah #Moret avec un ensemble d’oeuvres inédites – des dessins performatifs. Ces dessins faits de fils d’acier se deploieront dans l’espace, à la fois ancrés et en équilibre, fragile. Ils émanent, en effet, de l’attention tout particulière que l’artiste porte au matériau (à son élasticité notamment), aux jeux de forces qu’engage le pliage, ainsi qu’aux aspérités du lieu d’où ils surgissent. L’assemblage des parties, par contact, recouvrement, encastrement élastique, direct et démontable, dessine une construction précaire, souvent mouvante, insaisissable.

Vincent Dulom est né en 1965 à Bagnères de Bigorre. Il vit et travaille à Paris.

Son travail a été montré a de nombreuses reprises en France, dans le cadre d’expositions personnelles ou collectives telles que, en 2010, à La fabrique de Toulouse et à L’espace d’art concret à Mouans-Sartoux ; la même année, en 2010, puis à nouveau en 2013, il participe à la Nuit Blanche à Paris, en tant qu’artiste associé. En 2016, il expose à l’Hôtel de l’industrie à Paris ; en 2017, à la BF15, dans le cadre du hors les murs de la Biennale de Lyon ; et en 2018, à la Chapelle de la trinité de Castannec-Bieuzy, à l’occasion de L’art dans les chapelles.

Vincent Dulom est soutenu par L’ahah depuis sa création en 2017 ; il y a bénéficié, en 2019, d’une double exposition personnelle intitulée « Percée ».

Enrico Bertelli

Dove Sei?

Vernissage • samedi 22 janvier 2022 • 14h-20h
L'ahah #Griset, 4 cité griset, 75011 Paris

Exposition du vendredi 22 janvier au samedi 26 mars 2022.

Enrico Bertelli, Dove Sei? (détail), 2021, acrylique sur PVC, 150 x 100 cm. Photo © Enrico Bertelli

*Le port du masque est rendu obligatoire dans les lieux publics clos par le décret n° 2020-860 mis en oeuvre le 17 juillet 2020.

Vincent Dulom

Tracer le peu

Vernissage • samedi 22 janvier 2022 • 14h-20h
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

Exposition du vendredi 22 janvier au samedi 26 mars 2022.

Vincent Dulom, Marée (dessin performatif), 2021, fil d’acier, (ø 0,18 à 1,5 mm), 98,5 × 194 × 32 cm. Vue d’atelier, photo © Vincent Dulom.

*Le port du masque est rendu obligatoire dans les lieux publics clos par le décret n° 2020-860 mis en oeuvre le 17 juillet 2020.

Claire Chesnier

Par espacements et par apparitions

Ouverture • vendredi 15 octobre 2021 • 17h-21h
Exposition personnelle du samedi 16 octobre au samedi 18 décembre 2021
À L’ahah #Griset du mercredi au samedi de 14h - 19h, sur rendez-vous via info[a]lahah.fr

020421, 2021, encre sur papier, 170 x 134 x 5cm. Photo © Origins Studio Paris

En janvier 2020, Claire Chesnier rejoignait L’ahah en tant qu’artiste membre. Cette exposition est la première exposition personnelle de l’artiste au sein de l’association.

À cette occasion, elle investira le white cube de #Griset avec un ensemble d’œuvres pour la plupart inédites – de grandes encres s’arrimant aux murs, basculant sur socles parfois, faisant rouler l’espace autour d’elles d’autres...

L’expérience de la peinture se fera "par espacements et par apparitions", pour reprendre le titre de l’exposition. Laissant sa place au corps – de la peinture, de la peintre, des regardeuses et regardeurs aussi. Laissant leur place aux rythmes, aux mouvements – ceux des œuvres, mais également ceux de l’accrochage où se lira peut-être, certainement, en creux, le passé de danseuse de l’artiste et son amour pour la musique.

L’exposition sera d’ailleurs comme toujours à L’ahah l’occasion d’une programmation culturelle transdisciplinaire rendant compte de la diversité des sources d’inspiration de l’artiste.

Claire Chesnier est née en 1986 à Clermont-Ferrand. Elle vit et travaille à Paris. Lauréate du Prix agnès b. des Amis des Beaux-arts de Paris et du Prix Talents Contemporains de la Fondation François Schneider (Fondation de France), son oeuvre a fait l’objet de nombreuses expositions notamment à la Galerie du jour agnès b. Paris, à la Galerie Jocelyn Wolff Paris, à la Maison des Arts de Pékin, à L’art dans les chapelles, à La Banque de Béthune, aux Tanneries d’Amilly, au FRAC Auvergne ainsi qu’au MAC/VAL. Soutenue par la Galerie ETC à Paris, Claire Chesnier rejoint l’association L’ahah en janvier 2020.

The Recluse

Marthe Krüger

Ouverture • vendredi 15 octobre 2021 • 17h-21h
Exposition personnelle du samedi 16 octobre au samedi 18 décembre 2021
À L’ahah #Moret du mercredi au samedi de 14h - 19h, sur rendez-vous via info[a]lahah.fr

Marthe Krüger, -, 2013, Volte Studio, Lepizig. Photo © Marthe Krüger

L’ahah poursuit son ouverture en direction d’artistes non membres de l’association.

En parallèle de l’exposition personnelle de l’artiste membre Claire Chesnier à #Griset, c’est l’artiste allemande Marthe Krüger qui investira #Moret.

C’est la première fois que Marthe Krüger bénéficiera d’une exposition personnelle en France. Pour ce premier rendez-vous, l’artiste projette une proposition immersive à partir de dessins.

Intitulée The Recluse – c’est-à-dire, en français, «La Recluse» ou «Le Reclus», l’anglais laissant planer le doute —, cette exposition sera l’occasion de découvrir ce travail s’élaborant par strates visuelles, sonores et conceptuelles. Se jouant des notions de forme, surface, espace, perspective, ombre et lumière, enchevêtrant références à la mode, l’architecture et à l’histoire de l’art occidental, The Recluse met en place un système formel et philosophique autonome qui ne se donnera que par l’expérience...

Cette exposition est soutenue par le Goethe Institut.

Née en 1980 à Hambourg, Marthe Krüger vit et travaille à Berlin. En 2016, son travail est présenté en focus lors de Drawing Now Paris avec PA / Plateforme de création contemporaine. La même année, elle bénéficie d’une exposition personnelle à Leipzig, à la Kunstraum Michael Barthel. En 2015, elle participe à l’exposition collective Ceramics & Graphite, accueillie à ChertLüdde (Berlin, Allemagne). Deux ans plus tôt, son œuvre est exposé lors de la sixième édition de Sleep Disorders (projet des artistes Marion Auburtin et Benjamin L. Aman) à la Cité Internationale des Arts à Paris et à DMNDKT de Berlin. En 2012, c’est au Projektraum de la Galerie Eigen&Art de Leipzig qu’une exposition personnelle lui est dédiée.

Maylis de Kerangal et Claire Chesnier en conversation

Mardi 9 novembre 2021, 15h
à L’ahah #Griset

L’ahah a l’immense honneur d’accueillir l’écrivaine Maylis de Kerangal en dialogue avec l’artiste Claire Chesnier.
Rendez-vous le mardi 9 novembre à 15h à L’ahah #Griset au cœur de « Par espacements et par apparitions », l’exposition personnelle de l’artiste… Une rencontre dans l’intimité des œuvres où il sera peut-être question de ce qui habite les deux créatrices : ces lisières, ces seuils politiques, géographiques, existentiels, ces zones de transfuges, de transmutation ou d’alchimie…

→ Maylis de Kerangal, née en 1967, vit et travaille à Paris. Elle a été éditrice avant d’être autrice (pour les Éditions du Baron perché, aux Guides Gallimard puis à la jeunesse). Son œuvre, largement reconnu, a déjà reçu de nombreux prix, notamment avec son roman « Réparer les vivants » (2014) ensuite adapté au cinéma (ainsi que quelques autres de ses ouvrages). L’écrivaine s’est souvent penchée sur des sujets l’amenant à croiser les disciplines ; citons par exemple « Un Monde à portée de main » qui nous fait pénétrer l’Institut de peinture de Bruxelles. Avec « Chrome » (2020), elle participe aux premiers pas de la collection « Diaporama » de l’IMAC, laquelle invite des écrivain·e·s à parler de leur travail en s’appuyant sur les images de leur choix. Artiste associée de la saison 2019-2020 du Musée d’Orsay, elle a, pendant un an, invité des lycées d’Amiens à observer la présence du livre dans les tableaux : ces rencontres et réflexions ont données lieu à l’exposition « L’art se livre » (19 mai au 17 octobre 2021). Une autre exposition, en collaboration avec l’artiste Jean-Philippe Delhomme, ouvrira ses portes le 9 novembre au Musée d’Orsay – « Légende des réserves ».

→ Claire Chesnier est entrée à L’ahah en 2020. Par espacements et par apparitions est sa première exposition personnelle au sein de l’association. Elle se tient du samedi 16 octobre au 18 décembre 2021 (vernissage samedi 15 octobre de 17h à 21h) dans notre espace dit #Griset. L’artiste membre y présente un ensemble d’oeuvres pour inédites. Le temps de l’exposition est, comme toujours à L’ahah, marqué d’une programmation culturelle transdisciplinaire rendant compte de la diversité des sources d’inspiration de l’artiste.

À quoi tient la beauté des étreintes

Avec Claire Chesnier, Zrinka Stahuljak, Gaspar Claus et Jean-Charles Vergne

Samedi 16 octobre 2021, 15h-17h
à L’ahah #Griset

À l’occasion de son exposition personnelle, qui se tient à L’ahah #Griset du 15 octobre au 18 décembre 2021, Claire Chesnier imagine, en collaboration avec Zrinka Stahuljak, médiéviste et professeure de littérature comparée et de français à l’UCLA, une table ronde au titre évocateur : «À quoi tient la beauté des étreintes»*. L’artiste, membre de l’association depuis 2020, invite également pour ce faire, Gaspar Claus, violoncelliste et compositeur, et Jean-Charles Vergne, directeur du FRAC Auvergne.

Emmené·e·s par Zrinka Stahuljak, Claire Chesnier et ses complices exploreront quelques-uns de ces mondes enchevêtrés où, quelles que soient les disciplines artistiques, se frottent et parfois s’accordent des sources antagonistes, des sensations contraires, des temporalités irréconciliables. Ensemble, ils·elles tenteront ainsi de faire entendre la polyphonie à l’oeuvre dans un texte, un tableau, une musique – peut-être même les polyphonies, au pluriel, et leur intrication ou leur résistance les unes aux autres.

*Un titre précisément emprunté à une exposition collective conçue par Jean-Charles Vergne pour le FRAC Auvergne et à partir de sa collection, du 30 janvier au 27 mars 2016.

→ Claire Chesnier est entrée à L’ahah en 2020. Par espacements et par apparitions est sa première exposition personnelle au sein de l’association. Elle se tient du samedi 16 octobre au 18 décembre 2021 (vernissage samedi 15 octobre de 17h à 21h) dans notre espace dit #Griset. L’artiste membre y présente un ensemble d’oeuvres pour la plupart inédites. Le temps de l’exposition est, comme toujours à L’ahah, marqué d’une programmation culturelle transdisciplinaire rendant compte de la diversité des sources d’inspiration de l’artiste.

→ Zrinka Stahuljak est médiéviste, professeure de littérature comparée et de français à l’Université de Californie, Los Angeles (UCLA), où elle dirige le Centre des études médiévales et de la Renaissance (CMRS). Ses récentes publications sont Les Fixeurs au Moyen Âge : Histoire et littérature connectées (Le Seuil, 2021) ; Médiéval contemporain : Pour une littérature connectée (Macula, 2020), et L’Archéologie pornographique : Médecine, Moyen âge et histoire de France (PUR, 2018).

→ Le violoncelliste Gaspar Claus joue et écrit autant pour des ensembles que pour de grands événements – par exemple La Nuit en LA à la Philarmonie de Paris à l’occasion de la Nuit Blanche de 2017. Il dirige le label «Les disques du Festival permanent», accueillant notamment Sourdure et Borja Flames.

→ Jean-Charles Vergne est Directeur du FRAC Auvergne, critique d’art membre de l’AICA, commissaire d’expositions, auteur des podcasts Cartels sur l’art. Il a conçu de nombreuses expositions personnelles et livres, notamment à Luc Tuymans, Albert Oehlen, Richard Tuttle, David Lynch, etc. Il prépare l’installation du FRAC Auvergne dans son nouveau lieu, prévue à l’automne 2022.

→ Claire Chesnier est née en 1986 à Clermont-Ferrand. Elle vit et travaille à Paris. Lauréate du Prix agnès b. des Amis des Beaux-arts de Paris et du Prix Talents Contemporains de la Fondation François Schneider (Fondation de France), son oeuvre a fait l’objet de nombreuses expositions. Claire Chesnier est soutenue par la Galerie ETC à Paris. Elle est artiste-membre de L’ahah depuis janvier 2020.

Claire Chesnier

Par espacements et par apparitions

Vernissage • vendredi 15 octobre 2021 • 17h – 21h
L'ahah #Griset, 4 cité griset, 75011 Paris

Exposition du samedi 16 octobre au samedi 18 décembre 2021.

141020, 2020, encre sur papier, 173x134cm. Photo © Photo Origins Studio.

*Le port du masque est rendu obligatoire dans les lieux publics clos par le décret n° 2020-860 mis en oeuvre le 17 juillet 2020.

Marthe Krüger

The Recluse

Vernissage • vendredi 15 octobre 2021 • 17h – 21h
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

Exposition du samedi 16 octobre au samedi 18 décembre 2021.

Venez masqué·e·s (c’est obligé !) *

-, 2014, bois précieux, graphite, MDF, peinture murale, dimensions variable. Photo © Marthe Krüger

*Le port du masque est rendu obligatoire dans les lieux publics clos par le décret n° 2020-860 mis en oeuvre le 17 juillet 2020.

Subito Presto 3

Ouverture • samedi 11 septembre 2021 • 14h - 21h
Exposition collective du samedi 11 au samedi 18 septembre 2021
À L’ahah #Griset du mercredi au samedi de 14h - 19h, sur rendez-vous via info[a]lahah.fr

L’ahah est heureuse d'accueillir, pour l’une de ses deux « cartes blanches » de rentrée de 2021, l’exposition collective Subito Presto 3.

Avec les artistes : Erwan Ballan, Jérôme Boutterin, Marie-Claude Bugeaud, Nicolas Chatelain, Gabriele Chiari, Claire Colin-Collin, Flavie Cournil, Didier Demozay, Nathalie Hugues, Jean Laube, Anne Pons, Sylvain Roche, Camille Saint-Jacques, Emilie Satre, Alain Sicard, Annie-Paule Thorel.

Subito Presto ? « Faire subitement et prestement ce qu’on a envie de faire » répondent Allison Blumenthal et Claire Colin-Collin, artistes à l’origine du projet « Faire sortir les oeuvres des ateliers sans attendre qu’on le fasse à notre place. »

Né de l’envie des deux artistes, de dévoiler des oeuvres, tout droit sorties de l’atelier, sur un temps court et dans un espace prêté, la première édition en 2016 réunit 20 artistes au 78 rue du temple. La deuxième édition (2017) présentée à la Progress Gallery se dote d’une radio : Subito Radio (https://subitoradio.com/) prolongeant ainsi les nombreux et riches échanges entre les artistes durant l’accrochage.

Pour cette troisième itération, Subito Presto promet de nouveaux entrechoquements et belles complicités autour de la peinture.

Claire Colin-Collin est née en 1973 à La Tronche, et vit désormais à Pantin. Sa vie et sa recherche se sont organisées autour de la nécessité de peindre depuis les années 1990. Son travail s’élabore dans l’écart entre l’apparition et la rature, l’accident, l’enfouissement. « Le tableau est son propre motif. C’est ce qui est imprévu qui est vital : l’étonnement. » écrit-elle. Sa peinture se développe habituellement à l’atelier mais se confronte d’une autre façon au mur (à La Vigie à Nîmes en 2015, à L’Art dans les Chapelles en 2016-2017, au GMOMA en Corée pour l’exposition Mur/Murs#2 avec le Domaine de Kerguéhennec en 2018, à Progress Gallery en 2019), dans le sens d’un acte spécifique envers la surface du mur. Le travail de Claire Colin-Collin est soutenu par la galerie Béa-Ba à Marseille.

Revue N/Z

Hors-série - L'écriture en dialogue

L’ahah a la joie d’annoncer une programmation «hors-série» de la revue N/Z !

Ouverture • samedi 11 septembre 2021 • 14h - 21h
Exposition collective du samedi 11 au samedi 18 septembre 2021
À L’ahah #Moret du mercredi au samedi de 14h - 19h, sur rendez-vous via info[a]lahah.fr

Cette revue expérimentale de création, qui ajoute habituellement au format papier et en ligne celui de l’événement in vivo, se déploiera ici exceptionnellement sous la forme d’une exposition que viendront ponctuer différentes activations, de manière plus ou moins régulière...

À L’ahah #Moret, artistes, écrivain·e·s et poètes·se·s ayant contribué aux deux premiers numéros de la revue – ainsi que quelques autres, comme autant d’indices livrés quant à son troisième numéro, à paraître – se croiseront dans un accrochage autour de «L'écriture en dialogue» .

Ou comment tenter d’inscrire dans l’espace, le travail d’écriture et/ou en lien avec l’écriture, mais également de rendre compte des temporalités confuses et disjointes d’un événement performanciel qui s’étalerait finalement dans le temps et dans l’espace ?

L’écriture en dialogue est une exposition collective proposée par Sally Bonn pour N/Z.

Avec : Joan Ayrton, Luc Bénazet, Nicolas Bouyssi, Leïla Brett, Arno Calleja, Sépànd Danesh, Suzanne Doppelt, Frédéric Forte, Anne-Valérie Gasc, Agnès Geoffray, Christine Herzer, Élodie Issartel, Charlie Jeffery, Henri Lefebvre, Alban Lefranc, Laure Limongi, Christophe Manon, Julien Nédelec, Gaëlle Obiégly, Bertrand Rigaux, Sarah Ritter, scomparo, Agnès Thurnauer, Raphaël Tiberghien, Virginie Yassef.

Programme de performances et lectures :

Samedi 11 septembre 2021
15h → Henri Lefebvre
16h → Alban Lefranc avec Frank Williams
17h → Laure Limongi
18h → Frédéric Forte avec Leïla Brett
19h → Gaëlle Obiégly

Mercredi 15 septembre 2021
18h → Suzanne Doppelt
18h30 → Luc Bénazet

Jeudi 16 septembre 2021
18h30 → Nicolas Bouyssi / lecture Justine de Coen

Vendredi 17 septembre 2021
18h30 → Christophe Manon

Samedi 18 septembre 2021
15h → Christine Herzer
16h → Bertrand Rigaux
17h → Élodie Issartel / lecture Marie-Bénédicte Cazeneuve
18h → scomparo
19h → Raphaël Tiberghien

(L’accès aux performances est en entrée libre et dans la limite des places disponibles. Un pass sanitaire vous sera demandé à l’entrée des différents espaces de l’association. )

N/Z est une revue expérimentale de création qui croise les arts et les littératures sous toutes leurs formes et dans leur actualité. Elle cherche à explorer la manière dont aujourd’hui un dialogue peut se faire entre des pratiques plastique et des pratiques d’écriture. Elle interroge l’écriture à la fois comme but et comme outil (geste, fiction, mouvement) en invitant des artistes et des auteur·trice·s à prendre en charge une rubrique et y déployer leur travail sur la durée d’une édition qui comprend des soirées en public, un site Internet et une revue papier. N/Z est éditée par le Bureau des activités littéraires.

Dans les yeux de Jeffrey Silverthorne, une visite avec Michel Poivert

Vidéo mise en ligne le vendredi 19 mars 2021.

Rendez-vous sur la chaîne YouTube de L'ahah pour (re)voir toutes nos vidéos.

Docteur en histoire de l’art contemporain, professeur à l’Université Paris I Panthéon-Sorbonne, Michel Poivert propose, en vidéo, une déambulation dans les espaces de #Griset et #Moret, au coeur de «Pleasures, Sadness, Sometimes» de Jeffrey Silverthorne ; et évoque les œuvres exposées ainsi que d’autres, emblématiques du photographe américain.

Michel Poivert est Professeur d'histoire de l'art à l’Université Paris I Panthéon Sorbonne, où il a fondé la chaire d’histoire de la photographie, il est critique et commissaire d'exposition, et préside le Collège international de photographie du Grand Paris. Il a notamment publié La photographie contemporaine (Flammarion, 2018), Brève histoire de la photographie, essai (Hazan, 2015), Les Peintres photographes (ed. Mazenod, 2017), 50 ans de photographie française de 1970 à nos jours (Textuel, 2019). Il a notamment organisé les expositions «Gilles Caron, le conflit intérieur» (Musée de l'Elysée, Lausanne, 2013), «Nadar, la Norme et le Caprice» (Multimedia Art Museum, Moscou, 2015), «Gilles Caron Paris 1968» (Hôtel de Ville, Paris, 2018), «Phlippe Chancel Datazone» (Arles, 2019). Michel Poivert a également écrit, en 2016, «Perpetual studies, le désir ne meurt jamais» (texte pour le catalogue de Growing older, exposition personnelle de Jeffrey Silverthorne à la galerie Pascaline Mulliez).

Table ronde avec l'équipe de la revue Artpress «L'abstraction aujourd'hui»

Vidéo mise en ligne le vendredi 12 février 2021.

Rendez-vous sur la chaîne YouTube de L'ahah pour (re)voir toutes nos vidéos.

À l’occasion de la parution de son numéro 485 (février 2021), l’historique revue Artpress investit L’ahah le temps d’une table ronde modérée par Romain Mathieu, historien de l’art et critique d’art, concepteur et coordinateur du dossier thématique dudit numéro intitulé «L'abstraction aujourd'hui». Avec lui, les différent·e·s contributeur·trice·s poursuivront quelques-unes des pistes tracées dans la revue et en ouvriront peut-être d’autres... Seront donc présent·e·s pour ce faire (sous réserve) : la directrice de la rédaction d’Artpress Catherine Millet, et le critique d’art Karim Ghaddab, ainsi que les artistes Claire Colin-Collin et Claire Chesnier (artiste membre de L’ahah) qui reviendront plus longuement sur l’article qu’elles y ont écrit à quatre mains.

Claire Chesnier est née en 1986 à Clermont-Ferrand. Elle vit et travaille à Paris. Lauréate du Prix agnès b. des Amis des Beaux-arts de Paris et du Prix Talents Contemporains de la Fondation François Schneider (Fondation de France), son oeuvre a fait l'objet de nombreuses expositions notamment à la Galerie du jour agnès b. Paris, à la Galerie Jocelyn Wolff Paris, à la Maison des Arts de Pékin, à L’art dans les chapelles, à La Banque de Béthune, aux Tanneries d’Amilly, au FRAC Auvergne ainsi qu’au MAC/VAL. Soutenue par la Galerie ETC à Paris, Claire Chesnier rejoint l’association L’ahah en janvier 2020.

Claire Colin-Collin est née en 1973 à La Tronche (Isère). Elle vit et travaille actuellement à Pantin. Sa peinture est soutenue par la galerie Béa-Ba à Marseille. En 2019, elle expose à la galerie Frey à Salzburg (Autriche), à la galerie Béa-Ba avec Marie-Claude Bugeaud et Didier Demozay, et à l'Atelier 3D de Limoges avec Jean-François Demeure. Cette même année, elle présente une peinture murale à la Progress Gallery dans «L'autre partie du ciel». Elle a également été résidente au Domaine de Kerguéhennec (Bignan, Morbihan) et y a présenté son travail lors de l'exposition «PÉPINIÈRE 19», en 2020.

Catherine Millet est écrivain et critique d’art, directrice de la rédaction d’Art press, revue à la fondation de laquelle elle a participé en 1972. Elle est l'autrice de nombreux ouvrages sur l'art contemporain parmi lesquels Yves Klein (éd. art press/Flammarion, 1982), L'Art contemporain en France (éd. Flammarion, 1987, nouvelle édition mise à jour, 1994 puis 2005, 2015), L'art contemporain, histoire et géographie (éd. Flammarion 1997, nouvelle édition augmentée, «Champs Flammarion», 2006), Dalí et moi (Gallimard, 2005), Le Corps exposé (Cécile Defaut, 2011). En tant que commissaire d'expositions, elle a entre autres réalisé : Baroque 81 (Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, 1981), Douze artistes français dans l'espace (Tokyo, Séoul, 1985). Elle a également été commissaire de la section française de la Biennale de São Paulo en 1989, qui a reçu le Grand Prix du meilleur pavillon, et commissaire du Pavillon français pour la Biennale de Venise 1995. En 2001, elle a publié aux éditions du Seuil : La vie sexuelle de Catherine M., ouvrage qui a fait l'objet de plus de quarante traductions, puis en 2003, aux éditions Stock, Riquet à la houppe, Millet à la loupe, et en 2008, Jour de Souffrance, aux éditions Flammarion. Catherine Millet a publié son troisième ouvrage autobiographique, Une enfance de rêve, en avril 2014. D'art press à Catherine M., livre d'entretiens avec Richard Leydier paraît en 2011 aux éditions Gallimard. En 2012 et 2013 plusieurs événements et publications ont marqué l'anniversaire des 40 ans d'artpress, en particulier un album rétrospectif aux éditions de La Martinière et trois journées de rencontres, conférences et concerts à la Bibliothèque Nationale de France. En 2017, Catherine Millet publie Aimer Lawrence aux éditions Flammarion.

Karim Ghaddab est critique d’art, membre de l’AICA (Association Internationale des Critiques d’Art).
Il a écrit de très nombreuses préfaces de catalogues et collabore régulièrement à la collection «Beautés» (éditions Lienart). Parallèlement, il a assuré le commissariat scientifique de la première rétrospective de Marc Devade (musées de Coblence, Allemagne, et de Tourcoing en 2003-2004) et a conçu des expositions collectives : Céramiques et belles dentelles (Galerie Corinne Caminade, Paris, 2005), Hospitalité toi m’aime (Espace d’Art Contemporain Camille Lambert, Juvisy-sur-Orge, 2007) et ConDom (Galerie du Haut-Pavé, Paris, 2009). Il enseigne l’histoire et la théorie des arts à l’École Supérieure d’Art et Design de Saint-Étienne où il est coordinateur de l’option Art et co-fondateur du LEM (Laboratoire d’Expérimentation des Modernités).

Romain Mathieu est historien de l'art et critique d'art. Il enseigne à l'Ecole Supérieure d'Art et Design de Saint Etienne et à l'Université Aix-Marseille. Il a publié de nombreux textes dans des revues ou des catalogues d'exposition sur des artistes contemporains et sur l'art des années soixante et soixante-dix. Il est un contributeur régulier de la revue Art press et commissaire d'exposition. Il a été le commissaire de l'exposition Supports/Surfaces – les origines 1966-1970 au Carré d'Art de Nîmes en 2017 et co-commissaire de Après l'école, Biennale Art press des écoles d'art en 2020

Rendez-vous inaugural avec Jade Tang et Claire Kueny

Caresser l'histoire

Vidéo mise en ligne le mardi 2 février 2021.

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En ce rendez-vous inaugural l’artiste plasticienne Jade Tang présente la genèse et les enjeux de son projet Caresser l’histoire, qui, se déployant en contexte de chantiers d’aménagements urbains où se superposent des fouilles d’archéologie préventive, met à nu le processus par lequel l’histoire est dévoilée tout en accomplissant le projet qui l’a motivée*.

En compagnie de Claire Kueny, historienne de l’art aux pratiques poreuses, Jade Tang retrace la manière dont les chantiers urbains et archéologiques se sont progressivement introduits dans sa démarche en évoquant ses expériences artistiques et précise ainsi sa méthode de travail, sur les terrains parcourus. Les matériaux qui sont présentés sont le point de départ de sa réflexion et les prémices de ses réalisations à venir.

En effet dès automne 2019, Jade Tang s’ embarque sur le terrain de chantiers d’aménagements urbains où ont lieu d’autres chantiers... ceux des fouilles d’archéologie préventive. Là où elle pensait principalement observer l’histoire d’une ville, de ses habitant·e·s ainsi que de son bâti, auprès des archéologues et des ouvrier·e·s, elle va découvrir que les arbres et d’autres végétaux ont, eux aussi, une présence commune et récurrente dans chacun des chantiers où elle se rend. Le projet Caresser l’histoire s’intéresse à ces actant·e·s, dans une perspective à la fois historique et contemporaine et s’attardera sur ce moment-clef du chantier : cet espace-temps en transition.

*Caresser l’histoire est un projet mené par Jade Tang, lauréat 2020 du Fonds Régional pour les talents émergents (FoRTE), financé par la Région Île-de-France et réalisé en partenariat avec L’ahah.
Ce rendez-vous inaugural est le premier d’une série en ligne ou à L'ahah, ponctuant le processus de recherche de Jade Tang de moment de restitutions publiques et adoptant des formes diverses au gré des rencontres et des avancées (conférences, tables rondes, séminaires, ateliers, journée d’étude, exposition, etc.)

Porté par un intérêt profond pour les environnements et les matérialités mouvantes, le travail de l’artiste Jade Tang (née en 1990) évolue dans un écosystème d’idées et de formes, entre sculptures et sciences humaines et sociales, entre enquêtes de terrain et productions plastiques. Ainsi, sa pratique existe aussi bien dans des expositions (FRAC, artist-run-space, galerie, ou musée) que dans des publications (Talweg de Pétrole Éditions, Images Re-vues de l’EHESS et du CNRS-INHA, revue Possible, Leroy Merlin Sources) ou encore sous la forme de performances (Théâtre des Amandiers, Nanterre) ou d’outils dédiés à la réflexion (comme le site saisirlechantier.com) Elle se déploie sur un temps long. Ces dernières années, l’articulation entre pratique plastique et démarche anthropologique l’ont notamment conduite à travailler sur les chantiers, passant de la rénovation domestique à l’archéologie préventive en milieu urbain.

Claire Kueny est docteure en histoire et théorie de l'art, autrice d'une thèse sur l'utilisation des ombres projetées dans la sculpture au 20e siècle soutenue à l'Université Paris 8. Enseignante à l'Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon et critique d'art, ses recherches portent principalement sur la création contemporaine - et la sculpture en particulier. Elle travaille actuellement sur les notions de temps, de magie et de chantier, qui reflètent son attachement autant aux dimensions matérielles de l’art, qu’à ses réalités sensibles et enchanteresses.

Ernesto Riveiro

La peinture tohu-bohu

(Commissariat : Olivier Delavallade)

Triple exposition personnelle à Bignan (Morbihan) et à Paris.

L'ahah Paris #Griset & #Moret • 26.05.2021 → 17.07.2021 (du mercredi au samedi de 14h à 19h)
Domaine départemental de Kerguéhennec (Morbihan) • 22.05.2021 → 13.06.2021 (du mercredi au dimanche de 14h à 18h)

Du fait de la situation sanitaire, nous vous conseillons de prendre rendrez-vous pour visiter l'exposition via info@lahah.fr .

Ernesto Riveiro, Sans titre, 2008, dyptique, huile sur bois, 49 x 57 cm. Photo © Fabrice Gousset

L’ahah, en collaboration avec le Domaine départemental de Kerguéhennec (Morbihan), a l’immense plaisir d’inviter l’artiste franco-argentin Ernesto Riveiro, pour une exposition d’ampleur autour de son oeuvre se déployant sur trois lieux, à Bignan, en Bretagne, et à Paris dans les deux espaces de l’association L’ahah dits #Griset et #Moret .

C’est Olivier Delavallade, directeur artistique du Domaine départemental de Kerguéhennec (Morbihan), qui en assurera le commissariat.

«J’ai découvert la peinture d’Ernesto Riveiro à la fin des années 80, chez Françoise Palluel. À l’époque, l’artiste présentait des diptyques. J’appréciais la rigueur de ses compositions abstraites autant que la qualité picturale singulière qui se dégageait de ces œuvres contrastant avec la figuration débridée ou l’hyper gestualité en vogue ces années-là. Après avoir perdu de vue ce travail, je l’ai retrouvé avec un immense plaisir en 2015 dans l’exposition que Pascaline Mulliez présentait dans sa galerie de la rue de Montmorency. Il avait sensiblement évolué mais conservait toute sa tension picturale. Entre temps, le tableau avait retrouvé son unité, la couleur y était riche et dense, la texture généreuse ; la composition plus libre, restait toutefois fortement maîtrisée, sans lyrisme. L’exposition que j’ai imaginée, à l’invitation de Pascaline Mulliez qui a depuis fondé l’association L’ahah, se déroulera en un temps, deux mouvements et trois lieux. À Paris, dans le grand espace de L’ahah, dit #Griset, sera présenté un ensemble d’œuvres choisies afin de retracer et comprendre l’évolution de la peinture durant ces trente dernières années. Non loin de là, le plus petit espace dit #Moret, sera transformé en cabinet d’art graphique afin de montrer cette part essentielle de l’œuvre qui possède une réelle autonomie et sous-tend en profondeur le travail de peinture. Un peu plus à l’ouest, à Kerguéhennec (Morbihan), seront présentées les peintures les plus récentes ; le vaste espace des écuries autorisant l’exposition, en pleine lumière, de grands formats.»

— Olivier Delavallade, directeur artistique du Domaine de Kerguéhennec, prélude au texte qui sera spécifiquement écrit pour l'exposition personnelle d’Ernesto Riveiro à L’ahah #Griset et #Moret.

Né en 1947 à Buenos Aires en Argentine, Ernesto Riveiro (ernestoriveiro.com) s’initie en autodidacte au dessin et à la peinture, parallèlement à des études techniques et scientifiques. Il quitte l’Argentine en 1972 et s’installe à Paris où il se consacre dès lors à sa pratique artistique. Depuis 1996, il vit et travaille à la campagne à côté de Chambord.
Plusieurs galeries, dont Françoise Palluel, Patrice Carlhian et Elisabeth Valleix à Paris, ont exposé son travail dès la fin des années 80/le début des années 90, y compris en foires (la FIAC à Paris ou arteBA à Buenos Aires) ; depuis 2011, c’est la Galería van Riel à Buenos Aires qui accompagne l’artiste, avec la galerie Pascaline Mulliez à Paris, de 2015 à 2017.
D’importantes expositions personnelles ont déjà été consacrées à son œuvre : en 1990, au Centre d’Art Contemporain de Brétigny-sur-Orge et en 2008-2009, à l’invitation du 19 CRAC de Montbéliard, à l’École d’Art de Belfort et au musée de Champlitte – double exposition ayant donné lieu à l’édition d’une première monographie.

Jeffrey Silverthorne

Pleasures, Sadness, Sometimes

Double exposition du samedi 23 janvier au samedi 27 mars 2021
À #Griset et #Moret du lundi au samedi de 10h à 17h sur rendez-vous

Jeffrey Silverthorne, My mother, Nantois, 2019 © Jeffrey Silverthorne

Pour son retour en France, l’immense Jeffrey Silverthorne investira les deux espaces de L’ahah, #Griset et #Moret, avec une exposition personnelle dont le titre doux-amer rappellera à celles et ceux qui connaissent déjà l’œuvre du photographe américain sa terrible lucidité. Avec humour, toujours – qu’il esquisse un sourire tendre ou dresse un sourcil gêné...
Pour celles et ceux qui découvriront le travail de l’artiste, membre de L’ahah depuis sa création,
Pleasures, Sadness, Sometimes proposera un voyage à travers les différentes séries et époques de son œuvre et, s’affranchissant de toute chronologie, fera converser des photographies datant des années 1970 jusqu’à nos jours, incluant ses plus récentes productions, encore inédites.
De ces conversations entre photographies, qu’amplifieront certainement les regards complices, bruissera l’évidence : celle d’une incroyable inventivité formelle et d’une cohérence intellectuelle jamais démentie ; celle d’une complexité à l’image de l’existence – de plaisirs, de tristesse, de parfois.

«De ses premiers Polaroids (1968) à ses récents travaux, Jeffrey Silverthorne n’a eu de cesse d’interroger le désir et la mort. Les corps, alanguis ou terrassés, rencontrés au gré des hasards ou savamment mis en scène, agissent comme des points de contact entre le monde réel et les grands récits. Mais ni le caractère irruptif du quotidien, ni les artifices de la pose ne peuvent dissiper le mystère du temps et de l’inspiration créatrice, au cœur de l’œuvre de l’artiste.»

Sonia Voss, prélude au texte d'exposition. Le texte spécifiquement écrit pour l’exposition Pleasures, Sadness, Sometimes sera disponible durant toute la durée de l’exposition.

Né à Hawaï en 1946, Jeffrey Silverthorne vit et travaille à Providence, Rhode Island aux États-Unis. Parmi les expositions personnelles récentes de sa prestigieuse carrière internationale de photographe, on peut citer les rétrospectives de la Deichtorhallen de Hambourg en 2016, celles du FoMu d’Anvers 2015, ainsi que celles du Musée Nicéphore Niepce de Chalon-sur-Saône en 2014 et de la galerie VU’ aux Rencontres de la photographie d’Arles en 2008. Jeffrey Silverthorne a pris part à de nombreuses expositions collectives, notamment en France à la galerie Suzanne Tarasieve en 2015 et en 2008 à la Bibliothèque nationale et à la Maison d’art Bernard Anthonioz de Nogent-sur-Marne. Jeffrey Silverthorne est membre de L’ahah depuis 2017.
 

Bernard Gaube

I'm one of them

(Commissariat de Septembre Tiberghien)

Vernissage • samedi 10 octobre 2020 • 17h – 21h
Double exposition du mercredi 14 octobre au samedi 12 décembre 2020

→ L'exposition I'm one of them sera de nouveau visible du mardi 15 décembre au samedi 19 décembre 2020. Nous vous accueillerons à L'ahah #Griset et #Moret de 13h à 18h (attention, nouveaux horaires).
→ Nous vous recevons pour des visites guidées de l'exposition : réservation obligatoire dans la limite de deux personnes. Pour toute information et inscription, contactez-nous sur info@lahah.fr

Venez masqué·e·s (c’est obligé !) *
Entrée libre dans le respect des jauges en vigueur dans les espaces d’exposition (pour notre sécurité à tou·te·s). Armez-vous d’un peu de patience... ou appelez-nous avant de passer !
(Du gel hydroalcoolique est disponible sur place mais L’ahah encourage la consultation des documents de médiation/communication en ligne.)

Bernard Gaube, Language Boundaries, 2018, huile sur toile, 46 x 56 cm © Bernard Gaube

à découvrir
• Dossier de présentation, I'm one of them, solo-show, L'ahah #Griset et #Moret, 2020 (→ pdf)
• En images, I'm one of them, solo-show, L'ahah #Griset et #Moret, 2020 — avec un texte de Septembre Tiberghien (→pdf)

Déployée dans les deux espaces de L’ahah, #Griset et #Moret, I'm one of them, première exposition personnelle d’ampleur de Bernard Gaube en France, tentera de montrer différentes facettes de la pratique artistique de cet autodidacte qui n’a jamais cessé de renouveler son langage pictural.
Bernard Gaube, en effet, est devenu peintre il y a presque quarante ans, afin d’épouser un style de vie plus que la peinture dont il ignorait tout, tel que le dit l’écrivain Mario Vargas Llosa à propos de l’écriture. Il s’est engagé en peinture, [...] s’adressant à elle telle une altérité en face de lui. [...] Aujourd’hui, la question du montage, en voisinage avec la question du collage, et de l’association des processus de travail, est centrale dans le développement de sa pensée picturale.
Depuis 2003 et la publication de son premier «Cahier», l’artiste rassemble l’ensemble de sa pratique sous le titre «L’exercice d’une peinture». I’m one of them sera l’occasion de la publication du sixième opus de la série.

«C’est l’humanité qui rend possible la rencontre entre Bernard Gaube et la peinture, faisant de chaque tableau la réactualisation d’un monde possible. Cette condition d’existence est partagée à la fois par le peintre et le regardeur, deux entités distinctes qui pourtant s’unissent à travers leur désir réciproque de (re)connaissance. Ce que m’apprend la peinture de Bernard Gaube n’est pas de l’ordre d’un savoir-faire technique ni même d’un simple plaisir esthétique ; c’est une leçon de vie.
Son oeuvre toute entière se lit comme un roman d’aventures : on peut y suivre la traversée, année après année, d’une vie consacrée à réfléchir avec et sur la peinture. On y croise des avatars de l’artiste, figure d’éternelle métamorphose, ainsi que de nombreux autres personnages qui peuplent son imaginaire. Au-delà des hommes, il y a des paysages, des objets fétiches ou encore des images inscrites à l’intérieur de ses théâtres de formes, comme il les appelle. Au sein de l’atelier qui est son île et son refuge, le peintre élabore ses toiles, marie les couleurs et pratique l’art de la composition/décomposition avec hardiesse. Habité par son passé, mais néanmoins tourné vers le futur, il se synchronise avec la réalité d’un présent en mouvement, capté grâce à des outils numériques, comme la vidéo et la photographie, qu’il retravaille ensuite à travers des logiciels informatiques lui permettant d’exploiter les multiples potentialités de l’image.
Si la peinture de Bernard Gaube est si riche de virtualités, c’est qu’il n’a de cesse d’apprivoiser l’Autre, ce double de lui-même, à la recherche d’une unité.»

— Septembre Tiberghien, prélude au texte qui sera spécifiquement écrit pour I’m one of them de Bernard Gaube à L’ahah #Griset et #Moret, à découvrir à l’occasion du vernissage et durant toute la durée de l’exposition.

Bernard Gaube est né en 1952 à Kisantu en République démocratique du Congo ; il vit et travaille à Bruxelles. Son travail de peintre a fait l’objet de nombreuses expositions, notamment au Museum du Botanique (2016, Bruxelles) et à l’Institut supérieur pour l’étude du langage plastique (2008, Bruxelles). Ses oeuvres figurent dans plusieurs collections privées et publiques belges, telles que celles du Musée d’Ixelles et de Thomas Neirynck, Musée BAM (Mons, Belgique). Bernard Gaube a reçu différentes distinctions, dont le Prix Gustave Camus de l’Académie Royale des sciences, des lettres et des beaux-arts de Belgique pour l’ensemble de son oeuvre en 1998. Il a été représenté pendant plusieurs années par la galerie Rodolphe Janssen, Bruxelles. Il est aujourd’hui soutenu par L’ahah, Paris.

*Le port du masque est rendu obligatoire dans les lieux publics clos par le décret n° 2020-860 mis en oeuvre le 17 juillet 2020.

Table-ronde au Centre Wallonie-Bruxelles/Paris

Portrait de soi, portrait de l’autre

[Suite aux nouvelle mesures prises par le gouvernement et liées à l'épidémie de Covid-19 nous sommes au regret de vous informer de l'annulation de la table ronde Portrait de soi, portrait de l'autre qui devait avoir lieu au Centre Wallonie-Bruxelles ]

Samedi 21 novembre 2020 • 16h-18h
CWB, 46 rue Quincampoix, 75004 Paris

Venez masqué·e·s (c’est obligé !) *
Réservation indispensable auprès de reservation@cwb.fr

Photo © Patricia Mathieu

C’est au Centre Wallonie-Bruxelles, dont le mandat est de contribuer à valoriser les signatures artistiques belges francophones, que se tiendra cette table-ronde proposée dans le cadre de l’exposition personnelle de Bernard Gaube, I’m one of them (ouverte à L’ahah #Griset et #Moret du 10 octobre au 12 décembre 2020).

Modérée par Marie Cantos & Doria Tichit, codirectrices de L’ahah, cette table-ronde accueillera, aux côtés de l’artiste Bernard Gaube et la commissaire de l’exposition Septembre Tiberghien, Claude Lorent et de Christophe Veys.

Autoportraits ou portraits de soi ? Soi reste définitivement un·e autre dans nombre des portraits peints ou filmés de l’artiste lui-même et/ou de ses modèles complices : personnes réelles s’effaçant, devenant initiales, incarnant diverses occurrences de soi, des autres, puis se faisant motifs récurrents… Personnes sujets, personnes personnages, personnes « persona ».
Ensemble, modératrices et intervenant·e·s rayonneront autour de la notion de « portrait » dans l’œuvre de Bernard Gaube, de son actualité jamais démentie et de sa place centrale.

Bernard Gaube est artiste, membre de L’ahah depuis 2017. Claude Lorent est journaliste, critique d’art et commissaire d’exposition. Septembre Tiberghien, critique d’art et commissaire d’exposition. Christophe Veys est professeur d’histoire de l’art contemporain à ARTS²-Mons, collectionneur et commissaire d’exposition.

*Le port du masque est rendu obligatoire dans les lieux publics clos par le décret n° 2020-860 mis en oeuvre le 17 juillet 2020.

Bernard Gaube

I'm one of them

(Commissariat de Septembre Tiberghien)

Vernissage • samedi 10 octobre 2020 • 14h – 21h
L'ahah #Griset, 4 cité griset, 75011 Paris
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

Exposition du mercredi 14 octobre au samedi 12 décembre 2020

Venez masqué·e·s (c’est obligé !) *
Armez-vous d’un peu de patience… car L’ahah respecte les jauges en vigueur dans les espaces d’exposition, pour notre sécurité à tou·te·s !
(Du gel hydroalcoolique est disponible sur place mais L’ahah encourage la consultation des documents de médiation/communication en ligne.)

Bernard Gaube, « Étude pour un Robinson », 2015, huile sur toile © Luc Schrobiltgen

*Le port du masque est rendu obligatoire dans les lieux publics clos par le décret n° 2020-860 mis en oeuvre le 17 juillet 2020.

Conférence de Camille Paulhan

En remettre une couche. Une petite histoire artistique des caviardages et des effacements

Mardi 20 octobre • 18h-19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

Venez masqué·e·s (c’est obligé !) *
Réservation indispensable auprès de info@lahah.fr ou sur Eventbrite
(Places assises attribuées et à distance respectueuse ! Indiquez-nous si vous venez à plusieurs, nous regrouperons vos sièges !)

En écho aux processus de travail de Bernard Gaube, dont I’m one of them, double exposition personnelle, sera alors présentée à L’ahah #Griset et #Moret, Camille Paulhan partagera, le temps d’une conférence, quelques réflexions autour des pratiques d’effacement et de recouvrement, d’abord dans l’histoire de la peinture, ensuite au sein de certains travaux d’artistes récents.

À l’origine, confie-t-elle, il y a de petits personnages effacés aperçus dans des peintures du Musée des Beaux-Arts de Lyon, dont les silhouettes craquelaient à la surface comme de petits fantômes ; lui revient alors également en mémoire un œil aux contours à peine décelables, apparaissant sur le front d’une vierge de Mantegna, souvenir d’un visage repeint par l’artiste.

L’histoire picturale est faite d’effacements et de recouvrements, de gommages méticuleux comme de caviardages furieux. Mais davantage qu’une étude exhaustive de ces pratiques, l’historienne de l’art livrera plutôt ici un éclairage sur notre façon de voir les œuvres, et sur ce que ces actions successives, souvent oubliées au profit de la seule forme finale, nous disent de notre rapport aux images.

Camille Paulhan est historienne de l’art, critique d’art et enseignante en écoles d’art. Elle a soutenu en 2014 une thèse de doctorat portant sur le périssable dans l’art des années 1960-1970. Membre de l’AICA, elle écrit pour de nombreuses revues (art press, Esse, Espace, Hippocampe, 02, Possible, Josefffine, etc.) ainsi que pour des monographies et des catalogues d’exposition. Elle enseigne à l'Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Lyon et intervient régulièrement dans des écoles et des centres d’art pour des conférences ou des colloques. Parmi ses recherches récentes et/ou actuelles, on peut citer, en observant l’érudition et l’humour qui s’y frottent : irreproductibilités, art castelroussin, boulettes, œuvres en convalescence, chewing-gum, petites énergies, livres d’or, champignons, ateliers d’artistes, scarabées bousiers, etc.

*Le port du masque est rendu obligatoire dans les lieux publics clos par le décret n° 2020-860 mis en oeuvre le 17 juillet 2020.
(Du gel hydroalcoolique est disponible sur place mais L’ahah encourage la consultation des documents de médiation/communication en ligne.)

Sleep Disorders, épisode 21 : L'anniversaire

Finissage

Finissage • samedi 19 septembre 2020 • 17h-20h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Venez masqué·e·s (c’est obligé !) *
Réservation indispensable auprès de info@lahah.fr ou sur Eventbrite
(Places assises attribuées et à distance respectueuse ! Indiquez-nous si vous venez à plusieurs, nous regrouperons vos sièges !)

Sleep Disorders #8, performance à la Cité Internatiale des Arts © Sleep Disorders

17h • « Les archives de l’au-delà » • Conférence accompagnée d’extraits sonores et projections du philosophe et réalisateur radiophonique Philippe Baudouin. Une petite histoire de l’enregistrement sonore du point de vue des phénomènes paranormaux…

Suivi d’un Live musical de Maisons Brûlées • Musique électronique et projection

Philippe Baudouin est philosophe, réalisateur radio et enseignant à l'Université Paris-Saclay. Ses recherches sur l’histoire de l’occultisme l’ont amené à publier Les Forces de l’ordre invisible. Émile Tizané (1901-1982), un gendarme sur les territoires de la hantise (Le Murmure, 2016) ainsi qu'une anthologie sonore des phénomènes occultes, Spectra Ex Machina, parue sur le label Sub Rosa (2019). Il prépare actuellement un ouvrage sur les archives de la parapsychologie française, à paraître aux éditions de La Martinière (2021).

Un événement en partenariat avec DUUU – Unités Radiophoniques Mobiles avec la création d' un programme de créations sonores "Les 12 coups de minuit " : 12 propositions faites à 12 artistes de l'exposition "Sleep Disorders, épisode 21 : L'anniversaire" de créer une playlist qui sera diffusée sur la webradio, chaque soir à minuit, du 10 au 22 septembre.

*Le port du masque est rendu obligatoire dans les lieux publics clos par le décret n° 2020-860 mis en oeuvre le 17 juillet 2020.
(Du gel hydroalcoolique est disponible sur place mais L’ahah encourage la consultation des documents de médiation/communication en ligne.)

Sleep Disorders

Sleep Disorders, épisode 21 : L'Anniversaire

Vernissage • jeudi 10 septembre 2020 • 14h-21h
Exposition du vendredi 11 septembre au samedi 19 septembre 2020
À #Griset et #Moret du mercredi au samedi de 14h à 19h et sur rendez-vous

Venez masqué·e·s (c’est obligé !) *
Entrée libre dans le respect des jauges en vigueur dans les espaces d’exposition (pour notre sécurité à tou·te·s). Armez-vous d’un peu de patience... ou appelez-nous avant de passer !
(Du gel hydroalcoolique est disponible sur place mais L’ahah encourage la consultation des documents de médiation/communication en ligne.)

Sleep Disorders, Sleep Disorders, épisode 6,
Paris-Berlin, 2013 © D. R.

à découvrir
• Texte et guide de l'exposition Sleep Disorders, épisode 21 : L'anniversaire (→ pdf)

Sleep Disorders fête ses dix ans à L’ahah #Griset ! Le mystérieux duo y présentera, pour l’occasion, une exposition collective constituée d’oeuvres d’artistes invité·e·s au fil des ans : des habitué·e·s, pour beaucoup, des complices occasionnel·le·s, pour certain·e·s. C’est une trentaine d’artistes qui seront ainsi présent·e·s à #Griset, à travers leurs contributions diverses.
L’exposition – une quasi rétrospective ! – reviendra sur les nombreux épisodes du projet ainsi que sur plusieurs de ses développements parallèles tels que : L'Heure du loup en 2015 pour La Box de l’ENSA de Bourges, projet éditorial et curatorial se déployant sous la forme de quatre événements différents s’enchaînant selon les différentes phases du sommeil : La Malle en 2018, magazine et exposition collective dont l’ensemble tient, comme son titre l’indique, dans une malle ; et, enfin, La Chambre, lieu d’exposition créé en 2015 au coeur de l’atelier-logement que le duo occupe à Aubervilliers.

Aux oeuvres des artistes invité·e·s, Sleep Desorders mêlera des oeuvres qu’il aura lui-même produites ainsi qu’une documentation issue de ses archives photo, audio, vidéo, spécifiquement mise en espace. Fidèle à ses obsessions artistiques, le duo nous emmènera ainsi à nouveau aux portes du sommeil et de la nuit, là où, alors que le corps feint de se replier dans l’inactivité, émergent des zones de contrastes et d’incertitudes...

Avec les oeuvres d' Estèla Alliaud, Marion Auburtin, Joan Ayrton, Michael Barthel, Gilles Berquet, Enrico Bertelli, Barbara Breitenfellner, Leïla Brett, Damien Cadio, Emmanuelle Castellan, Boris Chouvellon, Guillaume Constantin, Colin Cook, Julia Cottin, Leif Elggren, Juliette Fontaine, Thierry Fournier, Anthony Freestone, Marina Gadonneix, Marcel Gähler, Agnès Geoffray, Sébastien Gouju & Hélène Bleys, Laura Gozlan, Sylvie Guillaume, Benjamin Hochart, JIN, Florentine et Alexandre Lamarche-Ovize, Benjamin L. Aman, Rainier Lericolais, Ingrid Luche, Mirka Lugosi, Maude Maris, Myriam Mechita, Christoph Meier, Nicolas Puyjalon, Thibaut de Ruyter, Bettina Samson, Julien Tiberi, Sarah Tritz, David de Tscharner, Donald Urquhart, Brigitte Zieger, Katharina Ziemke.

Sleep Disorders (sleepdisorders.fr) est un duo curatorial formé en 2010 à Berlin par les artistes Marion Auburtin et Benjamin L. Aman, à la suite d’une exposition éponyme d’une nuit dans un lieu singulier de Kreuzberg : le Forgotten Bar.
Reprenant le titre de cette exposition inaugurale, Sleep Disorders se déploie, depuis, en une série d’événements investissant des centres d’art, des galeries, ou des lieux plus atypiques (notamment le Kosmetik Salon Babette à Berlin, le CAC Nei Liicht & Dominique Lang au Luxembourg, la Cité internationale des arts à Paris, La maison rouge et la Galerie Under Construction à Paris et Greylight project à Bruxelles). En 2015, durant leur résidence à la Box, galerie de l’école nationale d’art de Bourges, le duo a développé un travail éditorial et curatorial intitulé L’Heure du Loup. En 2016, ils ouvrent La Chambre, une petite pièce de leur habitation à Aubervilliers dédiée à des expositions personnelles d’artistes.
Sleep Disorders est devenu au fil du temps un projet d’artistes ayant fait de la nuit un médium en oeuvrant à la création de formes plastiques collectives (expositions, publications, performances, éditions, entretiens radiophoniques).

Un événement en partenariat avec DUUU – Unités Radiophoniques Mobiles avec la création d' un programme de créations sonores "Les 12 coups de minuit " : 12 propositions faites à 12 artistes de l'exposition "Sleep Disorders, épisode 21 : L'anniversaire" de créer une playlist qui sera diffusé sur la webradio, chaque soir à minuit, du 10 au 22 septembre.

*Le port du masque est rendu obligatoire dans les lieux publics clos par le décret n° 2020-860 mis en oeuvre le 17 juillet 2020.

Sleep Disorders

Sleep Disorders, épisode 21 : L'Anniversaire

Vernissage • jeudi 10 septembre 2020 • 14h-21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Exposition du vendredi 11 septembre au samedi 19 septembre 2020

Venez masqué·e·s (c’est obligé !) *
Entrée sur présentation du carton d’invitation au vernissage ou de l’invitation numérique sur téléphone ou imprimée.
Armez-vous d’un peu de patience… car L’ahah respecte les jauges en vigueur dans les espaces d’exposition, pour notre sécurité à tou·te·s !
(Du gel hydroalcoolique est disponible sur place mais L’ahah encourage la consultation des documents de médiation/communication en ligne.)

« Sleep Disorders, épisode 21 : L’anniversaire » © Sleep Disorders, septembre 2020

*Le port du masque est rendu obligatoire dans les lieux publics clos par le décret n° 2020-860 mis en oeuvre le 17 juillet 2020.

Revue N/Z #2 : soirée de présentation

L’écriture en dialogue

[Suite aux mesures exceptionnelles prises par le gouvernement et liées à l'épidémie de Covid-19 nous sommes au regret de vous informer de l'annulation de la soirée de présentation performancielle de la revue N/Z #2, « L’écriture en dialogue ». Nous espérons pouvoir accueillir cet événement ultérieurement. Nous vous tiendrons informé·e·s sur nos réseaux sociaux et notre site Internet.]

Samedi 28 mars, 17h30-18h30
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

La deuxième édition de la revue N/Z est parue il y a quelques mois.
Pour cette dernière soirée de présentation de N/Z #2, les artistes, écrivains et poètes proposeront d’inscrire dans l’espace, et sous la forme de mini-performances, leur travail d’écriture ou en lien avec l’écriture.
Au sommaire de N/Z #2 : Sépànd Danesh, Suzanne Doppelt, Frédéric Forte, Anne-Valérie Gasc, Agnès Geoffray, Guerrilla Girls, Charlie Jeffery, Perrine Lamy-Quique, Alban Lefranc, Laure Limongi, Christophe Manon, Gaëlle Obiégly, Sarah Ritter, Charles Robinson, Agnès Thurnauer, Raphaël Tiberghien.

Visuel © Nicolas Pleutret

N/Z est une revue expérimentale de création qui croise les arts et les littératures sous toutes leurs formes et dans leur actualité. Elle cherche à explorer la manière dont aujourd’hui un dialogue peut se faire entre des pratiques plastique et des pratiques d’écriture. Elle interroge l’écriture à la fois comme but et comme outil (geste, fiction, mouvement) en invitant des artistes et des auteurs/trices à prendre en charge une rubrique et y déployer leur travail sur la durée d’une édition qui comprend des soirées en public, un site internet et une revue papier.

N/Z est éditée par le Bureau des activités littéraires. Elle sera présentée par Sally Bonn.

Lancement de revue

Lancement de Roven numéro 15

spécial « dessin et son »

Jeudi 10 septembre 2020 • 18h-21h
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

Venez masqué·e·s (c’est obligé !) *
Entrée sur présentation du carton d’invitation au lancement ou de l’invitation numérique sur téléphone ou imprimée.
Armez-vous d’un peu de patience… car L’ahah respecte les jauges en vigueur dans les espaces d’exposition, pour notre sécurité à tou·te·s !
(Du gel hydroalcoolique est disponible sur place mais L’ahah encourage la consultation des documents de médiation/communication en ligne.)

L’ahah est heureuse d’accueillir à #Moret, à l’occasion de la Belleville Night et en parallèle du vernissage de l’exposition collective Sleep Disorders, épisode 21 : L'Anniversaire #Griset, le lancement du tout dernier numéro de la revue Roven.

Intitulé « Nappes et sillons, du dessin au son et réciproquement », ce numéro 15 est un numéro spécial, entièrement consacré aux liens entre le dessin et le son. Coréalisé avec Marie Cantos, directrice artistique de L’ahah, il comprend plusieurs textes théoriques, des entretiens et des portfolios.

Au sommaire : « Tracer l'inarticulé » par Marie Cantos, « Le Sténographe et la mécanographe » par Damien Simon ; entretien avec Félicia Atkinson, Hendrik Hegray et Rainier Lericolais par Guillaume Constantin ; « La Pratique du dessin chez Max Neuhaus » par Matthieu Saladin ; « “C'est ce qui arrive quand on ne s'exerce pas à la maison”, ou l'épanouissement d'une musique rarement entendue » par Maike Aden ; « L'oreille cherche à voir », entretien avec Benjamin L. Aman par Julie Ramos ; portfolios de Alice Anderson, Clarissa Baumann, Dominique Blais, Alex Chevalier, Lars Fredrikson, Dick Higgins, Linda Karshan, Atsunobu Kohira, Sandrine Morgante, Morgan Patimo, Félix Pinquier, Bernard Pourrière, VOID, Sara Wallgren ; contributions artistiques de Farah Khelil, Élie Godard, Benjamin L. Aman.

Lancée en mars 2009, par Roven éditions, Roven est la première revue critique consacrée au dessin contemporain, dont elle aborde les multiples pratiques. Que le dessin existe de façon autonome ou qu’il soit une étape du processus créatif, il est un laboratoire de création, étroitement lié à toutes les disciplines et à tous les supports. Roven est née de l’envie d’accompagner cette vivacité du dessin contemporain dans une perspective critique, afin de stimuler le dialogue sur ce support et plus largement sur l’art contemporain. C’est une revue à l’identité visuelle et éditoriale forte, caractérisée par un contenu accessible de qualité, à la fois prospectif et international. Aujourd’hui, en 2020, le dessin bénéficie d’une grande visibilité, à laquelle la revue a grandement contribué.

*Le port du masque est rendu obligatoire dans les lieux publics clos par le décret n° 2020-860 mis en oeuvre le 17 juillet 2020.

Ran Zhang

Resolution of Traits

[ Suite aux mesures exceptionnelles annoncées par le gouvernement liées à l'épidémie de Covid-19, les portes de L'ahah sont fermées jusqu'à nouvel ordre. Nous vous tenons informé·e·s de toute l'actualité de l'association sur les réseaux sociaux : Facebook, Twitter et Instagram. En vous remerciant par avance de votre compréhension. ]

Vernissage • samedi 25 janvier 2020 • 17h – 21h
Exposition du mercredi 29 janvier au samedi 28 mars 2020
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

"Ran et moi avons entamé un dialogue intéressant sur l’idée de boucle dans son travail. Chaque fois que Ran regarde dans son microscope, elle peut voir ses propres cils projetés à l’envers et les myiodésopsies fixées sur les sujets observés. Elle voit à travers son propre corps les sujets étudiés de l’autre côté des lentilles. La micro-perspective est à jamais enfermée dans la possibilité de la machine, de même que la perspective atomique est à jamais enfermée dans la connaissance (biologie, chimie, etc.). Ainsi, les formes peintes qu’elle crée sont d’une part, ses propres myiodésopsies combinées avec ce qui pourrait être vu, et d’autre part, elles marquent et tracent l’emplacement où la vue peut atterrir sur les structures moléculaires en 3D, faisant de l’information (ces structures moléculaires 3D de la protéines motrices) une image. Les sources deviennent des matériaux ou des objets à entrelacer. Le travail (les photos) est une possibilité de voir ces connexions en une seule fois."

— Julia Geerlings, extrait du texte écrit spécifiquement pour l’exposition Resolution of Traits, L’ahah #Griset, 2019.

Katrin Koskaru

The line of little figures

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Vernissage • samedi 25 janvier 2020 • 17h – 21h
Exposition du mercredi 29 janvier au samedi 28 mars 2020
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret 75011 Paris

“Dans la rue de l’un des espaces d’exposition de L’ahah, il y a un coiffeur. À l’intérieur, entre les miroirs et la vitrine, sont fixés trois crochets où pendent des serviettes — une verte, une bleue, une orange vif. Je n’ai pas vu tout de suite que c’était un salon de coiffure, ni même de serviettes. À la place, j’ai pensé : une galerie, une œuvre, un rythme coloré sous l’éclairage trop blanc, une réussite, entrons. C’est là que j’ai compris. Quelques minutes plus tard, à L’ahah, j’ai appris que les pièces de Katrin Koskaru prendraient forme sur les lieux de l’exposition, au moment du montage. Les anticiper était impossible puisque la pratique de Katrin était en train de se modifier entièrement. On savait seulement qu’il s’agirait de tissus retravaillés installés dans l’espace par l’artiste — des toiles colorées devenant volumes, des effets de densité, des transparences, des présences.
En repartant, je me suis dit que parler des trois tissus sous la lumière du salon de coiffure serait une des manières d’écrire sur l’exposition sans mentir, de cheminer sur ses bords, de viser à côté sans la manquer tout à fait. "

— Nina Léger, extrait du texte écrit spécifiquement pour l’exposition The line of little figures, L’ahah, #Moret, 2019

Visite guidée des expositions de L'ahah

En collaboration avec AWARE

Dimanche 8 mars 2020, 14h30
RDV à L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée gratuite, réservation indispensable

L'association AWARE : Archives of Women Artists, Research and Exhibitions propose dans le cadre de ses visites mensuelles de découvrir les expositions de Katrin Koskaru "The line of little figures" et Ran Zhang "Resolution of Traits" à L'ahah "Moret et #Griset. La visite guidée des deux expositions sera conduite par Marie Cantos, directrice artistique et Doria Tichit, directrice manager.

Recourant à l’agrandissement microscopique et à diverses techniques graphiques et photographiques, Ran Zhang déjoue l’idée que l’on se fait de l’image d’un objet pour en explorer le processus de création. Dans sa dernière série, elle s’intéresse à l’infiniment petit et aux représentations des molécules, issues d’un travail de modélisation et donnant lieu à une esthétique particulière, non dénuée de poésie.

Sensible à l’atmosphère régnant dans certains paysages marqués par la violence et le pouvoir, Katrin Koskaru procède par abstraction pour essayer de communiquer l’invisible. Elle a collecté des images liées à l’actualité militaire et les a transposées en peinture en procédant par effacement pour répondre à la saturation autant qu’à la perte d’information. Les dernières œuvres de l’artiste introduisent un rapport inédit à l’espace, en écho à son intérêt pour l’architecture.

Inscription indipensable auprès d'AWARE en suivant ce lien : ow.ly/uCJj50ypD8v

Une fois par mois, AWARE s’associe à une institution culturelle afin de faire découvrir les œuvres et la vie des artistes femmes lors de visites menées par des conservateur·rice·s de musée ou des historien·ne·s d’art, dans les expositions et les collections.

Conférence de Dominique Peysson

La matière EST forme

Mardi 3 mars 2020, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

L’ahah a le plaisir d’accueillir l’artiste et chercheuse en arts et en sciences Dominique Peysson pour une plongée au coeur de la matière lors d’une conférence en résonnance avec l’exposition personnelle de Ran Zhang.

Malgré la diversité croissante des matériaux utilisés par les artistes, les analyses critiques sur l’art contemporain sont rarement abordées selon l’angle de la matière. La relation entre matière et forme, qui est depuis toujours un principe fondateur des théories philosophiques et esthétiques, appelle des conceptions différentes suivant le modèle de pensée dans lequel on se place. Or, les matériaux de haute-technologie bénéficient de pouvoirs incroyables, et ceci simplement parce qu’ils sont structurés intérieurement, à toutes les échelles de taille. Dominique Peysson propose de dépasser la relation entre matière et forme pour parler d’une matière-forme. Car la matière EST forme. Une matière non plus homogène, identique partout à elle-même, devant de se faire oublier, mais une matière complexe capable de comportements, s’approchant au plus près du vivant auquel cette matière se trouve même parfois hybridée.

Dominique Peysson vit et travaille à Paris. Elle est artiste plasticienne et chercheuse, après avoir été scientifique en science des matériaux. Elle propose des installations, vidéo et performances mettant en jeu des matériaux « responsifs », pour une interactivité avec le public ou l’environnement qui ne passe pas par l’informatique mais par la matière elle-même. Elle débute sa carrière professionnelle comme maître de conférences en physique pendant trois ans à l’Ecole Supérieure de Physique et Chimie Industrielle de la ville de Paris (ESPCI), après avoir fait un post-doc à l’université de Cambridge (Angleterre) et une thèse à l’ESPCI. Elle a ensuite suivi le cursus en art contemporain et nouveaux média à l’université Paris VIII. Sa thèse de doctorat, soutenue à Paris 1 Panthéon Sorbonne, explore les matériaux émergents à l’épreuve de l’art contemporain et les nouvelles formes de rencontre des sensibilités entre l’homme et la matière.

Ciné-conférence par Caroline San Martin et Marion Delecroix

Autour du film "Beau travail" de Claire Denis

Jeudi 6 février 2020, 19h-21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

A l’occasion de l’exposition personnelle de Katrin Koskaru, The line of little figures à #Moret, L’ahah propose une ciné-conférence autour du film Beau travail de la cinéaste Claire Denis (1999). La projection des dix premières minutes du film donnera lieu à une lecture croisée de ce long métrage, engageant un dialogue entre cinéma et peinture avec Caroline San Martin, maîtresse de conférences en écritures et pratiques cinématographiques à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne et Marion Delecroix, docteur en Sciences de l'Art de l'Université de Provence

Visuel © Pyramide

Après avoir enseigné l’analyse de film et l’écriture du scénario dans des universités françaises et nord-américaines, Caroline San Martin a été chargée de mission recherche à La fémis où elle continue d’enseigner l’histoire et l’esthétique du cinéma. Elle est aujourd’hui maîtresse de conférences en écritures et pratiques cinématographiques à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne. Elle est titulaire d’un doctorat en études cinématographiques de l’université d’Aix-Marseille et d'un doctorat de littérature comparée de l’université de Montréal où elle a fait partie d’un groupe de recherche sur l’esthétique de Claire Denis. L’étude de cette filmographie a donné lieu à plusieurs publications dont une sur Beau travail co-écrit avec Marion Delecroix.

Marion Delecroix est agrégée, docteur en Sciences de l'Art de l'Université de Provence (AMU). Sa thèse, sous la direction de Michel Guérin, interroge la métapicturalité des œuvres de Manet. Enseignante dans le secondaire en Arts plastiques et en Histoire de l’art, ses recherches portent sur la réflexivité des images et les liens entre les représentations picturales et l'imaginaire.

Ran Zhang

Resolution of Traits

Vernissage • samedi 25 janvier 2020 • 17h – 21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Exposition du mercredi 29 janvier au samedi 28 mars 2020

À l’occasion de son exposition personnelle Resolution of Traits, Ran Zhang invite Éric Giraudet de Boudemange à réaliser une performance inédite au coeur du vernissage et en dialogue avec les oeuvres présentées. Ensemble, les deux artistes feront le récit d'une métamorphose contemporaine empreinte de mythologie, de science et de culture pop.

Les oeuvres d’Eric Giraudet de Boudemange naissent d’un travail de terrain, une recherche ethnographique qu’il transforme à l’atelier en récits personnels et poétiques. Sous diverses formes, (films, installations, sculptures, performances, jeux vidéo), son travail s’articule autour du folklore et des savoirs séculaires dans un contexte économique et culturel globalisé.

Né en 1983 à Boulogne-Billancourt, Éric Giraudet de Boudemange vit à Paris et travaille en France et à l'étranger. Après des études à l’ENSBA, au Fresnoy et à la Rijksakademie à Amsterdam - où il se lie d'amitié avec Ran Zhang - il est invité à participer à plusieurs résidences artistiques en Europe, ainsi qu’au Caire (Townhouse gallery), à Cotonou (Mava) et à la Nouvelle-Orléans (Deltaworkers). Il est actuellement résident au CAC Brétigny. Plusieurs de ses performances ont été présentées au Centre Pompidou, à la Fondation Ricard et à La Criée de Rennes. Il a bénéficié d'expositions personnelles au Fries Museum, à Punt WG et à Billytown aux Pays-Bas. Avec Montagne de Lumière, dernièrement visible à la galerie Lily Robert, Paris, il ouvre le second chapitre de ses recherches chamaniques alpines présentées cette année au centre d'art Les Capucins à Embrun.

Katrin Koskaru

The line of little figures

Vernissage • samedi 25 janvier 2020 • 17h – 21h
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret 75011 Paris

Exposition du mercredi 29 janvier au samedi 28 mars 2020

Masterclass avec Emmanuel Finkiel

Organisée par Backstory L'association

Mardi 7 janvier 2020, 19h30
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

L'association Backstory - association du Master Scénario Université Paris Nanterre - organise entre les murs de L'ahah #Griset une rencontre avec Emmanuel Finkiel.

Scénariste et réalisateur, entre autres, de "Je suis un salaud" et de "La douleur", le cinéaste viendra échanger sur son parcours, de ses débuts d’assistant réalisateur à ses derniers projets. Il parlera de son rapport à l’écriture et à la mise en scène, des thématiques qui l’intéressent particulièrement et des différents formats audiovisuels avec lesquels il a travaillés – cinéma, télévisé, court-métrage, etc.
L’occasion, le temps d’une soirée conviviale, de rencontrer un réalisateur important et reconnu, et porteur d’un regard unique sur le monde du cinéma et sur la société…

Chacun·e sera invité·e à poser des questions à l’invité pour poursuivre la discussion !

BIOGRAPHIE
Assistant réalisateur – notamment pour Jean-Luc Godard – pendant 16 ans, Emmanuel Finkiel réalise son premier film, "Voyage", en 1999, pour lequel il se voit décerner le César du meilleur premier film. Il réalise ensuite plusieurs longs métrages reconnus par la critique et le public, comme "Nulle part terre promise" (2009), "Je suis un salaud" (2016) ou "La Douleur" (2017), adapté du roman éponyme de Marguerite Duras. Mais il s’essaie aussi à d’autres formats cinématographiques, des courts métrages aux films collaboratifs (Les Européens, 2006), du téléfilm (En marge des jours, 2007) au documentaire (Je suis, 2012).

FILMOGRAPHIE
1996 : Madame Jacques sur la Croisette (court métrage)
1997 : Regards d'enfance - épisode Mélanie (TV)
1999 : Voyages
2000 : Casting (court métrage)
2000 : Samedi (court métrage)
2000 : Dimanche (court métrage)
2000 : Lundi (court métrage)
2006 : En marge des jours (TV)
2009 : Nulle part, terre promise
2012 : Je suis
2016 : Je ne suis pas un salaud
2017 : La Douleur

BACKSTORY
Fondée en 2018 l'association Backstory réunit et représente les scénaristes diplômé·e·s du Master Scénario et écritures audiovisuelles de l’université Paris Nanterre. Backstory se donne pour mission de valoriser cette formation unique auprès du milieu professionnel de l’audiovisuel et du cinéma et de défendre le principe d’une formation au métier de scénariste et aux métiers du scénario.

Jean-françois Leroy et Guillaume Constantin

Cervalobélophilia

Samedi 14 décembre 2019, 17h-19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

Pour la troisième fois, les artistes Guillaume Constantin et Jean-françois Leroy s’associent pour concevoir ensemble un projet d’édition. En ce dernier jour des expositions d’automne de L’ahah, ils présenteront une série de sous-bocks réalisés selon différentes techniques d’impression et, pour la plupart, rehaussés à
la main. L’objet, singulier, sera ici prétexte à élaborer de petites pièces synthétisant leurs préoccupations communes, leur rapport à l’image et au recouvrement… Il sera aussi l’occasion d’un moment convivial.

Guillaume Constantin (né en 1974 en France) est artiste, commissaire d’exposition et programmateur Arts visuels des Instants chavirés. Il vit et travaille entre Montreuil et Paris où il est représenté par la galerie Bertrand Grimont. Le travail de Guillaume Constantin se construit à partir d’analogie et d’anachronismes, de prélèvements et de déplacements, bref, de rencontres. La collaboration est au coeur de son processus de recherche, et de mise en oeuvre.

Conférence de Monique Jeudy-Ballini

L’expérience du sensible : aspects du rapport au monde en Océanie

Mardi 26 novembre 2019, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

L’ahah est heureuse d’accueillir Monique Jeudy-Ballini, anthropologue au CNRS, pour une conférence sur l’expérience du sensible et les rapports différentiels à la couleur, aux émotions, au corps, à l’apparence et au temps.

Monique Jeudy-Ballini, anthropologue au CNRS initialement spécialisée dans l'ethnologie des sociétés océaniennes, a effectué plusieurs enquêtes en Papouasie Nouvelle-Guinée chez les Sulka de Nouvelle-Bretagne. En France, elle s’est intéressée à l’ethnologie d’entreprise après avoir effectué une étude de terrain dans l’industrie française du luxe. Elle a mené ensuite des enquêtes dans le milieu parisien des collectionneurs d’art primitif puis s’est intéressée à la manière dont les artistes contemporains européens intègrent des productions extra-européennes dans leurs oeuvres. Ses recherches actuelles portent sur les processus transculturels de réception et de réappropriation esthétiques.

Parmi ses publications : L’art des échanges. Penser le lien social chez les Sulka (2004) ; en coédition : People and Things. Social Mediations in Oceania (2002), Travailler à l’usine (2002), Les Cultures à l’oeuvre. Rencontres en art (2005), La Passion de l’art primitif. Enquête sur les collectionneurs (2008) ; Arts premiers et appropriations artistiques contemporaines (2017).
Aux Beaux-arts de Paris, elle a co-dirigé avec Maurice Godelier un collectif d’enquêtes ethnographiques menées par des étudiants : L’Anthropologie aux Beaux-arts (2018).

Lancement de la nouvelle collection des éditions Exposé-e-s

Library

Samedi 16 novembre 2019, 17h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

Exposé-e-s est un support éditorial et curatorial, créé en 2017 par Alex Chevalier et Guillaume Perez questionnant les espaces de monstration et d'intervention des artistes. Depuis 2017 ils publient POST, une revue trimestrielle sous forme de carte postale. En 2019, après deux années d'activités, les éditions Exposé-e-s lancent une nouvelle collection : Library. Chaque ouvrage invite un artiste à parler de son travail sans le montrer, sous la forme d’une édition monographique. Il-elle est libre d'y partager ses lectures et ses recherches selon les modalités de son choix, à la manière d’une visite d’atelier sur papier.
Lors de cette rencontre, Alex Chevalier et Guillaume Perez seront accompagnés d'Estèla Alliaud et Maxime Thieffine, les deux premiers invités de cette nouvelle collection. Ensemble, ils reviendront sur la genèse des éditions Exposé-e-s et sur la façon dont se sont construites ces deux premières éditions.

www.expose-e-s.com

Alex Chevalier est artiste, commissaire d'exposition et éditeur. Son travail a été présenté à différentes reprises, en France et en Belgique lors d'expositions (galerie Houg, Trois_A, le BBB, le 104, Lieu-Commun, l’URDLA, etc.). Du fait de son activité éditoriale, il a participé à différents salons d'édition (Colophon Artbooks, Libros Mutantes, Eat My Paper, etc.) et a publié différents articles et entretiens dans des revues spécialisées (Pli, Revue Point Contemporain, Hippocampe, etc). Depuis 2017, il est représenté par Documents D'Artistes Nouvelle-Aquitaine.

Guillaume Perez est artiste, membre de Documents d'artistes Auvergne-Rhône-Alpes. Son travail a récemment été montré à l'INSA Lyon en partenariat avec l'Institut d'art contemporain - Villeurbanne/Rhône-Alpes (Pavillon, 2018), à la Galerie municipale de Vitry sur Seine (Novembre à Vitry, 2018) ou encore à l'URDLA (Doppelgänger, 2016). Co-fondateur du projet d’édition Broadcast Posters, il a participé à plusieurs présentations et tables ronde autour de l’édition d’artiste (MAC Lyon en 2017, École des Beaux Arts de Nantes en 2018).

Performance de Miquel Mont

Traces distancées

Mardi 29 octobre 2019, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

© Miquel Mont

Dans le cadre de son exposition Oh my mind, my body's thinking, Jean-François Leroy invite l'artiste Miquel Mont à réactiver sa performance Traces distancées.

"Traces distancées est une réflexion adoptant la forme d'une conférence performative autour d'une série d'images projetées. Elle se développe selon le mode d'une association libre d'idées et d'images s'opposant ainsi aux constructions analytiques des discours dominants et ses modèles rhétoriques.
Alternant le sensible et le subjectif avec des données de l'ordre économique, social et esthétique de notre époque. Ainsi sont évoqués entre autres, les travaux d'artistes divers comme Adam McEwen, Karin Sinder, Pierre-Olivier Arnaud,... avec les accords de Bretton Woods, le FMI, l'abandon du patron or en 1971, les anarchistes espagnols du XXe siècle et des œuvres personnelles pour interroger notre rapport complexe aux images, à la notion de valeur, au travail ou à la manualité dans notre expérience artistique contemporaine."
miquel mont

Miquel Mont né en 1963 à Barcelone, vit et travaille à Paris. Son travail a dernièrement été exposé à Tabacalera à Madrid, à l'Artothèque de Vitré et à la Fundaciò Suñol de Barcelone. La galerie Formato Comodo de Madrid, Art dans les Chapelles, le CRAC de Sète et le FRAC Alsace ont révemment présenté son œuvre. Miquel Mont a participé à de nombreux projets collectifs tels qu’au Musée des Beaux-arts de Rouen, au Bohüslans Museum, Suède ainsi qu’à La maison rouge – Fondation Antoine de Galbert, Paris.

Vincent Hawkins

Growing a Soul

Exposition du mercredi 16 octobre au samedi 14 décembre 2019
vernissage • samedi 12 octobre 2019 • 17h – 21h
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret 75011 Paris

Vincent Hawkins, Plains, 2019, acrylique et encre sur papier, 152 x 121 cm

Fleur ou cœur ocre jaune aux arêtes cassées (Heart), coupes brutales et plis donnant formes colorées, constructions aux tons éteints dialoguant sur le mur dans des rapports d’échelle, jus acides sur lignes de pliage où la déchirure est autant manque que bord… dans l’évidence des gestes simples, rudimentaires (appliquer, plier, déchirer, couper…), dans la couleur maculant, traçant – une fulgurance improvisée –, dans la fragilité, tenant par rien ou presque rien, suspension – « comme une virgule » – est le chemin vers un équilibre précaire, dans la grâce du geste impensé amenant à formes imprévues, dans l’humeur des couleurs, la tonalité expressive comme éclats ou bribes affectives par la mémoire de, passant d’un état (chose) à l’autre par collisions d’intentions comme dans l’écart absolu entre la légèreté des papiers et le lyrisme sombre des toiles (Night Gardens) ou juste entre les deux (Plains), images ouvertes aux gestes rapides, d’un recouvrement noir, infléchissant les directions : formes à l’arrêt, tonalité, note, espace.

Éric Suchère, écrivain

Jean-françois Leroy

Oh my mind, my body's thinking

Exposition du mercredi 16 octobre au samedi 14 décembre 2019
vernissage • samedi 12 octobre 2019 • 17h – 21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

"Ceci/cela, Meuble/Sans meuble, mais aussi D’une chose l’autre, De biais et parfois de dos ou Assis/couché. Plusieurs titres soulignent la dualité qui traverse de part en part l’œuvre de Leroy : sculpture et peinture ; design et sculpture ; plat et tridimensionnel ; usiné et manuel ; etc. Le carton même de l’exposition « Oh my mind, my body’s thinking » — un titre ô combien duel — associe des éléments qui n’appartiennent pas au même registre iconographique. La sculpture Ceci/Cela a été redessinée sous trois angles différents par l’artiste Julien Tibéri, et placée au cœur d’un paysage forestier en noir et blanc, que nimbe un certain romantisme. De la sorte, la colonne, à la fois figure anthropomorphe et corps exaltant littéralement sa matérialité, devient-elle une image énigmatique, flottante.
Si, sur le carton d’invitation, Ceci/Cela va dans le décor, c’est à l’œuvre même et non à son image, qu’il arrive la même aventure. Regardez Oh my mind, my body’s thinking (2019) : l’image sylvestre du carton, désormais agrandie, recouvre la surface du mur tel un papier peint, que ponctuent ici et là de petites structures bricolées à l’aide de tasseaux de bois. Certes le bois pourrait être le dénominateur commun entre les conifères de l’image et les constructions fixées au mur. C’est toutefois la tension entre la sculpture et le décor qui l’emporte. Cette même dualité avait déjà trouvé à se manifester dans Sans titre (Fond) (2010) : un petit volume en bois, recouvert d’un crépi jaune et constitué de deux volets, révèle sur l’une de ses faces intérieures la photographie d’un trottoir souillé de déchets. Les fragments de bois semblent s’être déportés du tas de détritus de l’image au mur de l’espace d’exposition, pour y gagner une nouvelle fortune. La sculpture et l’image ; l’œuvre et le rebut ; le noble et l’ignoble."

Marjolaine Lévy, “Merlin”, texte écrit pour l’exposition Oh my mind, my body’s thinking, L’ahah #Griset, 2019.

Projection et discussion autour de « Crash » de David Cronenberg

Avec Anne-Charlotte Yver et Charlie Boisson

Mardi 24 septembre 2019, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles. Réservation conseillée à info@lahah.fr

L'ahah poursuit la projection de films choisis par les artistes-membres. En écho à leurs travaux, les sculpteur-rice-s Charlie Boisson et Anne-Charlotte Yver choisissent d’explorer Crash de David Cronenberg et les notions de fusion, de fétiche, d’exposition et d’haptique qui traversent le film, en dialogue avec Caroline San Martin, maîtresse de conférences et scénariste spécialiste de Cronenberg.

Anne-Charlotte Yver est née en 1987 à Saint Mandé. Elle est diplômée en 2011 de l’École Nationale Supérieure des beaux-arts de Paris avec les félicitations du jury ; l’année suivante, elle est lauréate de plusieurs prix de sculpture et sa première exposition personnelle a lieu à la galerie In Situ – Fabienne Leclerc. En 2013, elle obtient une bourse de résidence de la Fondation d’Entreprise Hermès et participe à « Nouvelles Vagues » au Palais de Tokyo. Son travail est exposé en 2014 au 59ème Salon de Montrouge, en 2015 à La nuit blanche, au CAC La Traverse ainsi que dans la programmation parallèle de la Biennale de Lyon. Ses œuvres sont montrées au Pavillon Vendôme en 2016, et en Italie au Castello di Lajone en 2017. En 2018, son exposition personnelle « 3296 » à L’ahah clôt une année de résidence dans les locaux de l’association.

Né en 1980, Charlie Boisson est diplômé de l’École des beaux-arts de Saint-Étienne en 2005 ; il vit et travaille à Paris. Son travail de sculpteur a été présenté en 2019 à L’ahah, en 2018 à la 68ème édition de Jeune Création et a bénéficié d’une double exposition personnelle, « La pantoufle invertie », à la galerie Tator et à Bikini, à Lyon. En 2017, il a pris part au Parcours St Germain et a figuré dans la sélection du 61e Salon de Montrouge en 2016. Il a également participé à la biennale off de Rennes à 40mcube en 2016 ainsi qu’au projet « Open sky museum » dans le cadre du programme « + de réalité » au Beaux-arts de Nantes en 2013. Charlie Boisson est membre de L'ahah depuis 2017.

Caroline San Martin est titulaire d’un doctorat en études cinématographique de l’université Aix Marseille et d’un doctorat en littérature comparée à l’université de Montréal. Après avoir enseigné dans plusieurs universités françaises et d’Amérique du nord, elle a été chargée de cours et responsable de recherche à La Fémis. Elle est désormais maîtresse de conférences en écritures et pratiques cinématographiques de l’université Paris 1 - Panthéon Sorbonne, membre de l’équipe d’accueil ACTE et membre associée de SACRe. Ses recherches portent sur l’analyse de film, les liens entre esthétique et histoire des arts de la représentation et sur la narratologie. Elle a publié dans plusieurs revues en études cinématographiques dont les éditions Mimésis, Cinémaction ou Mise au point et dirige la revue numérique Lignes de fuite. Elle prépare actuellement un livre sur David Cronenberg aux éditions Rouge Profond. Elle est par ailleurs scénariste et consultante à l’écriture.

Plateaux

Performance de Farah Khelil

Samedi 14 septembre 2019, 17h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

© Farah Khelil

Réalisateurs : Farah Khelil, Michaël Bertin, Bastien Germain, Eliot Jarcet et Julian Bruxelle.
Joueurs : Benjamin Blanchard, Théo Côme.
Conversation avec : Gaëtan Robillard, Franck Jedrzejewski et Antonia Soulez.

Plateaux (2019) est une performance sonore et expérimentale émanant d’une partie de Go) à laquelle se livrent deux joueurs en direct. Après avoir rejoué en 2017 la partie historique menée entre une Intelligence Artificielle (AlphaGo) et un champion du monde de Go (Lee Sedol) en une partition pour piano, Farah Khelil propose ici une application permettant de produire une mélodie générée au gré du déploiement des pierres sur le tablier de jeu. Ce programme est réalisé avec l’aide de Michaël Bertin, mathématicien, et trois étudiants musiciens et ingénieurs à l’IMAC, Bastien Germain, Eliot Jarcet et Julian Bruxelle.

Pendant que le match, disputé par Benjamin Blanchard et Théo Côme, deux joueurs amateurs de haut niveau (4e dan et 3e dan respectivement), suivra son cours en générant du son, une discussion entre Gaëtan Robillard (artiste), Franck Jedrzejewski (philosophe), Antonia Soulez (philosophe), Farah Khelil (artiste) et Michaël Bertin sera engagée avec le public autour de la portée pluridisciplinaire de ce projet, son rapport à l’art, au jeu, à la logique et à la musique, en tentant de définir ce que serait une oeuvre logicielle.

Plateaux (2019) a reçu le soutien de la Fédération Française de Go.

Farah Khelil est artiste auteure et chercheuse indépendante. Son œuvre conjugue livres d’artiste, vidéos, archives et display avec l’écriture et la recherche théorique. Elle a pris part à de nombreuses expositions collectives à l’international, comme au Kunstwerk Carlshütte (Büdelsdorf, 2019), à Ca’ del Duca, Corte del Duca Sforza, (Venice, 2019), à l’Institut français de Saint-Louis/Galerie du Fleuve (Saint-Louis, Sénégal, 2018), ou encore à l’Institut français de Tunisie (Sousse, 2018). Plusieurs expositions personnelles lui ont été consacrées, entre autres au Centre culturel international de Cerisy-la-Salle (Normandie, 2013), à l’Appartement (Paris, 2017) et à la Selma Feriani Gallery (Tunis, 2018). Son travail figure dans les collections du Frac Normandie. Elle est représentée par la Selma Feriani Gallery (Tunis/Londres) et Officine dell’Immagine Gallery (Milan). Elle a été nommée au Prix AWARE 2019.

Michaël Bertin, post-doctorant et chercheur en mathématiques appliquées, spécialisé dans la modélisation en physique et les approches probabilistes. Au laboratoire CMLA de l'ENS Paris-Saclay, à Cachan, Michaël a réalisé des recherches sur des techniques bayésiennes qui visent à exploiter des observations sismiques et acoustiques afin d'améliorer la prédiction des modèles. Aujourd’hui, il est chercheur au CEA au sein du Laboratoire des Recherches sur les Sciences de la Matière.

Bastien Germain, musicien et étudiant à l’Ecole d'ingénieur ESIPE-IMAC

Eliot Jarcet, musicien et étudiant à l’Ecole d'ingénieur ESIPE-IMAC

Julian Bruxelle, musicien et étudiant à l’Ecole d'ingénieur ESIPE-IMAC

Gaëtan Robillard est artiste et professeur associé à l’Université de Marne La Vallée. Il est diplômé du Fresnoy en 2013. Ses recherches artistiques et théoriques incluent l’émergence du Computer Art et de l’esthétique programmée en Europe dans les années 60 et 70. De plus Il développe une pratique de l’installation et des images génératives dans lesquelles entrent en jeu les mathématiques, l’histoire et la sémiologie. Son travail a été montré en France et à l’international, dans des lieux comme la fondation art-science Le Laboratoire, le Centre Pompidou de Metz, la Biennale d’art de Lyon, le Festival international de cinéma FID Marseille, l’Institut Konrad Lorenz à Vienne, le Palais de Tokyo, ou encore le CCS Bard Hessel Museum à New-York et le Pearl Art Museum de Shanghaï.

Franck Jedrzejewski est un mathématicien, philosophe et musicologue français. Enseignant-chercheur au Commissariat à l'énergie atomique et aux énergies alternatives depuis 1989, il a été vice-président du Collège international de philosophie et directeur de programmes. Il enseigne à l'université Paris-Saclay. Son dernier ouvrage s’intitule Hétérotopies musicales. Modèles mathématiques de la musique, préface par Hugues Dufourt, Paris, Hermann, 2019.

Benjamin Blanchard est joueur de niveau 4 dan actuellement licencié dans le club de Paris Jussieu. Il pratique le go en compétition depuis 2008.

Théo Côme est joueur de niveau 3 dan actuellement licencié dans le club de Paris Aligre. Il pratique le go en compétition depuis 2011.

SET UP #2

Performances, installations, lectures, projections…

Vendredi 5 juillet 2019, de 18h30 à 22h
L'ahah, 4 cité Griset + 24-26 rue Moret, 75011 Paris
Entrée libre

Restitution publique des projets de recherche de 4 binômes Artistes / Commissaires :

Anne-Sophie TURION & Jeanne MOYNOT + Richard NEYROUD
Laurent TERRAS + Léo MARIN
David RYAN + Francesca ZAPPIA
Florent MENG + Aurélie FAURE

Pour la deuxième année consécutive, le Réseau documents d’artistes et C-E-A s’associent pour présenter le programme de recherche SET UP. Dans ce cadre, 4 binômes Artistes / Commissaires ont été invités à engager des collaborations inédites, dont la restitution publique se déroulera à L’ahah. Des formes singulières de diffusion seront présentées, rendant compte des échanges et points de rencontre entre les démarches artistiques et curatoriales.

PROGRAMME

à partir de 18h30 - #Moret
Installation - Florent MENG + Aurélie FAURE

19h - #Moret
Présentation des binômes par le Réseau documents d’artistes, C-E-A et L’ahah

19h30 - #Griset
Lecture de David RYAN & Macdara SMITH + Francesca ZAPPIA

20h - #Griset
Présentation de l'installation de Laurent TERRAS + Léo MARIN

20h20 - #Griset
Ça reste entre nous, Conférence performée de Anne-Sophie TURION & Jeanne MOYNOT + Richard NEYROUD
Durée : 45 minutes

Soirée organisée par le Réseau documents d’artistes / Groupement inter-régional des sites Documents d’artistes et C-E-A / Association française des commissaires d’exposition, en partenariat avec L’ahah.

Projet réalisé avec le soutien du Ministère de la Culture - Direction générale de la création artistique.

Évènement Facebook

Charlie Boisson

Au ciel, sous terre, par tous les trous

Exposition du jeudi 9 mai au samedi 29 juin 2019
vernissage • samedi 4 mai 2019 • 17h – 21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

Illustration d'Arnaud Descheemacker

«Une question qui taraudait quelques sculpteurs des années 50 et 60 était celle de l’anthropomorphisme : il fallait se méfier des formes organiques, des dimensions proches de celles d’un corps humain et du collage de fragments qui pouvaient évoquer une structure complexe, un rappel des ensembles composés et sophistiqués que nous offrent la nature.

Cette ère a fait son temps et il semblerait que la sculpture est de nouveau question d’assemblages – assemblages de formes, d’objets, de textures, de consistances, mais aussi de fictions. On pourrait même écrire que les objets et les textures fonctionnent comme autant de récits qui, une fois les fragments assemblés, forment comme une nouvelle histoire. L’objet ancien et le nouveau se superposent comme différents moments d’un conte, le précieux et le trivial entament leur lutte des classes, l’organique se confronte à l’anonymat du géométrique, et peut-être les espaces vides (des tubes, des contenants) deviennent autant de mystères et d’ellipses contre le factuel d’un volume immédiatement reconnaissable. Leur mise ensemble et en scène déjoue de fait la description, car comment décrire un texte ? Qui plus est, comment décrire un texte dont on peine à percevoir un début ou une fin ?

Les assemblages de Charlie Boisson sont de cet ordre et leurs matières, leurs éléments, tiennent là comme autant de métonymies. Des parties pour des touts, différentes définitions ou approches fétichistes, l’orteil ou le pied pour le corps entier d’un amour forcément manquant et inaccessible, la sangle, l’élément de mobilier pour des pratiques plus ou moins fantasmées, un morceau de vitre pour une fenêtre disparue. C’est l’endroit où la mécanique de l’imaginaire fait une avec celle du désir, et qu’ils deviennent tous les deux hors de contrôle, frôlent le déséquilibre, effleurent la chute.»

– Damien Airault, extrait du texte de présentation de Au ciel, sous terre, par tous les trous, à découvrir à l’occasion du vernissage et tout au long de l’exposition.

www.damien-airault.com

Louis Gary

Mathilde et Mylène

Exposition du jeudi 9 mai au samedi 29 juin 2019
vernissage • samedi 4 mai 2019 • 17h – 21h
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret 75011 Paris

Louis Gary, Vue d'atelier, 2019

«À quoi s’attendre avec une exposition qui s’appelle Mathilde & Mylène ? Réponse circonstanciée de Louis Gary : “Cela évoque à la fois un titre de film d’Éric Rohmer qui n’existe pas, un duo de chanteuses de seconde zone, ou bien une pancarte ornée de ballons, au bord d’une route, pour signaler la tenue d’un anniversaire. Et, en même temps, c’est simplement le titre d’une œuvre, et simplement le prénom des deux personnes qui travaillent dans le lieu même où se tient l’expo : en même temps absolument fantasmatique, fictionnel et terre-à-terre.”»

Prémices
L’histoire débuterait donc ainsi, sur quelque chose de primesautier, personnel et polysémique. Si Louis Gary propose des formes délimitées (par un médium, une qualité de geste, une typologie d’objet), s’il sectorise et jamais n’amalgame ses différentes pratiques, il n’aime pas non plus jalonner les lectures. Parfois il faut prendre des routes très indirectes pour aller aux choses, parfois il faut faire le contraire. Ses oeuvres, qui stimulent la concentration de qui les regarde, ne révèlent pas vraiment comment elles doivent être regardées.

Horizon
Pour Mathilde & Mylène, le diapason serait-il photographique ? Aux murs de l’espace d’exposition, un capitaine se tient, hiératique, debout sur son bateau, une plante capte la lumière et des silhouettes féminines, plus ou moins nues, se fondent dans la moquette ou sont mangées par la nuit : telles sont les figures tutélaires qui se donnent la main autour de l’exposition, lui dessinent une sorte de périmètre mental qui peut se dilater souplement, avec cette ouverture sur la mer et tout ce foisonnement végétal. Horizon élargi. Ennui ou extase. Matière existentielle paisible. Mystère de l’amour et de l’amitié. Respiration. L’ensemble problématise des idées diverses : peu à l’aise avec la question du sujet en photographie, Louis Gary raccroche davantage ce médium à une histoire de situations, ici amicales et géographiques. Toutes ces photographies sont des portraits par ricochet, qui disent aussi le rapport au paysage, la filiation, la représentation de l’artiste (soi-même et l’autre), la belle banalité d’une certaine esthétique minimale. Pour l’accrochage, l’artiste fuit la mise en page iconisante, où le regard serait trop balisé : il n’en rajoute pas non plus côté photo vintage, ses images prises à la chambre avec du film radiographique portent cela suffisamment dans leur ADN. L’encadrement, 100% plastique blanc laiteux, renseigne bien sur la précision des intentions.

Mener en bateau
Que se passe-t-il lorsqu’un bateau en croise un autre ? Qu’ils se rapprochent puis s’éloignent ? Louis Gary se livre ici à cette petite intrigue spéculative, simple et complexe à la fois. Au centre de l’espace, il fait trôner une sculpture qui ressemble à un bateau préhistorique en pâte à tarte, avec un rebord pour que les bonhommes ne tombent pas. Cette embarcation, à la surface texturée façon faux-rocher pour boîte de nuit tropicale, abrite un passager animal de facture brute, une sorte de chien triangle qui contemple sa niche triangle, bâtie comme un château de carte. Le contraste chromatique (vert prairie versus orange ocre) pique la rétine. Le drame qui se joue ici (pourquoi ce bateau est-il coupé en trois ? à quoi sert cette bonde ?) est aussi celui des volumes et des surfaces, des pleins et des vides, des codes couleurs. Louis Gary cherche la limite, cette borderline où se mêlent des gestes de sculpture basiques (les attributs archétypaux de la préhistoire, pré-révolution néolithique, sont là) et des réflexions sur un art qui ne dit pas clairement son destinataire. Ce qui était bateau est devenu conversation piece*, et plus le visiteur s’efforce d’en enclore le sens, plus l’incertitude le gagne, plus il regarde alentour.

Mongolos
Alentour, il trouve quelques Mongolos. Si l’appellation n’est pas politiquement correcte, elle n’est pas péjorative non plus : elle désigne, dans la production sculpturale de Louis Gary, des objets empiriques, qui ne sont pas savants mais ne relèvent pas non plus de l’art brut, des objets qui témoignent d’un élan figuratif, longtemps refoulé par l’artiste. Les Mongolos ont d’abord adopté des couleurs douces et des formes assez lisses, laquées : le mystère peut toutefois surgir de la ligne claire ! Ces derniers temps, ils deviennent plus rêches, ils balancent davantage entre peinture et coloriage et se coltinent la brutalité des surfaces.

Hors-champ érectile
Retour sur les deux héroïnes qui travaillent là, Mathilde & Mylène, mises en abyme par Louis Gary dans un bas-relief au titre éponyme, accroché précisément sur leur bureau de travail : avec ce miroir mal fait, l’artiste distille à nouveau le doute, sur son rapport au réel, à la sculpture, à la peinture et au design mobilier. Il marque aussi son intérêt pour la question du décoratif comme principe de proximité. En bas à droite de ce bas-relief qui s’apparente à un habillage de comptoir aux accents cartoon, une trappe s’ouvre et laisse apercevoir la vue d’une clairière, au milieu de laquelle se trouve un dolmen : le hors-champ érectile de l’exposition se cache peut-être là, dans le Morbihan en été, à contempler un geste simple, soit toute l’humanité projetée dans un bout de caillou.

– Éva Prouteau, texte de présentation de l’exposition Mathilde et Mylène, avril 2019.

Conférence de Yoann Dumel-Vaillot

Fétichisme en féerie, la voie secrète des talons trop courts, ou le tombeau de Cucendron

Mercredi 26 juin, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles. Réservation conseillée à info@lahah.fr

Talons suspendus à quelques centimètres du sol, dans son agencement un embauchoir évoque le bec d’une oie. Deux pieds d’or pisciformes, petite lumière vivante qu’on observe au travers d’un trou. Dès les plus anciens textes sacrés de l’Inde, on trouve cette image obscure selon laquelle « la jeune fille sans pieds s’avance la première, parmi les êtres pourvus de pieds » (Rig-Vêda). Son nom est Ushas, c’est l’Aurore : elle pointe alors ses premières lueurs, mais elle est encore apâd, « dénuée de pieds ». Elle rampe, telle une serpente, du fond de l’Obscurité… à moins qu’elle n’ait égaré, au préalable, la « mesure » de son pied : son précieux soulier. En dialogue avec les pièces de Charlie Boisson et en présence de l’artiste, cette intervention propose de retracer le parcours sinueux d’un « fétichisme en féerie ». L’obsession fantasmatique se voit revisitée à l’aune des anciens mythes, des rites populaires et des contes merveilleux. Le pied blessé au talon, le pied invisible d’Aurore ou le soulier perdu de Cendrillon inclinent à suivre, à la trace, un parcours qui s’inscrit entre le monde humain – celui des pieds campés, debout sous le soleil – et l’Autre Monde disparu des déessesserpentes et autres fées-oiseaux. Qui trouvera, aux hasards de la quête, le soulier perdu et, peut-être enfin… chaussure à son pied ?

Diplômé des Beaux-arts de St-Étienne et d’un master de lettres, Yoann Dumel-Vaillot soutient prochainement une thèse de philosophie à l’Université Lyon 3 : ses recherches portent sur le paradigme du mythe et l’univers féerique dans l’oeuvre de Rabelais. Yoann enseigne également, depuis plusieurs années, la pratique de la méditation et conduit des séances de yoga-nidra (relaxation profonde avec visualisations). Son approche résolument transversale, pluridisciplinaire de la pensée et de la créativité nourrit ses échanges réguliers avec des artistes. Dans le cadre de l’exposition de Charlie Boisson, son intervention est le reflet d’une collaboration particulièrement soutenue.

© Illustration des Histoires ou contes du temps passé, « Cendrillon » de Charles de Perrault, édition de 1777 (source gallica.bnf.fr / Bibliothèque nationale de France).

Projection

"Rencontres du troisième type" de Steven Spielberg avec Louis Gary

Mercredi 12 juin, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles. Réservation conseillée à info@lahah.fr

Pour sa carte blanche cinéma, Louis Gary a choisi de projeter Rencontres du Troisième Type de Steven Spielberg : «l’histoire d’un homme qui s’échappe, après avoir croisé la route d’une sphère lumineuse, reproduit dans son salon une montagne dont l’image l’obsédait, et rencontre un ufologue joué par François Truffaut».

Rencontre

Louis Gary et Clotilde Viannay

Samedi 25 mai, 17h30
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret, 75011 Paris

© Clotilde Viannay

Les projets de Clotilde Viannay qu’ils prennent la forme d’installations, éditions ou recherches universitaires sont des radiographies d’espaces politiques, économiques et culturels. Son installation La Nouvelle Ashgabat (2006) se présente comme un dispositif stratégique, captant diverses formes de documents relatifs à l’histoire de la reconstruction de la capitale du Turkménistan, détruite en 1948 par un tremblement de terre puis transformée en parc à thème stalinien. En 2009, elle poursuit des recherches avec Bruno Latour autour de la question des nouvelles formes de représentations des enjeux des territoires. En 2011, elle travaille sur un projet autour des Watchmen d’Alan Moore et construit les édifices d’un monde hybride rempli de personnages mutants, héros d’histoires à enjeux internationaux pour analyser les espaces politiques et culturels qui l’intéressent. Depuis quatre ans, elle développe les éditions l’incroyable. Chaque livre se concentre sur la jeunesse d’une personnalité issue du monde de la culture, offrant l’opportunité d’explorer une époque, un pays et un milieu artistique différents. L’invité, sa pratique et l’époque de sa jeunesse deviennent des outils critiques pour réfléchir au passé et au monde contemporain. Et la jeunesse de l’artiste ouvre une nouvelle fenêtre de compréhension sur son œuvre.

Cheese analyse

Lancement du fanzine Specific Cheeses #11*

Samedi 1er juin 2019, 17h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

© Nicolas Boulard

Specific Cheeses a débuté en 2010, lorsque Nicolas Boulard a réalisé que la forme du fromage de chèvre produit à Valençay ressemblait exactement à une pyramide tronquée dessinée par Sol LeWitt. Tout d’abord, Boulard a donné une série de conférences sur les similitudes existant entre les formes de fromages traditionnels et les formes géométriques du minimalisme (cercle, carré, triangle). Après ce tour de force théorique alliant le monde du fromage, l’histoire de la géométrie et l’histoire de la sculpture, Boulard réalise 12 moules à fromage à partir des “12 forms derived from a cube” de Sol LeWitt - un portfolio de 12 sérigraphies de 1982. Specific Cheeses est une référence directe au manifeste de l’art minimal rédigé par Donald Judd en 1964 “Specific Objects”.

« La qualité essentielle des formes géométriques vient de ce qu’elles ne sont pas organiques, à la différence de toute autre forme dite artistique. »
Donald Judd, entretien avec Lucy Lippard, 1967

Le fanzine Specific Cheeses regroupe des textes, des citations, des images, des reproductions d’oeuvres, des extraits de films où le fromage figure comme un sujet d’étude ou un modèle d’objet. Cheese Analyse est une invitation faite à différentes personnalités pour présenter en public une pensée organique mise en forme le temps de 6 prises de paroles et d’échanges. Analyse de textes, analyse d’images, analyse de situation, analyse d’histoires, voir psychanalyse de souvenirs ou de mémoires.

Intervenant-e-s :

Léa Bismuth est auteure et critique d’art. Sa pratique mêle littérature et art contemporain, et explore les possibles d’une écriture de l’exposition, de l’essai au récit. Elle écrit notamment dans artpress depuis 2006. Nourrie de philosophie, elle a initié le programme de recherche curatoriale La Traversée des Inquiétudes (une trilogie d’expositions d’après Georges Bataille, à Labanque de Béthune, de 2016 à 2019). Depuis 2013, elle a été commissaire d’une vingtaine d’expositions. En mai 2019, elle fait paraître en complicité avec Mathilde Girard La Besogne des Images aux Editions Filigranes, et est co-commissaire de l’exposition Dans l’atelier la création à l’oeuvre au Musée Delacroix.

Pierre Boisard est docteur en sciences sociales du développement, titulaire d’une habilitation à diriger les recherches en sociologie. Il a été chercheur au CNRS en sociologie, spécialisé dans les questions du travail et de l’innovation en entreprise jusqu’en 2012. Il est l’auteur de nombreux ouvrages dont : La vie de Bistrot, Puf, 2016 Le nouvel âge du travail, éditions Hachette Littératures, 2009, Sortir du chômage, Éditions Mango, 2007, Le camembert mythe national, 1992, Paris, Calmann-Lévy, réédité en 2007, sous le titre Le camembert mythe français aux éditions Odile Jacob, traduit et publié en 2003, aux USA, sous le titre Camembert a National Myth, Berkeley, University Press of California.

Nicolas Boulard est diplômé de l’école supérieure des arts décoratifs de Strasbourg. Il développe depuis 2002 une pratique artistique qui procède à des assemblages hétéroclites et des décloisonnements formels et conceptuels. Il trouve dans le terroir les sources de son travail artistique, où il est généralement question de mutation de la matière, de résurgences de formes, de détournement de règles et de savoir-faire. Il a créé en 2010 Specific Cheeses, un travail artistique protéiforme qui a pour origine le constat d’une proximité formelle entre les formes des fromages et les formes du Minimal Art.

Vanessa Morisset est docteure en histoire de l’art et critique d’art. Elle s’intéresse à peu près à tout, suivant un programme inspiré du « sortir de la philosophie par la philosophie » de Gilles Deleuze transposé à l’art. Elle enseigne la culture générale à l’ESAD de Reims et écrit des textes critiques glissant parfois vers la fiction ou la poésie.

Mathilde Girard est psychanalyste et écrivain. Membre du comité de rédaction de la revue Lignes, elle est auteur de Proprement dit, entretien sur le mythe, avec Jean- Luc Nancy (Lignes, 2015) ; L’Art de la faute, selon Georges Bataille (Lignes, 2017); Défense d’écrire, entretiens, avec Michel Surya (Encre marine, 2018). Elle a participé à l’écriture des films de Pierre Creton (Va, Toto ! en 2017 ; Le Bel Été, 2019) ; et de Marylène Negro (Stone, Double Portrait, Rénovation, 2017).

Jean-françois Leroy

Tout vient d’un plan

Vernissage • jeudi 4 avril • de 17h à 21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Exposition ouverte du vendredi 5 au samedi 27 avril 2019
Du mercredi au samedi de 14h à 19h, et sur rendez-vous

Vue de En double aveugle, Instants chavirés, Montreuil, 2019 © Aurélien Mole

L’ahah a le plaisir d’accueillir à #Griset Tout vient d’un plan. Cette exposition personnelle de Jean-françois Leroy (membre de L’ahah depuis 2017) est conçue et proposée par l’artiste dans le cadre de l’achèvement de sa thèse de doctorat. Cette thèse, intitulée Élaborer l’unique à partir du même, a été menée dans le cadre du programme de recherche doctorale de l’université PSL (Paris sciences et Lettres) – SACRe – ENSBA depuis 2015. Mêlant sculpture, sérigraphie et édition, l’exposition Tout vient d’un plan intervient comme un second volet complémentaire à l’exposition En double aveugle présentée précédemment aux Instants chavirés à Montreuil, du 3 février au 10 mars 2019.

Rencontre avec Yves Citton

En partenariat avec le laboratoire VOIR de l’ESADHaR

Vendredi 5 avril, 15h-18h
L’ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Gratuit / Attention, réservation indispensable à info@lahah.fr

© Portrait d'Yves Citton par BERTRAND GAUDILLÈRE/ITEM pour Le Monde

Parce qu’elle a choisi de ménager pour ses artistes membres et pour elle-même l’espace et le temps nécessaire à la recherche, à l’expérimentation et à l’accompagnement, L’ahah ne pouvait que répondre avec enthousiasme à la proposition du laboratoire VOIR de l’associer à une de ses séances consacrées à Yves Citton et à la notion d’« économie de l’attention » exposée et développée dans L’économie de l’attention. Nouvel horizon du capitalisme ? paru aux éditions de La Découverte en 2014.
Dans notre société de l’image et du capital, l’attention constituerait désormais une rareté voire la plus précieuse source de valeur, et serait en passe de supplanter les anciens modes d’échange des biens matériels. Afin de comprendre ses ressources, outils et les craintes qu’elle génère, Yves Citton convoque une grande diversité de disciplines des neurosciences à la sociologie, de la création de logiciels à la philosophie éthique.
Invité du laboratoire VOIR de l’ÉSADHaR (Ecole Supérieure d'Art et Design le Havre/Rouen), programme de recherche sur les images dirigé par Colette Hyvrard, Stéphanie Solinas et Tania Vladova, Yves Citton échangera autour de ses recherches ainsi que des problématiques proposées par les étudiant-e-s présent-e-s ainsi que les membres associé-e-s au laboratoire depuis cette année : Laura Burdzy, Marie Cantos, Antoine Camenen, Guillaume Constantin et Nora Labo.

Yves Citton est actuellement professeur de littérature et média à l’université Paris 8, dans le département de littératures française et francophones. Auparavant, il a enseigné à l’université Grenoble Alpes, à Sciences Po Paris, à New York University, à la University of Pittsburgh et à l’université de Genève où il a reçu son doctorat en 1992. Il codirige la revue Multitudes, et a publié une dizaine d’ouvrages dont, récemment : Contre-courants politiques (Fayard, 2018) et Médiarchie (Le Seuil, 2017) ; ou bien encore : Gestes d’humanités. Anthropologie sauvage de nos expériences esthétiques (Armand Colin, 2012), Renverser l’insoutenable (Le Seuil, 2012) ou Zazirocratie. Très curieuse introduction à la biopolitique et à la critique de la croissance (Éditions Amsterdam, 2011).
yvescitton.net

Vincent Dulom

Percée

vernissage • samedi 19 janvier • 17h – 21h
Exposition du samedi 19 janvier au samedi 30 mars 2019
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
L'ahah #Moret, 24-26 rue Moret 75011 Paris

«Une peinture sans limite, dégagée de la limitation physique de son support. Cet état n’est possible qu’à considérer justement les qualités du support et son égale présence avec la déposition de l’encre. La couleur s’affirme, elle appelle mais c’est presque en non-lieu de son corps se déplaçant dans l’aire de la feuille, quittant les arêtes du papier, glissant son ombre dans un noir d’oeil, une tache aveugle. Car cette peinture va jusqu’à l’extrême de la vision, par sa tactilité et son bougé.
[…] Le geste qui accompagne cette peinture est absenté. Il est remisé à la régularité et à la mécanisation de l’imprimante. C’est un écart, même un écartement. C’est l’espace nécessaire pour que d’un seul passage, en un jet d’encre passé, la peinture se trouve en surface, ne soit que surface et que cette manière d’étendue soit le lieu d’une perte de lieu.»

Claire Chesnier, «Fragments d’une déposition» (extrait – sur le travail de Vincent Dulom), 2018.

Légende : Écran 18061005180621001 (détail), 2018, Jet d’encre pigmentaire sur papier (format 21 x 29,7 cm - 100% coton - tirage unique) et support en aluminium, 32 cm x 33 cm x 27,5 cm, Vue d’atelier

Entailles musicales : écoutes guidées par Aurélien Dumont

Entailles musicales

Vendredi 29 mars à 19h
Rendez-vous à #Griset. Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

Portrait d'Aurélien Dumont © Manfredi Gioacchini

Séance d’écoute d’une sélection de morceaux de musique en résonance (plus ou moins directe) avec la double exposition de Vincent Dulom, mise en ordre et en mots par le compositeur Aurélien Dumont. Docteur en composition musicale dans le cadre du programme SACRe de l’École Normale Supérieure de Paris et du Conservatoire de Paris, Aurélien Dumont étudie également la composition et l’informatique musicale à l’Ircam. Partageant sa vie entre Paris et Tokyo, sa musique se nourrit de références littéraires, philosophiques, et de nombreuses collaborations. Lauréat notamment du Prix Pierre Cardin de l’Académie des beaux-arts et du Prix San Fedele de Milan, il a été pensionnaire à la Villa Médicis en 2017-2018 et résident à l’ensemble 2e2m en 2018.

Homeshaping/Homeshaking : Modern odysseys

Avec Ouassila Arras, Daniel Galicia, Katrin Koskaru, Jean-françois Leroy, Raphaël Maman, Rayane Mcirdi, Yacine Ouelhadj, Jeanne Susplugas

Raphaël Maman, Charge, 2021, matelas, briques, mortier, housse de coussin, béton, 90x190x15 cm. Crédit photo : Adrien Thibault

Vernissage • Jeudi 30 juin • 17h-21h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris

Performance de Daniel Galicia à 19h, au départ de L’ahah #Griset jusqu’au lobby de l’IESA, 1 cité Griset
Entrée libre et gratuite

Exposition collective du 30 juin au 9 juillet 2022, conçue et organisée par Colette Cabaniss, Pranitha Joseph, Yifang Lin et Jeanne Mathas, toutes quatre issues du « MBA in Contemporary art: sales, display and collecting »
→ Plus d'infos sur l'exposition

Daniel Galicia, né en 1993 au Mexique, a déménagé à Montréal avec sa mère à l’âge de 14 ans. Il travaille maintenant en France depuis cinq ans. Des Beaux-Arts de Lyon à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, Daniel Galicia développe, entre autres, son Quinceañera Project. Une proposition riche et complexe née de sa volonté de fêter symboliquement ses 15 ans dans les codes de la tradition mexicaine. La Quinceañera demeure un rite de passage pour les personnes nées femme, une transition de l’enfance vers l’âge adulte. Le travail de Daniel Galicia questionne les identités, les migrations, et explore les confins de l’intime, à travers des œuvres peintes empreintes de surréalisme et des performances poétiques.
→ Profil de l'artiste

Lecture musicale de Maison-mère

Interprétation musicale du livre Maison-mère (Editions Plon) par son autrice Anaïd Demir et l'artiste Jérôme Poret, à l'occasion du vernissage de « WHISPER ROOM, La chambre murmurée »

Samedi 10 septembre 2022 • Lecture à 19h • Ouverture de 14h à 21h
Exposition collective du samedi 10 au samedi 17 septembre 2022
À L’ahah #Griset, du mercredi au dimanche de 14h-19h, et sur rendez-vous

Crédit photo : Pierre Gayte

À l'occasion du vernissage de « WHISPER ROOM, La chambre murmurée », qui habillera L'ahah #Griset de ses disques vinyles, livres, impressions, objets insolites et histoires occultes, la critique d'art et commissaire d'exposition Anaïd Demir nous fera l'honneur d'interpréter des extraits de son dernier ouvrage Maison-mère (Editions Plon, Paris, 2022) en compagnie de l'artiste, musicien et commissaire de l'exposition, Jérôme Poret.

« Ce récit sonne comme un retour à la matrice, aux origines, arméniennes ici, à l’enfance. Un retour à la « maison » au sens le plus symbolique du terme, au cœur d’une labyrinthique et étouffante demeure familiale dans laquelle la narratrice se voit contrainte d’emménager après un héritage. Un conglomérat d’espaces, de chambres, de corridors… dans lequel elle déambule, comme en apnée, au sein de visions qui la renvoient indéfiniment à son passé, essentiellement les années 80. Les pièces de la maison deviennent peu à peu comme les pièces d’un puzzle dont chaque morceau représente une part de son identité morcelée. » – Editions Plon, 2022

Critique d'art et commissaire d'exposition, Anaïd Demir écrit pour des catalogues et livres d'art (Le Journal des Arts, The Art Newspaper, Beaux-Arts Magazine, L’œil…) et a contribué à de nombreux média en presse écrite, radio, web ou télé (Radio Nova, Direct 8...). Membre de l'AICA (Association Internationale des Critiques d'Art) depuis 2001, elle a récemment remporté le Prix Ekphrasis 2020 qui avec le concours de l'ADAGP lui a permis de publier un texte approfondi sur le travail de Nathalie Junod Ponsard dans le Quotidien de l'Art. Elle a présenté des expositions dans divers lieux de l'art tels le mythique Hôtel La Louisiane à Paris (The Shining, 2019).
Co-autrice de l'unique monographie du cinéaste coréen Kim Ki-Duk (Ed. Dis-Voir, Paris, 2006), elle est également l'auteur de récits et fictions ancrés dans le champ de l'art comme Le dernier jour de Jean-Michel Basquiat (Ed. Anabet, Paris, 2010), Joconde Intime (Ed. Léo Scheer-Laureli, 2011) ou sa série Conversations Post-Mortem mettant en scène des artistes et autres personnages d'Outre-Tombe. En 2016, son récit Tête de turc est paru dans la revue littéraire Le Courage aux Editions Grasset (2016).
Maison-mère, son dernier ouvrage, vient de paraître aux Editions Plon (février 2022) alors que le prochain, L'entrée des femmes à l'Ecole des Beaux-Arts est en cours d'élaboration pour une parution en septembre 2022.
Par ailleurs, elle enseigne une Histoire de l'art au féminin et dirige un atelier d'écriture appliqué à la critique d'art à l'IESA Arts&Culture à Paris.

Séances d’écoute de musiques habitées

Journée de séances de lecture et d’écoute de musiques habitées menées par Jérôme Poret, dans le cadre de l’exposition WHISPER ROOM, La chambre murmurée

Dimanche 11 septembre 2022 • 15h-17h
Exposition collective du 10 au 17 septembre
À L’ahah #Griset, 4 cité Griset, 75011 Paris
Entrée libre et gratuite

Jérôme Poret, Whisper Room I, 2020, Sérigraphie couleur sur papier Fedrigonisirio 290g, 66x96cm, Collection Frac Grand Large – Hauts-de-France © Adagp, Paris

Jérôme Poret, artiste, musicien et commissaire de l’exposition WHISPER ROOM, La chambre murmurée, mettra à disposition, lors d’une journée de séances d’écoute et de lecture exceptionnelle, une sélection personnelle de sa bibliothèque et de sa collection de disques vinyles, accompagnée à cette occasion d’un prêt du PHONO Museum Paris.

→ Page de l’exposition
→ Page du PHONO Museum

Créé en 2014, le PHONO Museum Paris a pour vocation de favoriser la connaissance de l’histoire du son enregistré et des appareils qui y sont liés et d’assurer l’aspect patrimonial de conservation de machines parlantes. C’est le seul musée parisien à présenter une telle collection de machines d’époque fonctionnelles.
Il est actuellement géré par l’association à but non lucratif loi 1901, Phonoplanète, qui forme quotidiennement à la sauvegarde des connaissances liées aux techniques et supports sonores.

Conférence de Claire Kueny

L’encre serait de l’ombre : tentations et tentatives d’analyses de la matérialité de l’ombre

Mercredi 20 mars, 19h
L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles. Réservation conseillée à info@lahah.fr

Vue de l'exposition "Percée" de Vincent Dulom, L'ahah #Moret, Paris, 2019 © Marc Domage / L'ahah, Paris

A partir du travail de Vincent Dulom, Claire Kueny propose d’explorer différentes matérialités de l’ombre, telles qu’elles ont été envisagées par les hommes et les femmes – et quelques artistes parmi eux-elles – d’hier à aujourd’hui. L’encre serait de l’ombre, titre de la conférence, est emprunté à Philippe Jaccottet, écrivain, poète, traducteur, critique littéraire, dont l’œuvre a accompagné le travail de Vincent Dulom. Il fait écho, pour Claire Kueny, aux derniers échanges qu’elle a eu avec l’artiste : « mes encres paraissent échapper à leur fixité et à leur opacité ; à l’inscription de leur présence sur la surface » ; « [mes encres sont] de la matière qui semble, dans l’organisation [que propose la peinture], échapper à la définition de l’être, et dont la concrétude n’est que variation, mouvement, transition et moment ». De la peinture, seulement. Des encres sur des surfaces. Mais des encres qui seraient des ombres : matières et immatérielles, inscrites dans le registre de la présence et de l’absence, de l’apparition et de la disparition. Insaisissables ? Et si l'ombre était de l'encre ?

Claire Kueny est docteure en histoire et théorie de l'art, auteure d'une thèse sur l'utilisation des ombres projetées dans la sculpture au 20e siècle soutenue à l'Université Paris 8. Enseignante à l'Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon et critique d'art, ses recherches portent principalement sur la création contemporaine - et la sculpture en particulier. Elle travaille actuellement sur les notions de magie et de chantier, qui reflètent son attachement autant à la dimension sensible et enchanteresse de l'art qu'à ses matériaux, techniques et espaces de production.

Projection

«La Femme des sables» de Hiroshi Teshigahara

Vendredi 1er mars à 19h
Séance à #Griset. Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

L’ahah inaugure son ciné-club ! Pour sa première séance, l’association propose le visionnage de ce chef-d’œuvre du cinéma japonais sorti en 1964 et inspiré du roman éponyme de Kōbō Abe.
Le film, choisi et proposé par l’artiste au sein d’un corpus de références volontairement large et ouvert, sera suivi d’un échange avec les directrices de l’association, Marie Cantos & Doria Tichit, ainsi que le public présent. À vos crayons et carnets de note, remarques et questions seront bienvenues pour disserter avec l’artiste autour de ce choix !

Évènement Facebook

Rencontre entre Vincent Dulom et Léa Bismuth

Samedi 16 février 2019, 17h30

L'ahah #Griset, 4 cité Griset 75011 Paris

À l’occasion de Percée, double exposition personnelle de Vincent Dulom à #Moret et à #Griset, L’ahah a l’honneur de recevoir Léa Bismuth pour une rencontre avec Vincent Dulom. Tou-te-s deux nourri-e-s de littérature et de philosophie, l’artiste et la critique / commissaire s’entretiendront autour de la pratique picturale et du processus créatif – du geste aussi, celui de Vincent Dulom, et de tout artiste plus généralement.

Léa Bismuth est auteure, critique d’art et commissaire d’exposition indépendante. 
Citons notamment ses commissariats : L’Éternité par les Astres aux Tanneries d’Amilly (2017), Pia Rondé & Fabien Saleil / Cité-Fantôme au Drawing Lab Paris (2017), Clément Cogitore / Braguino ou la communauté impossible au BAL (2017) ; ou bien encore la trilogie La Traversée des Inquiétudes, programme de recherche curatoriale qu’elle a initié à Labanque de Béthune de 2016 à 2019. Elle prépare actuellement un livre collectif (La Besogne des Images, à paraître aux éditions Filigranes en co-édition avec Labanque en avril 2019) ainsi qu’un commissariat pour le Musée Delacroix à Paris (mai 2019). Sa pratique consiste à explorer les possibles d’une écriture en prise avec l’espace d’exposition. Elle a publié des textes dans de nombreux catalogues, des revues de littérature, ainsi que dans artpress.

Léa Bismuth © Juliette Agnel

Lancement

Revue Possible #3

Samedi 9 février, 17h30
Rendez-vous à #Griset. Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles.

L’ahah a le plaisir d’accueillir le lancement du numéro 3 de Possible, jeune revue qui fait la part belle à la parole des artistes, à travers de longs entretiens qui en font, entre autres, la spécificité – un positionnement qui ne pouvait que résonner avec les engagements de l’association. Pour l’occasion, L’ahah laisse carte blanche au comité critique qui a concocté un programme d’échanges et d’interventions en collaboration avec les contributeur-rice-s, artistes et critiques, de ce nouveau numéro.
Après un échange inaugural autour des échappées proposées par les projets de L’ahah et de Possible ainsi que la place de la critique d’art en leur sein, l’événement s’articulera autour de deux temps forts : une discussion entre Camille Paulhan et Clare-Mary Puyfoulhoux autour de la relecture / correction des textes des un-e-s et des autres comme espace de réflexion partagé et mouvant ; puis une intervention performée de l’artiste Bertrand Rigaux, qui lira quelques-uns de ses poèmes augmentés d’actions et / ou de propositions sonores.

Possible est une revue en ligne dédiée à la création contemporaine. Elle favorise l’échange et le dialogue avec les artistes ainsi que des formes d’écriture sur l’art plus expérimentales. De par sa forme collégiale, la revue est le lieu d’échanges de points de vue qui replacent au centre de la critique d’art la fertilité des rencontres et de l’oralité. Créée en 2017à l’initiative de Julien Verhaeghe, docteur en Esthétique et titulaire d’un DNSEP, elle est menée par un comité critique également composé de Claire Kueny, historienne de l'art, critique d'art et enseignante, Fanny Lambert, critique d’art, journaliste, commissaire d’expositions indépendante et enseignante, Vanessa Morisset, docteure en histoire de l’art et critique d’art, Clare-Mary Puyfoulhoux, auteure, Camille Paulhan, historienne de l’art, critique d’art et enseignante, Leïla Simon, commissaire d’expositions et critique d’art indépendante ; et Marion Zilio, critique d’art, commissaire d’exposition et docteure en esthétique.

Conférence par Aurélien Mole

Les artistes iconographes

Mardi 27 novembre 2018, 19h
L'ahah #Griset
4 cité Griset (3ème étage droite)
75011 Paris
Évènement Facebook
Entrée libre et gratuite dans la limite des places disponibles
Réservation conseillée à info@lahah.fr

Le terme "artiste iconographe" désigne toute pratique qui utilise un ensemble d'images trouvées et/ou produites dans des dispositifs complexes qui trouvent leurs origines dans l'histoire du collage, de l'appropriation ou de l'exposition des archives. Au tournant des années 2000, parallèlement à la montée du web 2.0, on observe un renouvellement des usages de l'image qui offrent encore aujourd'hui des outils efficaces pour construire des rapports au monde pertinents.

Vous avez peut-être déjà croisé le nom d’Aurélien Mole (né en 1975) sous une photographie de vue d’exposition. Diplômé de l’École du Louvre en histoire de la photographie, il a poursuivi son cursus à l’école nationale supérieure de la photographie à Arles et l’a conclu par une formation sur les pratiques de l’exposition à Paris x, Nanterre. Son travail a fait l’objet d’expositions personnelles dans différentes galeries (Lucile Corty, Florence Loewy, Dohyang Lee) et centres d’art (Parc Saint Léger, La villa du Parc, CNEAI=, CAC Passerelle). Il a publié régulièrement des critiques ayant trait à l’exposition ainsi que dans des monographies sur des artistes contemporains (Aurélien Froment, Pierre Leguillon, Clément Rodzielski etc.) Il réalise des expositions basées sur des dispositifs au sein du collectif le Bureau/, et en son nom propre. Enfin, il est un des cofondateurs de la revue Postdocument. À L’ahah, il donnera une conférence autour de la recherche menée en collaboration avec Garance Chabert sur «Les artistes iconographes».

Lena Amuat et Zoë Meyer

Artefakte und Modelle

du vendredi 9 novembre au samedi 22 décembre 2018
vernissage • jeudi 8 novembre • 17h – 21h30

Inaugurée en septembre dernier, la programmation d’expositions monographiques des artistes membres de l’association L’ahah se poursuit cet automne avec Artefakte und Modelle de Lena Amuat & Zoë Meyer.
Nées respectivement en 1977 et 1975, Lena Amuat & Zoë Meyer vivent et travaillent entre Berlin (Allemagne) et Zurich (Suisse) où elles se sont rencontrées durant leurs études de photographie à la Studienbereich Fotografie ZHdK (dont elles ont également été diplômées en beaux-arts). Lena Amuat & Zoë Meyer oeuvrent en duo depuis 2008. Lauréates du Swiss Design Award en 2012, elles ont déjà bénéficié de nombreuses expositions collectives ou personnelles en Europe.

Artefakte und Modelle, qui se déploiera sur les deux espaces d’exposition de L’ahah (à #Griset et à #Moret), est la première exposition personnelle d’ampleur du duo en France. Une double exposition, comme il se devait pour ce binôme ayant fait de la figure du double, du principe de rejeu et de la réflexion spéculaire quelques-unes des articulations formelles et conceptuelles de leur travail.

Artefakte und Modelle s’inscrit dans un ensemble d’expositions et de publications à travers lequel Lena Amuat & Zoë Meyer interrogent la production des savoirs et utilisent la photographie comme une forme de reliquaire contemporain. Les deux artistes s’emparent d’objets et d’images utilisés dans la transmission des connaissances et issus de bibliothèques, fonds d’archives et collections en tous genres. Elles les (re)mettent en scène dans des photographies dont le potentiel plastique est indéniable, puis mettent en scène ces photographies dans des accrochages et des installations. À travers les mises en abîme et changements d’échelle, l’espace d’exposition lui-même devient objet photographique.

Pour cette double exposition parisienne, le duo d’artistes suisses produira un certain nombre de photographies et de volumes dans une mise en espace spécifique à #Griset et #Moret. Lena Amuat & Zoë Meyer montreront notamment 24 nouveaux tirages issus de la série des «Mathematische Modelle» menée depuis 2009, ainsi que le tout-dernier volet des publications qui leur sont dédiées et qui paraît en parallèle aux éditions Aboutbooks (Berlin / Zurich).

Enrico Bertelli

OLDER and YOUNGER

du mercredi 19 septembre au samedi 27 octobre 2018
vernissage • samedi 15 septembre • 17h – 21h30

Lancement de la publication UNAN • samedi 15 septembre 2018 • 17h – 21h30

“ Ton travail a toutes les apparences d’une auto-documentation, d’un témoignage de ton activité. Les éléments évoquent des sons, des bruits, traduits en couleurs et formes… pas forcément agréables, ces sons. Il y a quelque chose de très inconfortable et d’anxieux dans certains pans du travail. On y ressent comme des zones de silence, comme si tu voulais crier et que rien ne sortait… Une amie, en regardant ton travail, me disait : “J’aime, mais il y a quelque chose ici qui provient de la douleur, quelque chose de silencieux, c’est difficile à dire…” Il y a une sorte de revendication dans ta recherche, et dans le même temps, comme une découverte de l’improvisation. Tu n’utilises pas les formes traditionnelles comme telles, ton travail est le fruit d’un accident dont les imperfections, les taches témoignent. Cela implique un vocabulaire différent qu’en retour, tu intègres dans ta pratique. Ton travail, c’est de la peinture lente, c’est du temps au ralenti, c’est propre à la peinture que d’exiger de nous de passer plus de temps avec elle, de ne pas chercher l’immédiateté… et ton travail est de cette sorte.”

Vincent Hawkins, mai 2018

Anne-Charlotte Yver

3296

du mercredi 19 septembre au samedi 27 octobre 2018
vernissage • samedi 15 septembre • 17h – 21h30

« Ici se désagrège lentement du béton, qui fut l’un des premiers matériaux de son travail. Ce condensé de minéraux est un alliage créé par l’homme. Il tient sa provenance de la sédimentation des roches et forme les bâtiments qui disciplinent les périmètres de nos vies. Il advint un jour au Chili que devant elle ces mêmes roches se mirent à bouger et les rues s’éventrèrent, et les murs s’effritèrent. Les cailloux s’en retournèrent avec les cailloux. La matière et l’usage de la matière donnèrent à voir leurs relations anthropophages. »

Quentin Mornay, juin 2018

Légende : Anne-Charlotte Yver, Oxydoréduction, 2018
Courtesy de l’artiste et de L’ahah © Anne-Charlotte Yver

Enrico Bertelli s’entretient avec Marie Cantos

Samedi 27 octobre 2018, 17h30
L'ahah #Moret
24-26 rue Moret
75011 Paris

À l'occasion de son exposition personnelle "OLDER and YOUNGER" à L'ahah #Moret, Enrico Bertelli s'entretient avec Marie Cantos, directrice artistique de L’ahah.

Marie Cantos est auteure de textes, d’expositions et de conférences performées - activités qu’elle envisage comme di érents déploiements d’une seule et même recherche, à la fois théorique et pratique.
Membre associée au Labo VOIR de l’ÉSADHaR, elle intervient de manière régulière dans les écoles supérieures d’art. Après avoir développé ses projets éditoriaux et curatoriaux en indépendante, en 2018, elle prend la direction artistique d’Art on Paper (Bruxelles) ainsi que de L’ahah.

Anne-Charlotte Yver s’entretient avec Quentin Mornay

Samedi 13 octobre 2018, 17h30
L'ahah #Griset 4 cité Griset (3ème étage droite) 75011 Paris

À l'occasion de son exposition personnelle "3296" à L'ahah #Griset, Anne-Charlotte Yver s'entretient avec Quentin Mornay, artiste et chercheur.

Quentin Mornayest artiste, doctorant dans le programme SACRe à l’ENSBA Paris. Sa pratique de la sculpture prend pour matière les techniques de représentation et d’objectivation du monde contemporain. En réinvestissant des formes générées par des langages informatiques, les œuvres jouent une relation syncrétique entre des techniques manuelles et des technologies virtuelles.
En parallèle de sa recherche, il développe un travail d’écriture pour des éditions de livre d’artistes et des lieux de résidence.
www.quentinmornay.com

ahah : nom masc., ouverture pratiquée dans un mur de clôture pour prolonger ou ouvrir une perspective, l'ahah n'est pas conçu pour donner passage, il est généralement doublé, extérieurement, par un saut-de-loup.

Conçue et développée pendant deux années par Pascaline Mulliez et Marine Veilleux, L’ahah, association loi 1901, propose ainsi un accompagnement dans le temps et sur-mesure à des artistes plasticiens qui placent le temps de la recherche au coeur de leur pratique et se mettant par là un peu en retrait du marché de l’art. L’ahah s’engage sur cinq années à assurer une diffusion du travail via expositions personnelles, publications et projets hors les murs et se propose d'enrichir le regard sur l’oeuvre en développant un programme parallèle trans-disciplinaire.

A ce titre, L’ahah dispose de deux espaces d’exposition dans le quartier Oberkampf - cité Griset et rue Moret - dont la programmation ouvrira à l’automne 2018, sous la co-direction de Doria Tichit et Marie Cantos :

septembre → octobre 2018
Enrico Bertelli #Moret
Anne-Charlotte Yver #Griset

novembre → décembre 2018
Lena Amuat & Zoë Meyer #Moret #Griset

janvier → avril 2019
Vincent Dulom #Moret #Griset

février → avril 2019
Charlie Boisson #Moret

avril → juin 2019
Katrin Koskaru #Griset
Louis Gary #Moret

Artistes membres

Jean-François Leroy (1982, France)
Enrico Bertelli (1959, Italie)
Anne-Charlotte Yver (1987, France)
Vincent Hawkins (1959, UK)
Louis Gary (1982, France)
Jeffrey Silverthorne (1946, USA)
Katrin Koskaru (1977, Estonie)
Josué Z. Rauscher (1963, France)
Lena Amuat et Zoë Meyer (1977 & 1975, Suisse)
Charlie Boisson (1980, France)
Bernard Gaube (1952, Belgique)
Vincent Dulom (1965, France)
Ran Zhang (1981, Chine)

D'ici septembre, L'ahah vous souhaite un très bel été!

Anne-Charlotte Yver + Jean-Baptiste Lenglet

A Free Fall

Vernissage le 28.06.18, 18h → 22h

L'ahah #Moret
29.06 → 01.07.18, 14h → 20h

Partant d'une structure tubulaire, structurelle et liquide circulant dans l'atelier temporaire, deux expériences spatiales et perceptives distinctes sont données à éprouver, en deux temps d'exposition et au sein du même espace.

A Free Fall, second projet mené cette fois en collaboration avec Jean-Baptiste Lenglet, y est visible du 28 juin au 1er juillet.

© Panels of Silence

© Panels of Silence

© Panels of Silence

© Panels of Silence

© Panels of Silence

© Panels of Silence

Anne-Charlotte Yver + Augustin Steyer

Vernissage
31.05.18, 18h → 22h
accompagné d'une performance sonore d'Augustin Steyer à 21h

Intra

#Moret
01.06 → 03.06.18, 14h → 20h

Partant d'une structure tubulaire, structurelle et liquide circulant dans l'atelier temporaire, deux expériences spatiales et perceptives distinctes seront données à éprouver , en deux temps d'exposition et au sein du même espace.

Intra, premier de ces deux projets développés par Anne-Charlotte Yver durant sa résidence, est une installation sonore réalisée en collaboration avec Augustin Steyer.
L'installation sera activée lors de deux performances : à l'occasion du vernissage et lors du dernier jour de l'exposition.

A Free Fall, second projet mené cette fois en collaboration avec Jean-Baptiste Lenglet, y sera visible du 28 juin au 1er juillet.

En parallèle

03.06.18, 18h : nouvelle performance sonore d'Augustin Steyer.

© Anne-Charlotte Yver

© Anne-Charlotte Yver

© Anne-Charlotte Yver

© Anne-Charlotte Yver

© Anne-Charlotte Yver

Enrico Bertelli

By a Hum

Origini Edizioni, Italie, 2017

Texte de Matilde Vittoria Laricchia
Photographies de Valentino Barachini
Traductions de Massimiliano Barachini
Langues : italien / anglais

Le livre se découpe en quatre sections :

• reproduction littérale d'un livre d'artiste d'Enrico Bertelli
16 pages, 33 x 47 cm

• essai de Matilde Vittoria Laricchia

• photographies de Valentino Barachini de l'exposition d'Enrico Bertelli : 20 giorni
(Palazzo Huigens. Livorno, September 2016)

• photographies de Valentino Barachini
dans l'atelier d'Enrico Bertelli.

100 copies numérotées et signées (35 €),
dont 30 exemplaires comprenant une oeuvre sur pvc d'Enrico Bertelli (300 €).

Disponible 4 cité Griset, Paris ou en ligne

L'ahah ouvre ses portes!

Jeudi 14 décembre 2017, de 17h à 21h
Chers amis,
Après un an de travail, nous aurons plaisir à vous présenter L’ahah, telle que nous l’avons pensée.
Enrico Bertelli et Anne-Charlotte Yver, que nous accueillons dans nos murs jusqu’au 31 août 2018, seront également présents.
A cette occasion, Enrico Bertelli ouvrira exceptionnellement son atelier aux visites.
Hâte de vous retrouver!

Résonance
Nous accueillerons la Revue Point contemporain à l'occasion de sa dernière parution. Elle y propose un focus sur le projet Storage Facility d'Anne-Charlotte Yver.
Sa version digitale, menée dans le cadre du Virtual Dream Center sera présentée demain soir, jeudi 14 décembre.

Presse
"L'ahah apporte son soutien aux artistes", Le Quotidien de l'art, 13.12.2017